Monsieur Batignole (Película, 2001)

Monsieur Batignole

(Monsieur Batignole. Francia, 2001)

-Autor: José Luis Urraca Casal-

Sobrevivir en la Francia ocupada por los nazis

[Este artículo está protegido por derechos de autor. Ver detalles al final del mismo] A Gerard Jugnot la mayoría le conocimos a través de la exitosa Los Niños del Coro (2004) en el papel de un profesor de música lleno de humanidad, capaz no sólo de instruir sino de sacar también lo mejor de sus propios alumnos. Sin embargo este veterano actor francés tenía ya a sus espaldas una larga carrera no sólo como intérprete, sino también como guionista y director de cine. Monsieur Batignole, es un claro ejemplo de estas tres facetas que sin embargo no llegó a unos pocos de nuestros cines hasta 2005, pasando prácticamente desapercibida para el gran público.
[Autor del artículo: José Luis Urraca Casal. Licenciado en Historia]
Jugnot aborda un tierno relato que se desenvuelve en uno de los períodos más oscuros y dramáticos de la historia del país galo, durante los años (1940–1945) en que tras la derrota y el armisticio con la Alemania de Hitler, los nazis ocuparon la mitad de Francia, incluida París, quedando la otra mitad bajo la autonomía del régimen colaboracionista de Vichy.
[Autor: José Luis Urraca Casal para www.unmundodecine.com]
En un estilo muy diferente al heróico de Casablanca (Michael Curtiz, 1942) o Esta Tierra es Mía (Jean Renoir, 1943), el tema de la Francia ocupada, desde los años 70 ha venido siendo tratado por el mundo del cine, al mismo tiempo que esta nación realizaba una revisión sobre su propia historia durante estos años, y de su colaboracionismo con el régimen nazi. La película de Louis Malle Lacombe Lucien (1974) sin realizar ningún tipo de concesión al período, es posiblemente su mejor exponente y más recientemente podemos encontrar otros títulos como los protagonizados por Jérémie Renier en Un Amour A Taire (2005) o en menor grado Gaspard Ulliel en Los Fugitivos (2003) que también se desarrollan en algún momento del mismo.
[Autor del artículo: José Luis Urraca Casal. Licenciado en Historia]
Monsieur Batignole es notablemente diferente a las anteriormente citadas, pues estaría enfocada dentro de un estilo más dirigido a toda la familia, en el que lo dramático es suavizado por la ternura y lo cómico que resulta el retrato de algunos personajes y situaciones. Es una película sencilla, agradable de ver, con una cuidada fotografía, leve emotividad y unas buenas actuaciones. Si Jugnot, en la piel de monsieur Batignole nos recrea a un laborioso carnicero de París preocupado por el negocio y por sacar adelante a su familia, el joven de 12 años Jules Sitruk le da acertada réplica en la piel de Simon Bernstein, un inteligente niño en peligro que servirá de acicate a su conciencia.
[Autor: José Luis Urraca Casal para www.unmundodecine.com]
El hecho de que la película trate de eludir la crudeza del momento que le sirve como trasfondo (el cual está bastante bien recreado en su aspecto costumbrista) no significa que no podamos acercarnos a través de ella a como el ser humano puede comportarse en situaciones donde nadar contra corriente (ir en contra de los ocupantes) es un camino lleno de peligros y donde lo importante se convierte en única ideología, sobrevivir, aunque sea indignamente, resultando incluso fácil y tentador aprovecharse de la situación y prosperar.
[Autor: José Luis Urraca Casal para www.unmundodecine.com]

Vi por primera vez Monsieur Batignole en julio del año pasado junto a mi buen amigo Juan en el cine Los Ángeles, como parte de un ciclo sobre resistencia y ocupación organizado por la Filmoteca Municipal, disfrutando de momentos de gran ternura así como otros de gran tensión, acompañados de algún que otro guiño cómico. En el día de hoy, en que Marina, la hija de dos buenos amigos, María y Rubén, va ser bautizada y en la semana en que quienes hemos formado parte del Comité de UNICEF de Torrelavega seremos recibidos en el Ayuntamiento de la ciudad con motivo de nuestro X Aniversario, he querido escoger esta película porque es una buena muestra de cómo la infancia es capaz de despertar en los seres humanos los sentimientos y actitudes más nobles.

Autor: José Luis Urraca Casal. Licenciado en Historia por la Universidad de Cantabria. Para www.unmundodecine.com

Otros enlaces recomendados en Un Mundo de Cine:

· París, París (2008)
· Max Manus (2008)
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A continuación puede verse un tráiler de Monsieur Batignole:

*Los redactores de Un Mundo de Cine informan de que esta página está bajo licencia de Creative Commons. La cita de partes de este artículo debe hacer constar: 1º) Autor: José Luis Urraca Casal, 2º) Fuente: www.unmundodecine.com, y 3º) incluir un enlace al artículo original. La reproducción total está PROHIBIDA y requiere autorización.

Poster Boy

(Poster Boy. USA, 2004)

El Senador republicano tiene un hijo homosexual

Un ultraconservador Senador republicano de Carolina del Norte está en plena campaña de reelección. Defiende los valores tradicionales de los Estados Unidos, entre ellos la familia, y para dar ejemplo de la misma decide que su apuesto hijo, Henry, intervenga en uno de sus discursos presentándole como un buen padre a los ojos de América y tratando a la vez de ganarse el voto joven. La realidad familiar del senador (que perfila bastante bien Michael Lerner) es sin embargo notablemente distinta, pues vive únicamente para la política, su esposa es una mera acompañante siempre a su sombra y no sabe que su hijo es homosexual. A Henry (Matt Newton) la relación con su padre le resulta llevadera por el poco tiempo que pasa junto a él, al encontrarse estudiando en la Universidad de Barken en Nueva York, donde vive libremente su vida sexual y sentimental.

Así comienza esta película norteamericana que está rodada en forma de flashback, alternandose la entrevista que un periodista le realiza a Henry y como éste va recordando los momentos que sucedieron a la petición realizada por su padre. En si misma, Poster Boy es una película con pocos alardes cinematográficos, si bien, el interés de la misma se encuentra explícito en su argumento, muy en boga estos días en que recientemente un senador caracterizado por su lucha contra la homosexualidad ha sido acusado de intentar mantener relaciones con un policía encubierto en el baño público de un aeropuerto. Aparte del hecho de que una de las hijas del mismo vicepresidente de los Estados Unidos y miembro del partido republicano, Dick Cheney, es lesbiana.

En Poster Boy vemos al joven protagonista vivir una gran contradicción tras la petición que le hace su padre, pues este representa con su política un ataque directo a su condición y su propia forma de vivir la vida. También están presentes temas como los derechos de los homosexuales y en este sentido se anticipa un tanto a los tiempos, porque el film en si parece trasladarnos a la década de los años 80, donde el desconocimiento hizo que el SIDA causase estragos, enfermedad que de hecho padece una de las protagonistas. La vida de la mujer de un político de primera fila, interpretada convincentemente por Karen Allen (la protagonista de En Busca del Arca Perdida, 1981) reducida a poco más que elegir la ropa que va a ponerse, o la incoherencia entre lo que el senador quiere para su país y el desconocimiento o desinterés por su propia familia son los otros elementos para la reflexión y el debate de esta película, junto a la observación del personaje de Matt Brown sobre que es la política la que divide a la sociedad.

El Regreso

El Regreso

(Vozyraschenie. Rusia, 2003)

Un bello y duro viaje a la infancia de dos hermanos

Desde el primero al último de sus fotogramas El Regreso no sólo nos fascina con el uso extraordinario de su fotografía (obra de Mikhail Kristman) sino que también nos atrapa irremediablemente con la fuerza psicológica de la historia que nos cuenta. Dos hermanos, uno de 12 años, Ivan, y otro de 14, Andrei, viven los umbrales de su adolescencia sin tener más recuerdo de su padre que el de una vieja fotografía, hasta que un día, éste regresa y comienza la desconcertante aventura de conocerse mutuamente.

Hacía tiempo que no me quedaba tan maravillado ante la pantalla por cómo están rodados cada uno de los planos, estudiados los encuadres, y el propio color de la película, en tonos azules, fríos, gélidos… de una belleza y preciosismo como decía al principio, cautivadores. Ya puede mostrarse un bello paisaje junto al lago Ladoga, que los interiores de una humilde casa de la era postsoviética, que el primer plano de uno de los protagonistas, todo ello es pura poesía cinematográfica en la ópera prima de Andrey Zvyagintsev. Y no destinado al mero ejercicio de deleitarnos plásticamente, sino de sumirnos más desconcertantemente en el ritmo lento de esta historia.

Galardonada con el León de Oro en el Festival de Venecia en el 2003 y nominada al año siguiente como Mejor Película Extranjera en los Globos de Oro, sus tres protagonistas masculinos lograron el premio especial del Jurado del Festival de Cine de Gijón en 2003 junto al de mejor guión. Y es que junto a un logrado Konstantin Lavronenko en el papel de padre, en especial los dos jóvenes actores, Vladimir Garin e Iván Dobronravov bordan un difícil y duro papel en el que se profundiza en las relaciones tanto de hermanos como de padre e hijos. Desgraciadamente, dos meses antes de recibir el León de Oro, Vladimir Garin, el mayor de los hermanos, se ahogó en el mismo lago en el que se rodó parte de la película.

El Regreso tiene ciertos ecos de La Infancia de Iván (1962) ópera prima de Andrei Tarkovski, y de la obra de este director, sobretodo en el uso de la fotografía como puede ser un ejemplo también recomendable, Solaris (1972). Posee además una importante carga metafórica que incluye la caída del comunismo y la actual Rusia, el agua omnipresente, el valor, la semejanza de dos escenas con un retrato de Mantegna... y se presta a múltiples interpretaciones, casi tantas como revisiones se desee realizar.

Fallece a los 86 años Deborah Kerr

Adiós a Deborah Kerr

La Dama del Cine

Cuando me han preguntado por mi actriz favorita, siempre he respondido lo mismo, que no puedo quedarme con una sola, que únicamente podría hacerlo con dos, una Ava Gardner y la otra, Deborah Kerr, de quien acaba de conocerse su fallecimiento este martes 16 de octubre a la edad de 86 años.

Nacida en Escocia en el año 1921 comenzó su carrera como actriz en su país a los 19 años, realizando una serie de títulos entre los que destacó sobremanera el melodrama Narciso Negro (1947) ambientado en el Himalaya, película que le supuso el pasaporte al estrellato.

Junto a otros actores británicos de su época como Stewart Granger o James Mason (con los que compartiría cartel en diversas ocasiones) dio el salto a Hollywood a finales de los años 40. Precisamente fue junto a Stewart Granger con quien protagonizó dos de las películas de aventuras más míticas de la historia del cine, donde encarnó el papel de heroína, en busca de Las Minas del Rey Salomón (1950) y El Prisionero de Zenda (1952). Entre medias, un papel en el que aún hoy sigue conquistando, el de Varinia en la superproducción Quo Vadis (1952), cuyo cartel enmarcado ha venido presidiendo mis diferentes mesas de trabajo desde hace varios años.

Pero no sólo lució su aureola de dama ideal, sino que también supo demostrar su valía interpretativa, oportunidad que le llegó al protagonizar la oscarizada De Aquí a la Eternidad (1956), por la que obtuvo su segunda nominación y con la que dio un giro a su carrera, convirtiéndose en auténtica devoradora de hombres en los brazos de Burt Lancaster en la famosa escena de candente pasión en la playa (que hoy es visitada por los turistas en Hawai gracias a este reclamo), cuyo beso es considerado el más erótico de la historia del cine.

Junto a Cary Grant y a las órdenes de Leo McCarey, rodó una de las películas románticas más bellas de todos los tiempos Tú y yo, 1957 (que recomiendo encarecidamente y de la que salí encantado de la Filmoteca de Santander tras la disertación de Miguel Marías). Y justo al año siguiente, protagonizaría también junto a Burt Lancaster y David Niven una auténtica obra maestra en la adaptación de la obra teatral de Terence Rattigan, Mesas Separadas (1958). Su conmovedor papel de una hija solterona asfixiada por el carácter de su madre (Gladys Cooper), que encuentra en Niven (oscarizado por su papel) la persona con quien poder ser ella misma, le valió una nueva nominación, que sin embargo ese año lo obtuvo Susan Hayward.

Otros títulos señalados de esta gran actriz fueron la adaptación teatral Julio César (1953), el musical El Rey y yo (1956), el thriller de suspense Sombras de Sospecha (1961) en compañía de Gary Cooper, o el drama La Noche de la Iguana, (1964), esta última junto a Ava Gardner. Dio réplica a su compatriota David Niven en un buen número de títulos como Buenos Días Tristeza (1958), El Ojo del Diablo (1966), Casino Royale (1967) o Prudencia, Prudencia (1968). Nominada en seis ocasiones a la preciada estatuilla, sin embargo hubo de esperar al Oscar honorífico que le fue concedido en reconocimiento a su carrera en 1994.

Hoy le decimos adiós a esta mujer poseedora de una fina y distinguida elegancia que siempre supo estar tanto dentro como fuera de la gran pantalla, auténtica estrella para quienes llenaban las salas de cine en su época y de imborrable recuerdo para los que la hemos visto años depués.

Un Tipo Genial

Un Tipo Genial

(Local Hero. Gran Bretaña, 1983)

Blog Action Day, 15 de octubre (dedicado al medio ambiente)

Cuando una petrolífera quiere una playa

Imaginémonos por un momento viviendo en un apacible pequeño pueblo costero del norte de Escocia, junto a una bella bahía. Y que de pronto, unos competentes empleados americanos, chequera en mano, nos visiten con el fin de adquirir todos los terrenos de la zona incluida la villa, porque es el único lugar apropiado para la instalación de una refinería de última generación. Nosotros tenemos lo que ellos necesitan, y ellos tienen todo el dinero necesario para pagarnoslo, ¿Qué haríamos?.

Este viene a ser el argumento central de esta discreta y encantadora comedia británica que se desarrolla a caballo entre las oficinas centrales de una gran compañía petrolífera estadounidense con sede en Houston y un pueblecito costero escocés.

Cuando uno ve Local Hero experimenta una extraña sensación de paz y tranquilidad, provocada no sólo por lo que nos narra su argumento en torno a las gentes, el lugar en que viven y sus costumbres, sino también por el sosiego con que están grabadas y encadenadas las escenas, al tiempo que suena la música compuesta por Mark Knopfler acompañando cada momento de esta pequeña gran película, contagiándonos de la belleza del mar y la tierra.

Y hacemos este viaje de la mano de Macintyre (Peter Riegert), un avezado empleado de la Knox Oil (el clásico yuppie de los 80) que se convierte en el negociador que la compañía necesita, pues esta vez el cometido no ha de llevarse a cabo en un país tercermundista, y la operación requiere tacto. A la certera interpretación de Riegert, en el papel del desarraigado ejecutivo protagonista, hay que sumarle un reparto lleno de buenas actuaciones, entre las que sobresale la presencia de Burt Lancaster en el papel de el excéntrico señor Happer, dueño de la Knox, y consumado amante de la astronomía. Lancaster, a quien en un principio se relacionó su imagen más con las películas de aventuras (El Temible Burlón, 1952 o El Halcón y la Flecha, 1950), con los años fue demostrando ser un auténtico gigante de la pantalla y cuanto más mayor era, mejores interpretaciones nos legó, llegando a trabajar con Lucchino Visconti (El Gatopardo, 1963 y Confidencias, 1974) o Bernardo Bertolucci (Novecento,1976) .

Un Tipo Genial viene a recordar en la mejor tradición británica, aquellas encantadoras y sencillas comedias costumbristas de los Estudios Ealing como Los apuros de un pequeño Tren (1952).

Fracture

Fracture
(Fracture. USA, 2007)
-estreno en cines el próximo 19 de octubre-

Ryan Gosling y Anthony Hopkins frente a frente

El próximo viernes día 19 llega a nuestras pantallas este thriller judicial bastante solvente cuyo principal atractivo radica en poder ver el duelo interpretativo entre el joven Ryan Gosling y Sir Anthony Hopkins. Y digo duelo no sólo porque compartan protagonismo sino porque además disputan un auténtico juego de ajedrez legal y psicológico de principio a fin del metraje.

El veterano Anthony Hopkins, quien se desenvuelve a la perfección y casi sin esfuerzo en este tipo de papeles un tanto dementes, da vida a un ingeniero de estructuras, Ted Crawford, que ante el engaño que sufre por parte de su esposa con un negociador de la policía, decide llevar a cabo el crimen perfecto. Su mirada, sus siempre cuidados gestos y su voz acostumbran a ser creíbles y dignos siempre de ser disfrutados, junto a en este caso una fina y estudiada ironía.

Por otro lado la réplica se la da el joven canadiense Ryan Gosling, a quien la mayor parte del público conocerá por protagonizar el drama romántico El Diario de Noa (2004), a partir del cual ha realizado distintos papeles en pequeñas producciones, una de las cuales, Half Nelson (2006), donde interpreta a un profesor de historia con problemas de drogadicción, le ha llevado a ser nominado a los Oscar este año. En Fracture se mete en el papel de William Beachum, un joven ayudante de la oficina del fiscal, competente, astuto y ambicioso, que sabe siempre elegir bien sus casos. Un auténtico ganador.

El resto del reparto lo componen un cada vez más en boga David Strathairn (del que ya hablé en We Are Marshall) en papeles secundarios como este de fiscal Joe Lobruto, y Rosemund Pike (una de las hermanas Bennet en Orgullo y Prejuicio (2005) como la dura y pragmática miembro de una firma de abogados.

A veces puede pensarse que todo está ya muy visto en este tipo de películas y en este sentido habrá para todo tipo de opiniones. Sin embargo, Hopkins y Gosling consiguen hacérnoslo olvidar, el guión en este caso no es del todo predecible, y apunta a lo largo de la trama a las diferencias existentes entre trabajar para el ministerio público o hacerlo en un gran bufete de abogados. Además tiene ciertos toques de humor como cuando vemos a Gosling presentarse por primera vez en los juzgados.

Elsa & Fred

Elsa & Fred
(Elsa & Fred. Argentina, 2005)

Nunca es tarde para atreverse a abrir el corazón

Hoy, fiesta nacional en España y día de la Hispanidad, me he decidido por elegir para conmemorar esta fecha una película que es un ejemplo de colaboración entre los dos lados del “charco”, con el fin de resaltar lo que nos une a través de una romántica historia de amor, la misma semana en cuyo comienzo, recibí una noticia de la que me alegro enormemente.

Descubrí Elsa & Fred a comienzos de 2006 en la Filmoteca de la Casa de Cultura de Torrelavega en compañía de mi amigo Fernando. Quedé tan encantado con ella (junto a Brokeback Mountain y Napola, el mejor estreno al que asistí en el cine el pasado año) que al cabo de un tiempo la volví a ver en casa, esta vez con mi abuela Tomasa.

Esta coproducción hispano argentina que junta a dos actores extraordinarios como el español Manuel Alexandre y la uruguaya China Zorrilla, es una mirada tierna, pero apartada de los estereotipos, al mundo de la denominada tercera edad. Alexandre da vida a Alfredo, un anciano de 80 años que acaba de perder a su esposa y se muda a un piso más apropiado para vivir solo. Ni siquiera su amigo Gabriel (Carlos Álvarez Nóvoa) logra despertar en él ya la ilusión por la vida, la cual sigue siendo para Alfredo un puro ejercicio rutinario. Su hija y su yerno tampoco logran animarle, y estos además tratan de que les ayude a montar un nuevo negocio. Pero en el nuevo piso su vida se cruza con un auténtico torbellino de 82 años, Elsa (China Zorrila). Y ya he contado bastante.

Manuel Alexandre ha sido un carismático actor de reparto presente en más de 200 películas de los últimos 60 años. Recibió un Goya de Honor en 2003, siendo el momento de recogerlo el más emotivo de aquella gala. Tres años más tarde, en 2006, estuvo nominado a Mejor Actor por su trabajo en esta cinta. Títulos como Bienvenido Mister Marshall (1952), Atraco a las tres (1962) o El Verdugo (1963) y series como La Regenta (1995), son sólo algunos ejemplos de obras que se han beneficiado de su interpretación. China Zorrilla (galardonada con el Cóndor de Plata por este papel) desarrolló la primera etapa de su carrera en el teatro y fue a partir de 1971 cuando empezó a trabajar en el cine y la televisión, habiendo recibido numerosos premios a su labor, como por Darse Cuenta (1984) o Conversaciones con Mamá (2004).

Elsa y Fred se beneficia además de otras actuaciones como de la recientemente galardonada en el Festival de Cine de San Sebastián, Blanca Portillo, José Ángel Egido (Los Lunes al Sol, 2002), Roberto Carnaghi o Federico Lupi.

La historia está llena de buenos diálogos e influenciada por la admiración que su director (Marcos Carnevale) sintió en su juventud por La Dolce Vita de Fellini (Elsa ha soñado toda su vida con la escena de la Fontana de Trevi) lo cual conduce a bellas escenas para el recuerdo. El guión está bien construido, sorprende con ciertos quiebros y no decae el interés para el espectador a lo largo de su metraje, quien no podrá evitar sonreir en diversas ocasiones o derramar alguna que otra lágrima en otras.

El cine y la televisión, y de ello se quejan algunos artistas españoles, rara vez suele apostar por intérpretes de la edad de Alexandre o Zorrilla sino es para encarnar discretos papeles secundarios. Por eso esta cinta resulta doblemente interesante, por lo que cuenta y por quienes lo hacen, pues ambos contribuyen a hacer realidad las palabras de Picaso que sirven de lema a la película “Lleva tiempo llegar a ser joven”.

Caravana Hacia el Sur

Caravana hacia el Sur

(Untamed. USA, 1955)

-Autor: José Luis Urraca Casal-

En busca de nuevos horizontes

Cuando he de elegir una película para ver con mi abuela Tomasa, he aprendido que si es de la época dorada de Hollywood y además está protagonizada por auténticas estrellas del firmamento de las que entonces hacían furor en los cines, tengo el éxito de la velada asegurada.

Este pasado sábado por la noche me decanté para ver con ella por Caravana hacia el Sur, una película de aventuras dirigida por Henry King, cineasta que comenzó su carrera en el cine mudo alcanzando gran éxito en los años 20 y 30. Cultivó todos los géneros, incluido el musical, sobresaliendo por dramas como La Canción de Bernadette por la que ganó un Globo de Oro en 1944, Almas en la Hoguera o Las Nieves del Kilimanjaro, protagonizadas estas dos últimas por Gregory Peck. Pero también realizó toda una serie de películas de aventuras, muchas de ellas protagonizadas, como es el caso, por Tyrone Power, auténtico ídolo de celuloide de las jovencitas de la época (nuestras abuelas). El Cisne Negro, Capitán de Castilla, El Príncipe de los Zorros, King of The Khyber Riffles junto a Caravana hacia el Sur son los títulos de este género rodados juntos (aparte de otros como Lloyds de Londres o Tierra de Audaces).

Caravana hacia el Sur nos sitúa en tierras de la vieja Irlanda, en el condado de Limerick, es el año 1847 y la música de Franz Waxman a ritmo de fanfarria en tono épico nos acompaña en una mañana de cacería (del zorro) campo a través. Así comienza esta aventura en la que Susan Hayward (ganadora de un Oscar por Quiero Vivir, 1958) da vida a una inteligente y valiente a la vez que ambiciosa irlandesa, muy en el estilo de la Escarlata O´Hara de Lo Que el Viento se Llevó.

La película nos traslada en el tiempo al final de la primera mitad del siglo XIX (1845-1849) años en los que Irlanda sufrió una plaga que arruinó todas las cosechas de la patata (su principal cultivo) llevando a 1.000.000 de personas a morir de hambre y provocando otro tipo de enfermedades como el tifus. Afectó a los más humildes, pues era su principal sustento, mientras que los terratenientes ingleses continuaron exportando trigo y cebada. Más de dos millones de personas se vieron obligados a abandonar la isla, comenzando un éxodo que duró hasta el siglo XX.

Aunque la mayor parte emigró a tierras norteamericanas (como hacen Tom Cruise y Nicole Kidman en Un Horizonte muy Lejano, 1992) y a Australia, algunos, como es el caso de la protagonista, lo hicieron a África del Sur. Ahí es donde entra en juego Paul Van Riebeck (Tyrone Power), un sudafricano de origen holandés cuyo apellido se toma seguramente de un líder de los comienzos de la colonización del XVII.

En el siglo XVII colonos del norte de Europa, principalmente holandeses calvinistas, comenzaron a instalarse en la Colonia de El Cabo (costa del Sur de África). A estos pobladores de origen holandés se les terminaría conociendo como los Boer. A finales del siglo XVIII y ante los avatares que sufrió Holanda tras la Revolución Francesa, llegaron los británicos en plena expansión de su imperio, quienes se hicieron con el control de la colonia. Los Boer fueron abandonando la zona de costa hacia el interior, una parte lo hizo cruzando la frontera del río Orange, donde se sitúa la acción de la película, y lo hicieron por medio de caravanas como en la que viaja Susan Hayward, debiendo hacer frente en su recorrido a los ataques de los Zulúes (excelente recreación del film, previa a títulos tan conocidos como Zulú, 1964). Extraordinarios jinetes, de los que es buen ejemplo Van Riebeck, se asentaron en la zona configurando lo que se convertiría en el Estado Libre de Orange, en cuya gestación también vemos participar al personaje que interpreta Tyrone Power.

En cierto modo la película puede parecerse en algunos momentos a un clásico western, donde las carretas en lugar de las praderas americanas cruzan extensos valles africanos, y donde los indios son sustituidos por zulúes, pero en realidad la colonización de ambos territorios tuvo estos elementos en común. Rodada en Sudáfrica, Caravana hacia el Sur supo aprovechar el technicolor y el recién aparecido Cinemascope para ofrecer planos de valles y praderas de gran belleza, en esta historia de lucha del ser humano contra el medio en búsqueda del comienzo de una nueva vida. En los tiempos actuales, cuando la emigración ha cambiado su dirección y son los países europeos su destino, conviene recordar que no hace tanto tiempo, el camino era inverso e incluía además, la apropiación del territorio.

Autor: José Luis Urraca Casal. Licenciado en Historia por la Universidad de Cantabria. Para www.unmundodecine.com

Otros enlaces recomendados en Un Mundo de Cine:

· El capitán King (Henry King, 1953)
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A continuación puede verse un vídeo de fotografías de Caravana hacia el Sur:

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El Potro

El Potro

(The Colt. USA, 2005)

-Autor: José Luis Urraca Casal*-

Llegado al Mundo en plena Guerra

Basada en un relato del ganador del Nobel de literatura Mikhail Sholokhov, esta película realizada para la televisión se desarrolla en la Guerra de Secesión norteamericana. A estas alturas de la contienda que enfrentó al Norte y al Sur de los actuales Estados Unidos de América, la balanza había comenzado a decantarse a favor de los yanquis, cuyo general Ulysses S. Grant iniciaba su avance hacia la capital sureña, Richmond.

Pero en su camino se encontró con la férrea resistencia del General Robert E. Lee, quien planteó la defensa en una zona de extensos matorrales de Virginia. La acción de la película nos sitúa en el 6 de mayo de 1864, en plena batalla de Willderness. Ese mismo día, el soldado Jim Rabb (Ryan Merryman) pierde en el combate a su hermano. Casualidades del destino, la vida y la muerte se dan la mano, por la mañana, su yegua pare un potro de pura raza, creando un serio problema al primero de caballería de Michigan. El pequeño mustang devuelve la esperanza al soldado Jim, y despierta en él y sus compañeros un sentimiento de humanidad al que la guerra concede estrecho margen.

Esta película con la que la directora Yelena Lanskaya ha logrado varios premios de televisión en Estados Unidos, se aleja de las grandes batallas y desciende a la vida de dos grupos de soldados yanquis y confederados. Los integrantes de ambos bandos son retratados con respeto, sólo como hombres con sus propias vidas y sentimientos, centrándose en su lado humano, estableciéndose un especial contraste en como pueden ser capaces de matar y a la vez tener gestos de compasión.

Dentro del reparto de actores poco conocidos que compensan este hecho con un convincente papel, destacar la actuación del joven Ryan Merryman, de tan sólo 22 años, quien realiza una notable interpretación en esta sencilla película que nos hace reflexionar sobre el absurdo de la guerra.

Autor: José Luis Urraca Casal. Licenciado en Historia por la Universidad de Cantabria para www.unmundodecine.com 

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La Joven Jane Austen (Película, 2007)

La Joven Jane Austen

(Becoming Jane. Gran Bretaña, 2007)

-Autor: José Luis Urraca Casal-

-próximo estreno en cines el 19 de octubre-

Puro Romanticismo en pleno siglo XVIII

[Este artículo está protegido por derechos de autor. Ver detalles al final del mismo] Resulta llamativo e incluso me atrevería a decir que admirable como el cine británico regresa una y otra vez a los clásicos de su literatura en busca de historias que cobren vida en la pantalla, ya sean las obras de Shakespeare, Austen, Brontë, Dickens, Conan Doyle o Forster, bien en su contexto original o trasladadas a los tiempos presentes. Y acostumbra a hacerlo con una cuidada puesta en escena, una sólida interpretación para lucimiento de jóvenes y veteranos artistas, así como un excelente buen gusto en el tratamiento de sus historias.
[Autor del artículo: José Luis Urraca Casal. Licenciado en Historia]
En este caso, nos encontramos con una película que a punto de estrenarse en los cines españoles, no recrea la historia de un libro sino la de una autora a la que por estos lares conocemos más por las adaptaciones de su obra en la pequeña y gran pantalla, Jane Austen. Un emotivo drama romántico protagonizado por la actriz Anne Hathaway (El Diablo viste de Prada, 2006), que nos traslada a los momentos de la juventud de Jane, hacia el año 1795, cuando conoció el amor.
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Los guionistas han tomado como punto de partida para esta historia de amor algunos pasajes constatados de la vida de la novelista, y a partir de los mismos la han desarrollado vertiendo en ella los principales contenidos de las historias de sus obras, como si esa experiencia de su juventud la hubiera servido como marcada fuente de inspiración posterior. Los entendidos apuntan a que hay mucha dramatización a este respecto, pero eso lo dejaremos para después del estreno, de momento nos conformaremos con ver este apasionante drama romance.

La campiña inglesa, donde realizó la mayor parte de su vida Jane Austen sirve de escenario a una película de agradable fotografía, acompañada por una elegante banda sonora cargada de sentimiento y romanticismo del compositor Adrian Johnston, donde el piano juega un importante papel. Temas como “Distant Lives” son de una gran belleza y profundidad, en un estilo intimista, otros como “Messenger” mucho más briosos con un juego de cuerdas y picados. Luego también podemos encontrar piezas más en la línea de la música popular que acompañaba a fiestas y bailes. Aunque toda la fuerza de la composición la encontramos en el tema principal recogido en crescendo en momentos como “Runaways”.
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Anne Hathaway, que recientemente compartió tándem interpretativo con Meryl Streep en El Diablo se viste de Prada (2006), cinta que le ha llevado al estrellato, abandona su personaje pandillero de Havoc (2005) para regresar a una película de época, como ya hiciera en Nicholas Nickleby (2002), pero ahora en el papel principal. Poseedora de una importante formación artística, que incluye danza, ser además primera soprano, y su rostro de gran belleza, Hathaway parece haber comenzado una importante carrera cinematográfica. Con una dulzura comedida nos encandila en su personaje de Jane Austen. Comparte protagonismo con el joven escocés James McAvoy (el fauno de Las Crónicas de Narnia, 2005) quien le da réplica en el papel de un joven apuesto y arrogante de buena cuna. El reparto se beneficia además de contar con tres veteranos curtidos en las lides del séptimo arte de los que aportan solera a toda buena película que se precie. El norteamericano James Cromwell (el granjero de Babe el Cerdito Valiente,1995), Julie Walters (la profesora de danza de Billy Elliot, 2000) y cómo no, la magistral Maggie Smith (la profesora Minerva McGonagall de Harry Potter en Hogwarts) a quien siempre es un deleite escuchar en versión original. Y a estos tres añadiría la figura de Ian Richardson, fallecido poco después de rodar la película, en el papel del juez Langlois, protector del joven protagonista.
[Autor del artículo: José Luis Urraca Casal. Licenciado en Historia]
El contexto de la autora de Sentido y Sensibilidad
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A Jane Austen le tocó vivir la época Georgiana (1714-1830) y el período de Regencia de la historia inglesa (1811-1830), transición a la época victoriana. A pesar de la Ilustración del XVIII, de los avances de la razón, de los cambios en la sociedad con la incipiente industrialización de la que Gran Bretaña era cuna y de los nuevos modelos de educación propuestos, la mujer continuaba siendo excluida en los mismos. La formación del sexo femenino había de realizarse en el buen camino de futura esposa y madre, reducida al ámbito doméstico, con el fin de atraer conveniente marido. Austen sin embargo no se ajustó al papel que la sociedad guardaba para ella y no renunció a su vocación de novelista y de mujer independiente. Tanto sus novelas como sus personajes dan buena cuenta de esta educación y papel de la mujer, de los sentimientos, así como de la sociedad de su época, sobretodo de la clase media asentada en el campo. Y más que en un estilo propiamente romántico (óptica adoptada en La Joven Jane Austen), sus obras están realizadas con un sustrato formativo y moral destinado a sus lectores.
[Autor: José Luis Urraca Casal para www.unmundodecine.com]
La obra de Jane Austen en la pantalla
[Autor: José Luis Urraca Casal para www.unmundodecine.com]
De imborrable recuerdo resulta Sentido y Sensibilidad, protagonizada por Emma Thompson, Hugh Grant y Alan Rickman, todo un ejemplo de adaptación literaria que le valió el Oscar al Mejor Guión Adaptado a esta magistral obra dirigida por Ang Lee en 1995. Pero tan sólo es el eslabón de una larga cadena que ya contaba con varias realizaciones previas tanto en la televisión (desde los inicios de ésta) como en el cine. Ese mismo año la BBC estrenó una nueva miniserie de 5 capítulos, Orgullo y Prejuicio, protagonizada por Colin Firth (con un gran éxito de crítica y de la que hablaré próximamente), que se sumaba a otros tres proyectos realizados en las décadas anteriores, y el año pasado la hemos visto de nuevo llevada al cine esta vez con una exuberante Keira Knightley, en una versión algo más licenciosa. Y algo parecido ha ocurrido con sus otras cuatro novelas, Emma, Persuasión, Mansfield Park o La Abadía de Northanger.

Autor: José Luis Urraca Casal. Licenciado en Historia por la Universidad de Cantabria. Para www.unmundodecine.com

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A continuación puede verse el trailer de la película.

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