Lincoln en Illinois (Abe Lincoln in Illinois, 1939) y III

Lincoln en Illinois (y III)

(Abe Lincoln in Illinois. USA, 1940)

-Autor: José Luis Urraca Casal*-

Ver partes I y parte II

Los debates más famosos de la historia de América

[Este artículo está protegido por derechos de autor. Ver detalles al final del mismo] Con la tercera parte del artículo de Lincoln en Illinois llegamos al final de la película que comenzábamos a comentar el 4 de febrero, la víspera del supermartes electoral en los Estados Unidos. Esta parte se centra en los discursos y campañas electorales en los que participó Lincoln entre 1858 y 1861 y su elección como presidente, que son resumidos en el final del film.

“Otro fanático que ha pasado a mejor vida” son las palabras que utiliza el Senador Stephen Douglass (brillantemente interpretado por el actor Gene Lockhart) para referirse al ahorcamiento de John Brown. Al mismo tiempo conoce que será Lincoln su contrincante en las elecciones de ese año (1858) al puesto de senador por el estado de Illinois. Junto a su equipo hablan del candidato y de cómo éste todavía no se ha definido en torno a la esclavitud, cosa que les preocupa. Douglass prepara todo un recibimiento para sí mismo en Springfield, porque la nación tal vez no conoce a Lincoln, “pero yo sí”.
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El contraste entre ambos personajes lo vemos en la siguiente secuencia mientras Lincoln posa despreocupadamente junto a los suyos para un retrato de familia, hecho que es alterado por el desfile de recibimiento a Douglass afuera en la calle, no pudiendo finalmente hacer una buena toma. La poca seriedad con que se le toma Lincoln, en complicidad con su hijo, contrasta con la de Mary.

La jornada de campaña electoral se convierte en un día festivo, como al principio de la película vimos en las dos elecciones de Nueva Salem. Hasta se fleta un tren para los partidarios de Lincoln y vemos una pequeña trifulca entre partidarios de ambos candidatos. Asistimos al debate final, que en realidad es una síntesis de los discursos pronunciados en los siete debates que se sucedieron en la elección al cargo de Senador por el estado de Illinois. Magnífico compendio de unos discursos que aunque pertenecientes a la contienda electoral en un estado, reflejan a la perfección los principales argumentos del debate y los desafíos a los que se enfrentaba toda la Unión.

Stephen Douglass vs Abraham Lincoln
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Lo que escuchamos es la refutación de los argumentos que se han esgrimido anteriormente los cuales no nos son mostrados. Ambos emplean hábilmente su oratoria para infringir divertidas estocadas a su rival, como hace Douglass al comienzo de su intervención, para continuar aludiendo a las cualidades de su contrario, las cuales conforman un buen retrato de Lincoln “Sinceridad habitual, su puro encanto casero, su perenne humor campechano (…) el señor Lincoln sabe hacernos reír con sus divertidas anécdotas y después les arranca lágrimas con su descripción dramática de lo que sufren los obreros negros que trabajan en el Sur, sabe llevarlos muy hábilmente hasta el umbral de la verdad, pero, si se disponen a cruzarlo desviará su atención hacia otras cosas. Jamás, ni por equivocación mencionará las condiciones de trabajo del obrero del norte. Tal vez porque él aún no sabe que cientos de miles de nuestros obreros están en huelga, con hambre y desfilan por nuestras calles en protesta, y hay motines porque no se les paga lo suficiente para que puedan alimentar a sus hijos. ¿Qué clase de libertad es esa? ¿Y qué clase de igualdad? (aplausos).
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Saben que el señor Lincoln pronuncia discursos constantemente sobre la igualdad, repite una y otra vez los argumentos (…) de otros abolicionistas, nos dice que si en la Declaración de Independencia se expone que los hombres fuimos creados iguales por la ley de Dios, la igualdad de los negros es un derecho inalienable, en contra de esto está el veredicto del Tribunal Supremo en el caso de Dred Scott. El señor Lincoln es abogado y por lo tanto supongo que sabe que cuando trata de destruir la confianza pública en la integridad y en la inviolabilidad del Tribunal Supremo, él está predicando la Revolución. ¿Quieren saber cuál es mi opinión sobre el fallo del caso Scott? pues se la diré sin reserva alguna. Pienso que todas la decisiones del Tribunal Supremo Deben ser nuestra única Ley, y yo pienso acatarla obedientemente, nunca voy a variar mi posición pese a todos los gritos de los fanáticos, a sus constantes prédicas de igualdad racial que nos proponen votar, comer, dormir y casarnos con negros. Digo además a cada estado que se meta en lo que le importe y olvide a sus vecinos. Si observáramos todos ese principio, ya vería el señor Lincoln como sí es posible que nuestro país pueda existir dividido en unos estados libres y en otros esclavos y seguir como hasta ahora ganando poder y población, siempre fuerte hasta convertirse en la admiración y en el terror de todo el mundo".

Douglass hace referencia a la soberanía de los estados y a que cada uno de estos decida por si mismo sin la interferencia de los otros o de la Unión. Y defiende esta postura en aras de que cada estado se postule a favor o en contra de la esclavitud, punto de mayor controversia en el país y principal motivo de división. Ambos candidatos eran firmes defensores de la Unión y Douglass mediante este principio perseguía superar el problema. Así en 1854 había propuesto y defendido el Acta de Kansas-Nebraska (del que Lincoln era firme opositor), por el que estos dos nuevos estados habían decidido libremente sobre la esclavitud, invalidando así el Compromiso de Missouri por el cual la esclavitud no podía extenderse en esa parte del continente.

Abraham Lincoln vs Stephen Douglass
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Lincoln, que ha estado escuchando y haciendo anotaciones pacientemente, se quita el sombrero y tras hacer también él un jocoso comentario, comienza su refutación “(…) Todos ustedes oyeron al juez cuando dijo que hay quien defiende que se vote, se coma, se duerma y se casen con los negros. Yo no sé si refería a mí específicamente, si es así quiero decirle que por negarme a aceptar que una mujer negra sea esclava no creo que necesite tomarla por esposa, no tiene porqué ser ninguna de las dos cosas, puedo dejarla tranquila y en paz. En ciertos aspectos ella no es igual a mí como tengo que confesarlo yo tampoco soy igual al Sr. Douglass… en ciertos aspectos. Pero en su derecho natural a comer lo que con sus manos gana sin pedir ni esperar el consentimiento de nadie, ella es igual a mí como es igual a todos ustedes. Han oído al juez hablar de las difíciles condiciones de trabajo en el Norte, soy norteamericano y no estoy orgulloso de que esas condiciones existan, pero quiero preguntarles esto ¿cambiarían los obreros que se encuentran en huelga su lugar aunque fuera sólo por un instante, por el de los esclavos? Ellos ni siquiera tienen la huelga como un derecho a su alcance y en calidad de norteamericano puedo decir gracias a Dios que en nuestra nación sí tenemos todos los ciudadanos el derecho a la huelga (aplausos).

No estoy predicando la Revolución, no es necesario, esta nación con todas sus instituciones pertenece a los que habitan en ella, si algún día no les gusta lo que hace el gobierno existente tienen el derecho constitucional de enmendarlo y cambiarlo o el derecho revolucionario de destituirlo y quitarle todos sus poderes. Cuando nuestros padres fundaron la patria nos dieron esos derechos (aplausos). El propósito en el fallo del caso Scott es convertir a nuestros negros en una propiedad, propiedad de sus ricos amos naturalmente, cambiando los derechos humanos en derechos de propiedad tan solo. Es la eterna lucha que se libra entre dos principios, uno es el derecho común a toda la humanidad, el otro es el derecho divino de los reyes. Pienso que es el mismo espíritu que dice -gana tú el pan que quien se lo comerá seré yo-. (aplausos)
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Al fundar la nación aceptaron nuestros mayores que todos los hombres son creados iguales, no se mencionó ni una sola excepción en esa cláusula de la Declaración de Independencia. Pero ahora hay quien dice ‘todos los hombres son creados iguales salvo los negros’… Si nosotros aceptamos hoy esta doctrina de discriminación racial o de clases, por qué no aceptar también en el futuro… ‘todos somos creados iguales excepto los negros, los extranjeros, los católicos, los judíos e incluso los hombres pobres’. Esa es la conclusión a la que nos llevan los defensores de la esclavitud: que cada estado se meta en lo que le importe, dice el juez Douglass, ¿por qué buscar líos? Señores esta es la política cómoda o más bien la indiferencia ante el mal. Una política que sólo me inspira odio. La odio por la monstruosa injusticia que supone la esclavitud. La odio porque priva a nuestra República de una justa influencia mundial. Da base a que los enemigos de nuestra ideología nacional puedan tacharnos de hipócritas y hacen que los que creen que todos debemos ser libres duden de nuestra sinceridad. La odio sobretodo porque obliga a una gran cantidad de hombres buenos de esta nación a luchar sin desearlo contra los principios de nuestra libertad, a perder toda su fé en nuestra Declaración de independencia y a creer que no hay otro principio de vida que nos importe más que nuestros propios intereses.

En sus palabras finales de esta noche el juez dijo que podríamos ser el terror del mundo y yo no creo que nadie de nosotros quiera eso. Creo que todos preferimos dar esperanzas y ánimo al mundo demostrando que hay muchos hombres que merecen ser libres. Pero no podremos dar a nadie ese ánimo si antes no demostramos la capacidad nacional de convivir entre nosotros y nunca llegaremos a conseguir tal cosa si todos los estados no continuamos unidos. No ha de haber distinciones en nuestro concepto de la libertad, ni debe haberlas entre una sección y otra, entre una y otra raza. Un país dividido en su interior no podrá resistir. Y nuestro gobierno no logrará permanecer siendo unos libres y otros esclavos”.
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Las referencias a las bases sobre las que se erige la nación, la Declaración de Independencia y a los padres fundadores son frecuentes, pues estos dejaron proclamado que todos los hombres son libres e iguales. Lincoln también hace uso del derecho natural, por el que todos los seres humanos nacen libres.

Tanto Douglass como Lincoln hacen referencia al caso Scott, por el que el Tribunal Supremo había determinado que el gobierno no podía limitar el derecho de sus ciudadanos en referencia a la esclavitud pues el derecho de propiedad no podía ser limitado o suprimido. De modo que si un ciudadano viajaba de un estado donde la esclavitud era legal a otro donde no lo era, no podía perder su derecho a la propiedad sobre el esclavo. Esto invalidó el Compromiso de Missouri y Lincoln lo critica por haber “convertido los derechos humanos en derechos de propiedad”. Y en su parte final se hayan palabras de su famoso discurso, hoy empleadas por Barak Obama, en el que sentencia que un país dividido no podrá sobrevivir, y el gobierno tampoco, siendo unos libres y otros esclavos.

De la derrota del Senado a la presidencia

Lincoln perdió y no fue elegido senador por su estado, pero esas elecciones de 1858 le catapultaron y dieron fama a nivel nacional por su elocuencia. La película se hace eco de ello, con titulares de periódico como “Lincoln asombra a América con el mejor discurso de la campaña”, “Estadista de Illinois escala la fama en toda la nación”. Y es entonces cuando vemos a un grupo de políticos y banqueros de Washington, miembros del Partido Republicano, hablar de él como posible candidato a la presidencia, para enfrentarse de nuevo a Douglass. Y aunque desconocido en Washington, se alude a algo muy importante, es conocido y muy popular en los nuevos estados, haciendo referencia al centro y oeste del país, recordemos que Lincoln vive en el Medio Oeste, región que había ido cobrando gran importancia dentro del país conforme avanzaba la colonización.
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Cuando ese grupo acude a Springfield para conocerle, de nuevo observamos a un Abe poco entusiasmado con la visita, pero su mujer de nuevo le espolea, confesándole luego a su amigo Joshua Speed que a Abe le acompaña siempre un sentimiento de fatalidad, pero ahora ha llegado su gran oportunidad. La propia cocinera introduce de nuevo una premonición que completa la que Lincoln hizo en Nueva Salem “Si logran llevarle a Washington no saldrá vivo de allí”. Tras entrevistarse con él, el grupo discute si es el candidato que necesitan, saliendo a relucir calificativos de radical. Pero el Sr. Crimmin les dice que los electores le votarán porque es uno de ellos y representa al americano medio. Que recuerden el nombre que le dan “el honrado Abe”, puede hacerles el juego ahora y cuando llegue a la Casa Blanca, hará todo lo que se le ordene. Efectivamente el experimentado grupo de políticos del Partido Republicano que promovió a Lincoln a la presidencia vio en él alguien fácilmente manipulable una vez llegase a la Casa Blanca. Algo que sin embargo luego no resultó tan fácil.

La siguiente escena nos sitúa en el cuartel general de la campaña electoral a la presidencia de los Estados Unidos en Illinois, es el 6 de noviembre de 1860 y los resultados y noticias de otros estados van llegando a través de los boletines. En aquellas elecciones, quien ganaba en un estado se hacía con todos sus electores (salvo en Nueva Jersey). Vemos la atención que despierta Nueva York, pues con 35 electores era al que correspondía mayor número de electores, mientras que Florida en el sur por ejemplo sólo proporcionaba tres. Lincoln ganó en los estados más poblados y que por tanto mayor número de electores proporcionaban, logrando 1.895.908 votos (el 40%) y alcanzando un total de 180 electores (casi el 60%) frente a los 123 de sus contrincantes. En estas elecciones el Partido Demócrata concurrió dividido tras no aceptarse en la Convención una resolución de apoyo a la esclavitud, entre un candidato del norte, Stephen Douglass y otro del sur, el joven vicepresidente John Breckinridge. Un cuarto candidato, John Bell (ganó la nominación al gobernador de Texas, Sam Houston) se presentó por la Unión Constitucional, creada para defender la Unión y agrupar a quienes no se sentían identificados por demócratas y republicanos. Douglass fue el primer candidato en hacer un recorrido por el país para presentar su candidatura, obtuvo 1.382.202 votos, pero la división demócrata le hizo ganar en sólo un estado, Missouri, y obtener tan sólo 12 votos electorales.
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En el film esa noche a Lincoln le acompañan sus viejos amigos Edwards, Billy y Joshua Speed. La tensa espera de su mujer ante ciertos reveses contrasta con la tranquilidad de Abe. Mary acaba por estallar y pierde la compostura, él la recrimina que siempre trate de ridiculizarle ante sus amigos, se enfrentan y ella se marcha a casa. La misma noche en que ganará las elecciones a Douglass, la película nos ofrece este enfrentamiento conyugal que les amarga la victoria a los dos. “hemos ganado una de las batallas más sucias de nuestra historia política, si al fin venzo, tendré que cumplir todas las promesas que los demás hicieron en mi nombre. Diez mil voluntarios se han levantado en Carolina del Sur, el gobernador ha declarado que si eligen a Lincoln el estado se separará mañana de la Unión y los demás estados al sur de la línea “Dickson” lo seguirán y eso significa guerra civil”. Cuando la noticia de la victoria llega, una vez más vemos el contraste entre el júbilo generalizado y su profunda melancolía. De vuelta a su casa, para darle la noticia a su mujer, ha de ser escoltado, es el nuevo presidente y además ya se han recibido amenazas de muerte contra él.

El mes siguiente, diciembre, la Asamblea Convención del estado de Carolina del Sur aprueba la secesión, seis semanas más tarde la secundarían Missouri, Florida, Alabama, Georgia, Louisiana y Texas. En febrero, un mes antes de que Lincoln tome posesión del cargo el 4 de marzo, los secesionados forman los Estados Confederados de América. Lincoln no era abolicionista aunque rechazaba la esclavitud. Era contrario a su expansión por lo nuevos estados y de buscar fórmulas aceptables para hacerla desaparecer donde ya existía, indemnizando por ello a los propietarios de esclavos. Para él lo verdaderamente importante era salvaguardar la Unión. Pero los sureños vieron en su elección la confirmación de que su modo de vida y su soberanía a decidir sobre el mismo, estaba claramente amenazado.

Llega el final de la película, el momento en que Lincoln ha de subir al tren presidencial que le llevará a Washington para tomar posesión del cargo. Ha pasado el tiempo (la elección presidencial tuvo lugar en noviembre y el viaje a Washington para tomar posesión del cargo lo realizó en febrero de 1861), y se ha dejado barba, lo cual le había sido aconsejado por una niña de 11 que le escribió una carta. Antes de subir al tren vemos a Stephen Douglass despedirse y desearle suerte en su misión (de los otros dos candidatos presidenciales sólo uno, Breckinridge apoyó la secesión). En la escena de la despedida de quienes se han reunido en los andenes, el actor Raymond Massey logra una total caracterización del personaje de Lincoln, solemne y de conmovedora dignidad. Muestra tristeza por dejar el lugar al que todo se lo debe y por los fieles amigos que deja, “me voy sin saber cuándo volveré, sin saber si volveré siquiera” y ante la hora tenebrosa que se cierne sobre la nación y que amenaza con una guerra civil, proclama la que para él es la única verdad “con esto también el tiempo acabará”. El parecido es asombroso, se hace el silencio y comienzan a entonar el “Gloria Gloria Aleluya” mientras el tren desaparece en la oscuridad de la noche.

Ver también en UnmundodeCine:

· Lincoln en Illinois (parte I)
· Lincoln en Illinois (parte II)

Otros títulos sobre la presidencia de los Estados Unidos:

· Bobby (2006)
- El Ala Oeste (1999-2006)
- John Adams (HBO, 2008)

*Los redactores de Un Mundo de Cine informan de que esta página está bajo licencia de Creative Commons. La cita de partes de este artículo debe hacer constar: 1º) Autor: José Luis Urraca Casal, 2º) Fuente: www.unmundodecine.com, y 3º) incluir un enlace al artículo original. La reproducción total está PROHIBIDA y requiere autorización.

Rompiendo las reglas (Never Back Down, 2008)

El último asalto

(Never Back Down. USA, 2008)

-En los videoclubes a partir de mañana miércoles-

-Autor: José Luis Urraca Casal*-

Un Karate Kid acorde a los gustos imperantes

[Este artículo está protegido por derechos de autor. Ver detalles al final del mismo] Con una estética muy fotogénica favorecida por una buena fotografía, los jóvenes actores Sean Faris, Amber Heard y Cam Gigandet protagonizan un film de consumo adolescente mezcla de Kárate Kid y El Club de la lucha dentro de un ambiente estudiantil en el que subyace un controvertido mensaje de la utilización de la fuerza como medio para resolver los problemas, alcanzar popularidad o ganarse el respeto. El director Jeff Wadlow (Cry Wolf) incluye en el reparto al dos veces nominado al Oscar Djimon Hounsou para dar mayor solvencia a una cinta de entretenimiento nada original.
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Reseña.- Hay un determinado tipo de películas dirigidas al público adolescente a las que uno encuadra dentro de las que no cabe esperar demasiado salvo cierto rato de distendido entretenimiento. Se es consciente de ello antes de verlas, pero no puede negarse que igualmente se suelen albergar esperanzas de ser sorprendidos para bien, sobretodo cuando visualmente se tiene una buena presentación, como es el caso de Never Back Down, y contiene elementos que a priori han dado resultado previamente en el cine, sobretodo en la década de los 80.

Never Back Down es la historia de Jake Tyler (Sean Faris) un joven jugador de rugby cuya familia se traslada de lugar de residencia y cambia de instituto. En ausencia de padre, su viuda madre se encarga de sacarlos a él y su hermano pequeño adelante. Pero Jake aunque se trata de un buen chico, vive arrastrando un sentimiento interior de culpa que lo convierte en un hermano e hijo difícil, y hace aflorar en él una agresividad que lo conduce a entablar pelea cada vez que es provocado, incluso sobre el terreno de juego, poniendo fin a su carrera en el rugby.
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Al llegar a Orlando conocerá a una guapa estudiante de nombre Baja (Amber Heard), encontrará un amigo apasionado de la lucha, Max (Evan Peters) y la práctica de un tipo de lucha hasta el momento desconocida para él, las artes marciales mixtas, lo mismo a su líder imbatible dentro del instituto Ryan (Cam Gigandet).

Un reparto de jóvenes en ascenso
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El cartel del reparto lo conforman tres jóvenes fotogénicos y un actor de la valía de Djimon Hounsou (Amistad, 1997). Sean Faris es un actor de creciente fama entre el público adolescente que ha intervenido sobretodo en la televisión, protagonizando series juveniles como Reunion, o Life as we know it, y de quien este año también veremos llegar a la gran pantalla Forever strong y Manifest destiny. Con un look muy similar al de Tom Cruise en los inicios de su carrera, para la presente película lo mismo que su oponente, Cam Gigandet, ha dedicado muchas horas de gimnasio y entrenamiento en las artes marciales. Ajustadamente convincente en su papel de chico bueno y cabreado en sus momentos de ira o tratando de superar su pasado. Amber Heard es la protagonista de la serie Hidden Palms [ver artículo publicado este domingo] aunque su papel aquí es más comedido y queda relegada a linda muchacha por la que pelea el protagonista, lejos de su rol en Hiden Palms. Para Cam Gigandet este ha sido su rol revelación en la gran pantalla tras trabajar en papeles secundarios en series como The O.C. o Jack y Bobby. Su caracterización de arrogante y atlético villano de la historia, con su malévola y chulesca sonrisa, le ha descubierto la carrera del éxito con una agenda repleta de proyectos de aquí al año próximo, entre ellos Crepúsculo (Twilight), una forma como el resto de sus compañeros, de dar los primeros pasos y abrirse camino en el difícil mundo del cine.
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Un actor de la calidad demostrada por Djimon Honsou, aquel esclavo de la película Amistad de Steven Spielberg, nominado en dos ocasiones al Oscar, aparece aquí como el entrenador que llevará a Sean Faris a aprender los conocimientos necesarios para poder enfrentarse a su rival, convirtiéndose hasta cierto punto en la figura paterna. Al personaje de Honsou, la mejor interpretación de la película, se le dota de un drama personal que encarna con soltura pero de forzado encaje dentro del resto de la trama. Entre el reparto también encontramos en papeles menores a Wyatt Smith (el hermano pequeño de Jake) y Leslie Hope como la madre que trata de educarlo en ausencia del padre venciendo su ira. Aspecto éste el de la educación de los padres que también queda reflejado en el comportamiento de Jake y Ryan, o el de la influencia que Jake ejerce sobre su hermano.

Controvertido mensaje
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Visualmente la cinta contiene elementos que la hacen resultar atractiva, buena fotografía, el ambiente estudiantil, tomas aéreas, lujosas casas residenciales de Florida (ecos de las californianas de The O.C.), la fotogenia de sus protagonistas, escenas de lucha bien realizadas con una estética de videoclip musical… el ritmo es entretenido aunque el guión predecible… pero lo que pudiera ser mero e inocente entretenimiento se convierte tristemente a los ojos de los jóvenes espectadores todavía no educados en potencial elemento distorsionador y ejemplo de peligrosa filosofía y conducta. Porque lo que el guionista Chris Hauty ha trasladado como motivación de la acción emprendida por el protagonista, es el hecho de que para detener la amenaza hay que salir a su encuentro ya que “quedarse sin hacer nada, también trae consecuencias”. Y podría entenderse, si sobre el personaje de Jake se cerniese algún tipo de peligro, pero en origen su enfrentamiento con el villano de turno es haber sido sencillamente humillado por éste ante sus compañeros en una pelea delante de la chica protagonista. Y por tanto para recuperar el respeto del instituto se nos hace ver que tiene que pelear, no darse por vencido, haciendo coincidir esta lucha de modo forzoso con la que su entrenador también mantiene consigo mismo desde que se distanció de su familia o con la que el mismo Jake no enfrentó en su pasado. En el caso del entrenador o del asunto relacionado con el padre de Jake el mensaje de no rendirse está sabiamente empleado, pero en el caso de un estudiante de instituto tal y como se traduce aquí en una película de consumo adolescente equivale a decir: las cosas se resuelven con los puños, lo cual parece ser la única respuesta obtenida al consejo dado por Djimon Honsou de que “siempre hay un camino”.

El otro elemento sorprendente es el reflejo de la utilización de las nuevas tecnologías, en concreto de los teléfonos móviles y PDAs, manejados aquí ante el surgimiento de cualquier pelea para grabar la paliza y colgarla inmediatamente en Internet, siendo vista posteriormente con júbilo por todo el instituto desde sus respectivos teléfonos, admirándose a quien logra imponer su fuerza sobre el contrario, lo cual va además en aumento o detrimento de su respectiva popularidad.

Conclusión final

Nos encontramos con una especie de El club de la lucha (1999) adaptada al consumo adolescente, situada en un entorno como el inaugurado en la serie The O.C. (chico problemático y de clase humilde se ve trasladado a lugar donde reina el lujo entre sus compañeros de instituto) y con una estructura en su desarrollo muy similar a la de un clásico juvenil de los 80, Karate kid (1984), siendo aquí Djimon Honsou el particular señor Miyagi de la historia. La diferencia, además de no llegar a la calidad de aquella cinta, o de recurrir a algo más impactante como las artes marciales mixtas o prescindir de un chico enclenque como Ralph Macchio, estriba en que el señor Miyagi enseñaba a Daniel San una serie de valores y cualidades que concluían sin dejar ningún lugar a dudas en la máxima "la violencia no sirve para nada".
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Se trata de un film acomodado a los nuevos gustos por películas juveniles de acción, con guapos y guapas protagonistas (ellos luciendo abdominales sin camiseta, ellas en escueto bikini) guiones poco elaborados pero llevaderos, sin complicaciones, acciones de lucha filmadas como si fueran videoclips musicales y que sustentan su éxito en la explotación de la testosterona emanada de la acción del conjunto. El trío protagonista resulta pues efectivo en un producto de estas características y colmará las expectativas de quienes no esperan encontrarse nada más. Inofensivo como divertimento para mentes bien formadas, lo contrario en la mayoría de los casos todavía, precisamente del público al que va dirigido.

Otras películas relacionadas en Un Mundo de Cine:

· Forever strong (2008) · Sean Faris
· Forja de campeón (1986) · Rob Lowe
· Hidden Palms (Serie, 2007) · Amber Heard

A continuación puede verse el trailer en inglés de la película:

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Hidden Palms (Serie de televisión, 2007)

Hidden palms

(Hidden Palms. USA, 2007) - Programación de verano

-Autor: José Luis Urraca Casal-

Una serie con piscina para las fechas estivales

[Este artículo está protegido por derechos de autor. Ver detalles al final del mismo] Las fechas estivales han hecho recalar en la programación de Canal Plus la noche de los jueves la serie Hidden Palms, trasladándonos a lo largo de sus 8 episodios a una elegante urbanización de la costa californiana, donde a un joven Taylor Handley le aguarda no sólo el lujo de su nuevo hogar, sino también el misterio que envuelve a sus nuevas amistades y relaciones. Del creador de Dawson crece, Kevin Williamson, la serie consta de 8 capítulos y de momento es la más directa sucesora de The O.C.
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Comentario.- Si en los años 80 eran las películas juveniles las que inundaron los cines como nunca antes había sucedido, la presente década podría caracterizarse por producirse el mismo fenómeno pero trasladado al campo de las teleseries. Y es tal el número de las mismas que es difícil poder afirmar que exista algo nuevo bajo el sol, astro cuyo calor de verano ha dado ya lugar a un buen número de títulos playeros que van desde la famosa Vigilantes de la playa a la más reciente y sofisticada The O.C.

En sintonía con los soleados días de los meses estivales, la parrilla veraniega ha hecho que la 2 de televisión española recupere Pacific Blue (1996-2000), con su ambiente costero y su policía de playa incluyendo a actores como Jim Davidson, Paula Trickey o el protagonista de Salvados por la campana, Mario López. Cosmopolitan TV ha apostado desde el 7 de agosto por Surf Girls (en inglés Beyond the break) en la noche de los jueves, serie protagonizada por David Chocachi, en su día actor de Los vigilantes de la playa, ahora dentro de un ambiente surfero. Y canal Plus ha estrenado hace dos semanas (también el 7 de agosto e igualmente en jueves) Hidden palms.
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Si hubiera que definir a Hidden Palms lo haría mediante una síntesis de la serie The O.C. (eso sí, sin su toque cómico) y la película Disturbia protagonizada por Shiaf Labeouf el pasado año. De hecho dos de sus protagonistas, los actores Taylor Handley y Michael Cassidy participaron en una de las temporadas de The. O.C.

Trasladados al lujoso oasis de Palm Springs

La serie nos traslada a un lujoso vecindario de una paradisíaca localidad californiana parecido a un oasis escondido en el desierto debido a su infinidad de palmeras, lo que da título a la serie. Johnny Miller (Taylor Handley) es un esforzado y responsable estudiante para quien la vida cambia de la noche a la mañana debido a un trágico suceso (nos recuerda a Disturbia) al suicidarse su padre en su presencia. Transcurrido un año, se traslada junto a su madre y a la nueva pareja de ésta a Palm Springs.
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Si en The O.C. asistíamos a como el personaje de Brian Mckenzie se adentraba en un nuevo mundo de lujosas mansiones con piscina y chicas de la clase alta del Orange County, en Hidden Palms ese toque deslumbrante y atractivo del lujo que posee la jet set californiana de familias preocupadas por reuniones sociales, el estado del césped, pasando apaciblemente las mañanas, tardes o noches junto a la piscina del club social o el campo de golf, también está presente. Eso sí, sin llegar al coqueto despliegue en torno a la “fascinante” opulencia de los niños bien de Gossip Girl, el gran éxito juvenil del momento, del que hablaremos próximamente. Aquí simplemente es el decorado en el que se desenvuelve la trama.

Nada más llegar Johnny quedará completamente embrujado no por el decorado, sino por una atractiva, seductora y enigmática vecina llamada Greta, que dicho sea de paso, Amber Heard interpreta de tal manera que haría sudar a los protagonistas de la serie incluso en pleno invierno en la costa del Ártico.
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Pero no es oro todo lo que reluce en Palm Springs, y sus nuevas amistades, que incluyen a un bromista pero inquietante y oscuro Cliff (Michael Cassidy) o una tímida vecina dada a realizar experimentos en la oscuridad de su garaje, Liza (Ellary Porterfield) son parte del oscuro misterio en el que sin quererlo se verá envuelto Johnny. Y es este punto el que en las escenas nocturnas guardan también ciertas similitudes con el vouyerismo que practicaba desde la ventana de su habitación Shiaf LaBeouf en Disturbia.

La serie incorpora el problema desatado en Johnny con la bebida y las drogas tras la trágica muerte de su progenitor, quien continuando con su rehabilitación tras un año de tratamiento, asistirá al grupo de alcohólicos anónimos del lugar, donde conocerá a Jesse Jo (Leslie Jordan) un camarero ya entrado en años, dado a disfrazarse de mujer como una auténtica drag queen que lo apadrinará en su recuperación. Y no estará sólo, pues Nikki una vieja compañera con el mismo problema aparecerá en la urbanización vecina, Rancho Mirage, interpretada por la actriz Tessa Thompson (Verónica Mars).

El reparto de la serie
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Para Taylor Handley (Zerophilia, The O.C., September Dawn) Palm Springs es su primera serie como protagonista. Michael Cassidy ya había tenido una importante presencia en la segunda temporada de The O.C. y de nuevo este año en siete de los capítulos de la séptima temporada de Smallville, con su papel de Grant Gabriel. La bellísima Amber Heard está en el momento álgido de su carrera, habiendo protagonizado Never back down (2008) junto a Sean Faris, y participando junto a James Franco en Pineapple Express, pendiente ésta última de llegar próximamente a nuestras pantallas.

Las caras jóvenes del reparto se ven acompañadas en las personas de sus diversos padres por artistas como Sharon Lawrence, quien intervino en la primea temporada de Mujeres desesperadas, aquí como la madre de Cliff; Gail O’Grady (Boston Legal) como la madre de Johnny; y el actor D.W. Moffet en el papel de su nueva pareja tras el suicidio de su marido. La pareja formada por ambos será de difícil aceptación para Johnny.

Atmósfera típica del estío
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La playa de The O.C. aquí ha sido sustituida por las piscinas de las urbanizaciones y sobremanera la del club social, auténtico centro neurálgico del lugar, algo más acorde con la vida que llevan aquellos que residen lejos de la costa y con el hecho de que tras el primer episodio, el rodaje de la serie se trasladó desde la genuina Palm Springs a Arizona en el interior de Estados Unidos por razones de presupuesto. Si bien obtuvo buenas críticas tras su estreno, la serie de Lions Gate emitida en Estados Unidos por la CW, fue finalmente cancelada a los ocho capítulos debido a su bajo índice de audiencia.

Hidden Palms quizá tiene su fuerte en la creación de una genuina y agradable atmósfera típica de días de verano, con la quietud y el sosiego que el calor imprime a las horas. De manera muy similar a la película Disturbia (2007) el vecindario y la propia habitación de Johnny, sobremanera en la nocturnidad, recuerdan a ese imaginario de las urbanizaciones y barriadas costeras. Precisamente al amparo de la noche se producen algunas de las mejores escenas. Taylor Handley sabe caracterizar a ese chico normal con problemas que entra en un mundo artificial, y no siendo el prototipo de guapo acostumbrado de esta clase de series, resulta creíble en su papel. Tras sus dos primeros episodios la trama de misterio va cobrando auge, ganando puntos Hidden Palms en cada una de las escenas en que la actriz Amber Heard hace uso de su turbadora presencia. Lástima que a partir del tercer episodios lo que promete en un principio, decae considerablemente con un guión que no sabe muy bien con qué rellenar capítulos.

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A continuación pueden verse los títulos iniciales de la serie:

Y aquí el trailer promocional en inglés:

Otras películas o series relacionadas en Un Mundo de Cine:

· Disturbia

· Veronica Mars

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El barón Rojo (película) / The Red Baron (movie), 2008

El Barón Rojo

(The Red Baron /Der Rote Baron. Alemania, 2008)

-Autor: José Luis Urraca Casal*-

La leyenda del aire cobra vida en una superproducción alemana

[Este artículo está protegido por derechos de autor. Ver detalles al final del mismo] Próximo el centenario de la I Guerra Mundial (1914-1918) y cuando acaban de cumplirse 90 años (el 21 de abril) de la muerte de uno de sus héroes más famosos, Manfred von Richthofen, conocido como el Barón Rojo por el color del caza que pilotaba, llega a las pantallas una superproducción alemana basada en su vida y hazañas. La película se beneficia de las últimas tecnologías para recrear de forma espectacular los combates aéreos, las calles del Berlín de la época o las trincheras del frente occidental.
[Autor: José Luis Urraca Casal para www.unmundodecine.com]
Próximo estreno.- A la película le da nombre el apodo por el que era conocido el piloto Manfred von Richthofen, as de la aviación en la Gran Guerra y auténtico héroe de su tiempo para su nación, Alemania, que entró a formar parte de la leyenda reservada a aquellos que mueren jóvenes en la cima de la gloria. La filmografía alemana rescata así en unos tiempos en que impera lo políticamente correcto a una figura que se destacó por abatir pilotos australianos, canadienses y británicos, siendo precisamente el mundo anglosajón quien más lo admira hasta el punto de haber encumbrado y mitificado a este héroe de guerra.
[Autor del artículo: José Luis Urraca Casal. Licenciado en Historia]
Un reparto alemán con dos artistas británicos

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Matthias Schweighöfer, de 27 años es quien da vida al famoso piloto, joven promesa alemana y actor que ya ha interpretado con éxito al poeta Schiller (2005) en una producción de la televisión de su país y a quien también veremos aparecer en la película Valkiria protagonizada por Tom Cruise en torno al atentado para acabar con la vida de Hitler ocurrido en julio de 1944. Para su papel se llegó a pensar incluso en Val Kilmer, pero finalmente Schweighöfer, a la vista de las primeras críticas, ha impreso con su actuación una sensación convincente.
[Autor: José Luis Urraca Casal para www.unmundodecine.com]
La británica Lena Heady interpreta a Käte, amor de Richthofen dentro de un idilio ficticio en el papel de una enfermera (que parece recordar el rol de Kate Beckinsale en Pearl Harbor). Heady protagonizó recientemente 300 (2007), donde hacía de la reina Gorgo, mujer de Leónidas y en la actualidad desempeña el papel de Sarah en la serie Terminator: The Sarah Connor Chronicles, habiendo interpretado también para la televisión a la reina Ginebra en Merlin (1998), la producción de tres episodios que contaba con Sam Neill en el papel principal.
[Autor del artículo: José Luis Urraca Casal. Licenciado en Historia]
El protagonista de Shakespeare in Love, Elizabeth o Enemigo a las puertas, Joseph Fiennes, encarna al capitán y piloto canadiense Roy Brown confirmado en el film como la Némesis del Barón. Es la figura extranjera de la que se ha dotado a la película con vistas a su proyección internacional.
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En el escuadrón del Barón Rojo encontramos personajes reales y ficticios entre los que cabe destacar Til Schweiger en el papel de otro famoso piloto, Werner Voss; y a Volker Bruch como el no menos conocido Lother von Richthofen, hermano de Manfred. Entre los ficticios Maxim Mehmet como el teniente Sternberg; Steffen Schroeder como el teniente Bodenschatz; Hanno Koffler como el teniente Lehmann y Tino Mewes como el teniente Wolff. A los personajes añadidos hay que sumar la ausencia de otros de considerable importancia en la vida del Barón, como es el caso de Herrman Goering.
[Autor del artículo: José Luis Urraca Casal. Licenciado en Historia]
La aventura en torno a un joven piloto
[Autor: José Luis Urraca Casal para www.unmundodecine.com]
La acción nos muestra a un joven Manfred de 24 años que como centenares de miles jóvenes de la época ha de combatir en la Primera Guerra Mundial. Pronto, su pericia como tirador lo convierte junto a sus compañeros en héroes de la contienda y todo un fenómeno de propaganda en las filas del ejército alemán.
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Veremos al kaiser Guillermo recibiendo al héroe, las calles de Berlín perfectamente recreadas, las trincheras de Francia donde se hacinaban los soldados de infantería y donde se desarrolló fundamentalmente la guerra, los hospitales que atendían a los heridos y sobretodo algunas importantes escenas que tienen como protagonistas a los pilotos de esa nueva arma que irrumpió en los cielos de Europa durante la I Guerra Mundial, la aviación.
[Autor del artículo: José Luis Urraca Casal. Licenciado en Historia]
Desafíos del rodaje
[Autor: José Luis Urraca Casal para www.unmundodecine.com]
El desafío de la película después de haber alcanzado una muy lograda recreación de escenarios, gracias un extraordinario diseño de producción e incluir algunas importantes escenas de acción, está en conseguir ahora un buen ensamblaje dentro de un guión que sepa dotar de un adecuado dramatismo al contenido, alejado de la simple impresión de los efectos digitales. Engarzar adecuadamente la ficticia historia de amor añadida dentro de la historia es un ejercicio por el que ya han pasado con distinto éxito películas históricas ambientadas en la I Guerra Mundial como Jinetes de Leyenda [Ver aquí], donde el personaje femenino también era una enfermera o la más reciente y basada también en los combates aéreos, Flyboys (Ases del cielo, 2005) protagonizada por James Franco. Ya sólo queda por preguntarnos, ¿primará la recreación histórica o la historia de amor entre los protagonistas?.
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Otro de los aspectos que parecen haber hecho mella en The Red Baron es el presentismo, trasladando a los tiempos de la I Guerra Mundial aspectos actuales del pensamiento en forma de consideraciones del siglo XXI en boca de unos pilotos para quienes volar y combatir era todo un deporte. De tal manera que se nos presenta a Richthofen como un héroe de guerra pero al mismo tiempo se le da un barniz rebelde y antisistema a este descendiente de la más rancia nobleza prusiana.
[Autor: José Luis Urraca Casal para www.unmundodecine.com]
Es un film pensado para el mercado internacional, por ello se ha grabado en inglés y luego ha sido doblado al alemán. El rodaje se realizó entre julio y octubre de 2006. Realizada en Baden-Württemberg (Alemania) y en la República Checa. Siendo una película europea, sin embargo no ha recibido fondos públicos para su realización y se ha financiado únicamente a base de contribuciones individuales. La compañía Niama Film está fundada por el director, Nikolai Müllerschön y varios socios.
[Autor del artículo: José Luis Urraca Casal. Licenciado en Historia]
Manfred von Richthofen (1892 – 1918)
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Con 80 aviones derribados en su haber fue el mayor as de la aviación de la I Guerra Mundial. Su caballerosidad en el aire se edificó a partir de episodios como aquel en el que viendo que la ametralladora de un aparato británico se encasquilló, en lugar de derribarlo, le obligó a aterrizar. Se hizo famoso por su Fokker DR. I, un triplano de color rojo, aunque gran parte de sus derribos los logró a bordo de un Albatros.
[Autor del artículo: José Luis Urraca Casal. Licenciado en Historia]
Manfred comenzó la guerra en la caballería donde obtuvo la Cruz de Hierro para pasar más tarde a la infantería, donde se producían las peores condiciones de la guerra de trincheras. Fue finalmente en la aviación donde destacó por su habilidad en el combate convirtiéndose en todo un caballero del aire desde sus inicios en 1916. Al año siguiente recibió la medalla al mérito militar “Pour le Mérite”. Elegía personalmente a los miembros de su escuadrilla, que comenzó a ser conocida como el circo dados los llamativos colores de sus aviones.
[Autor: José Luis Urraca Casal para www.unmundodecine.com]
De origen noble y prusiano, su familia era una de las conocidas como Junkers. En las memorias que dejó escritas durante su convalecencia en 1917 tras recibir un disparo en la cabeza, confesó que pilotaba combatiendo para encontrar una razón a su vida.
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En Alemania se ha estrenado en el mes de abril, ahora la duda ahora es si al público de habla española la película llegará a los cines o saldrá directamente editada en DVD.
[Autor: José Luis Urraca Casal para www.unmundodecine.com]
Filmografía de los ases de la Gran Guerra
[Autor del artículo: José Luis Urraca Casal. Licenciado en Historia]
Entre los films realizados en torno a pilotos de la Primera Guerra Mundial podemos destacar que ya en los tiempos del cine mudo William A. Wellman dirigió Alas (Wings, 1927) en la que trabajó un jovencísimo Gary Cooper en un papel secundario, y donde dos jóvenes estadounidenses viajaban a Europa como pilotos para combatir durante la guerra. Alas fue el primer film en ganar el Oscar a la mejor película pues era el año de la creación de los premios. La escuadrilla del amanecer (The Dawn Patrol, 1930) fue la primera película sonora del director Howard Hawks la cual se alzó con el Oscar al mejor guión original y relató las andanzas de un grupo de pilotos ingleses. Edmund Goulding, el director de la aclamada Gran Hotel realizó seis años más tarde The Dawn Patrol (1938) con un reparto que tenía como estrella a Errol Flynn, actor del momento gracias también a Robín de los bosques e incluía a los británicos David Niven y Basil Rathbone, una segunda versión de la dirigida por Howard Hawks en 1930.
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El mismo Wellman de Alas (1927) volvería a incurrir en el género rodando su última película, con las aventuras de un grupo de pilotos norteamericanos en La escuadrilla Lafayette (1958), protagonizada por Tab Hunter. Las Aguilas azules (The Blue Max, 1966) tenía a George Peppard, James Mason y Ursula Andress como protagonistas. El futuro Hannibal Smith de El equipo A era un joven piloto alemán compitiendo por lograr la cruz del mérito introduciendo su condición humilde entre compañeros aristócratas como elemento dramático de la historia.
[Autor: José Luis Urraca Casal para www.unmundodecine.com]
En 1971 se rodó El barón rojo, dirigida por Roger Corman y que ya narraba la vida del famoso piloto von Richthofen y que posee múltiples combates aéreos. Ases del cielo (Aces High, 1976) fue resultado de la adaptación de la obra de teatro Journey’s End con Peter Firth en la piel de un novato y Malcom McDowell como un veterano piloto que se refugia en la bebida. El resto del reparto incluía lo más granado del cine británico, Christopher Plumier, Simon Ward, John Gielgud, Trevor Howard, Richard Johnson o Ray Milland.
[Autor del artículo: José Luis Urraca Casal. Licenciado en Historia]
Y más recientemente podemos hallar un film como Flyboys: Héroes del aire (Flyboys, 2005) protagonizado por James Franco y Jean Reno en torno a la famosa escuadrilla La Fayette, formada por pilotos voluntarios estadounidenses que combatieron en Francia en los inicios de la Primera Guerra Mundial.

Autor: José Luis Urraca Casal. Licenciado en Historia por la Universidad de Cantabria. Para www.unmundodecine.com

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A continuación puede verse el tráiler de The Red Baron en inglés:

Distribuida por la Warner Bros.

Otras películas del período en Un Mundo de Cine:

· Jinetes de leyenda (1987)
· Nombres en mármol (2002)
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WALL-E (WALL·E, 2008)

WALL-E (Batallón de limpieza)

(WALL·E. USA, 2008)

-Autor: Fernando Rodríguez Laso-

Pixar ha vuelto a no defraudar con su cinta de este año

[Este artículo está protegido por derechos de autor. Ver detalles al final del mismo] El noveno largometraje de Pixar nos trae la historia de un robot con comportamiento humano, una historia ya antes tratada desde los géneros de la ciencia ficción y el cine infantil, pero nunca con la sensibilidad mostrada por los creadores de Pixar.

Con más de un mes de retraso con respecto al estreno en EE.UU. donde obtuvo una buena recaudación aunque sin romper las taquillas, la película llegó a nuestro país con una enorme expectación debido a las excelentes críticas que la rodearon declarándola muchos críticos la mejor película de todas las realizadas por Pixar.
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Antes de empezar a comentar Wall-E señalar que quienes vayan al cine a verla deben ir con tiempo para no perderse el habitual cortometraje con que Pixar acompaña a sus largometrajes, en este caso se trata de “Presto” un título que hace referencia al nombre de un mago y a la rapidez con que se suceden los gags. Sin duda los más pequeños (y los demás también) disfrutarán enormemente con el mago y el conejo que se saca de la chistera.

Entrando en Wall-E señalar que el encargado de coordinar el largometraje es Andrew Stanton, un hombre dedicado siempre a la animación, conocedor y creador del universo Pixar, pues ha estado ligado desde el principio a la factoría, trabajando con ella desde el 91, muchos años antes de que realizaran su primer largometraje “Toy Story”. Stanton codirigió el segundo largometraje de la factoría “Bichos” y dirigió ya en solitario la que para muchos fue la mejor película del 2003, “Buscando a Nemo”.
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Nuestro protagonista aquí es un viejo robot, mezcla entre E.T. y Cortocircuito, que fue dejado hace 700 años en la tierra para limpiarla, junto a otros muchos modelos similares a él. Wall-e es el único que queda y la soledad le ha hecho desarrollar una personalidad. La tarea de humanizar máquinas no es nueva para Pixar, el primer personaje que crearon, Luxor, ya mostraba rasgos similares a los de Wall-E como la curiosidad y la extremada expresividad, aquel flexo, que aparece en las cabeceras de Pixar sustituyendo a la I, al carecer de brazos, muestra la expresión sobre todo con la curvatura del cuerpo, en este caso Wall-E con sus brazos y sus dos ojos se multiplica exponencialmente la expresividad que transmite.

Pixar en este film homenajea/rememora la época del cine mudo; por momentos durante la primera hora se pueden ver gags o escenas que recuerdan al cine de Buster Keaton (caidas, golpes, etc) al de Harold Lloyd (velocidad) y sobre todo al de Chaplin, especialmente cuando aparece Eva en escena. La película se ha llegado a publicitar como muda sin ser cierto, aunque los protagonistas no hablen si aparecen muchos sonidos importantes y diálogos, durante todo el metraje que van situando al espectador en el contexto de la historia.
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En lo que respecta a la historia, ésta intenta ir directamente al corazón del espectador, el robot es un ser entrañable al que es imposible no coger cariño, siente curiosidad por todo aquello que un niño la sentiría y colecciona aquellas cosas que le llaman la atención, aunque parece feliz ,nos muestran que no está contento con su soledad, parece que ve compulsivamente un video del musical “Hello Dolly” y se graba las canciones para escucharlas mientras trabaja. El musical que dirigió Gene Kelly en 1969 habla sobre la necesidad de un “toque femenino” en la vida, además Wall-E sueña, tal y como ve en la película con darse la mano con una compañera.

A la media hora de película aparecerá la compañera que Wall-E desea, Eva, un robot peligroso para Wall-E pero al que sus deseos de compañía le armaran de valor para acercarse a ella. Eva es mucho más moderna con una capacidad de procesamiento e información infinitamente superiores a los de Wall-E, pero cuando el robot limpiador la lleva a su casa se verá la importancia de haber desarrollado una sensibilidad humana, Eva no sabe que hacer con los objetos que Wall-E la muestra. Wall-E los ha guardado con cariño por considerarlos diferentes, ser poseedor de ellos le otorgaban una personalidad pero la moderna Eva sabe como utilizarlos.

[Atención: a partir de aquí el comentario revela detalles importantes de la trama]

Sin duda la película intenta alertar del peligroso camino que ha emprendido la evolución humana al hacerse tan tecnológicamente dependiente. Wall-E es más humano que los propios humanos que ya no recuerdan lo que es, ni significa, un hecho tan simple como darse la mano. La degradación humana nos la muestra de manera cómica pero desgarradora con la serie de retratos generacionales que veremos en el puente de mando de la nave.
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Pero la degradación no es tan sólo física, también es psicoafectiva. La decadencia humana ha llegado hasta tal extremo que los humanos ya no saben lo que significa la palabra verbena, hace generaciones que no bailan, como sí sabe hacer Wall-E que además de saber reproducir la coreografía de Hello Dolly es capaz de realizar un lírico baile en el espacio.

En la película se nos muestra un mundo futuro donde los comportamientos humanos no tienen cabida, los humanos los han perdido y los robots que los desarrollan son apartados al lugar equivalente a nuestro manicomio. Alienados los humanos piensan que viven maravillosamente sin tener ni tan siquiera que levantarse, pero cuando descubren lo que han dejado atrás cuando la vida no tenía tantas comodidades desearan recuperar aquello.
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Resulta curioso el planteamiento de la historia convirtiendo a un pequeño y viejo robot en el referente moral de una nueva generación de seres humanos que tendrán en la humanidad y sacrificio de Wall-E el aporte de valor para enfrentarse a la tecnología que les mantiene “comodamente encarcelados” y si no inician un nuevo movimiento ludista de rotura de maquinas sí al menos uno de retorno a la naturaleza.

Para los amantes del genero del espacio la cinta contiene una nada disimulada referencia a Hal 9000, la computadora de “2001, una odisea en el espacio”, un cerebro creado por nosotros pero que nos controla más allá de lo que nosotros nunca hubiéramos deseado. La voz en la versión original la pone Sigourney Weaver completando el homenaje a la ciencia ficción cinematográfica.

Las películas Pixar tienen varias características comunes como las historias ejemplarizantes, los trabajados guiones y sobre todo la alta calidad de las secuencias de acción, como no podía ser de otro modo en Wall-E se da todo ello, siendo la acción sobre todo importante en la segunda mitad con una emoción y una épica nada comunes.

Para concluir señalar que el autentico final de la película no es a mi parecer el autentico final de la historia. El final feliz se debe a que es una película para todos los públicos y un cierre triste hubiera retraído a mucha gente a ir a las salas, el que yo considero el autentico final era demasiado cruel, en el momento que parece la película va a acabar con una triste conclusión los espectadores estabamos con una sensación de vacío absoluto tan desgarradora que los guionistas debieron pensar que los niños y mayores no podían irse con una sensación tan desagradable a casa.
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Wall-E, al igual que también hacía recientemente la película de Shyamalan “El incidente” trata la cuestión medioambiental, por supuesto desde una optica distinta, ésta mucho más apta para todos los públicos y posiblemente mucho más útil si de concienciar a la población se refiere, porque esta historia apela directamente a la deshumanización de la población como causa de la degradación de la tierra.

Pixar ha vuelto a no defraudar con su cinta de este año, que siempre son de lo mejor de cada temporada. Sin duda la historia de este pequeño robot se sitúa entre lo mejor de este gigante de la animación al que ni Disney ni Dreamworks son capaces de hacer sombra.

No se pierdan tampoco los títulos de crédito, pues como el administrador del blog me hizo notar en el cine en su confección repasan la evolución del arte de la pintura.

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A continuación puede verse el trailer de WALL·E:

Otras películas relacionadas:

· Babe el cerdito valiente (1995)
· El Incidente (2008)
· Un tipo genial (1983)

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Forja de campeón (Youngblood, 1986)

Forja de campeón

(Youngblood. USA, 1986) - Programación de verano

-Autor: José Luis Urraca Casal-

Rob Lowe héroe sobre la pista de hielo

[Este artículo está protegido por derechos de autor. Ver detalles al final del mismo] En plena efervescencia de su carrera, Rob Lowe, la estrella juvenil del momento, protagonizó esta película en torno a un jugador de hockey que quiere probar fortuna sobre la pista de hielo. Film adolescente prototipo de la década de los 80, sin llegar a ser la mejor obra sobre este deporte, cosechó un gran éxito de taquilla y es uno de los más recordados, sobretodo por la presencia de sus protagonistas, entonces en los umbrales de la fama, el hoy enfermo de cáncer Patrick Swayze o Keanu Reeves en uno de sus primeros largometrajes. Drama, acción sobre la pista, romance y ciertos toques de humor distendido convierten a Forja de campeón en una cinta entretenida aderezada con canciones y música de la época.
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Comentario.- Youngblood es la historia de un joven norteño estadounidense de 17 años perteneciente a una humilde familia de granjeros de nombre Dean Youngblood (Lowe), que llega el día en que decide participar en una liga de equipos de hockey sobre hielo canadiense. No es la primera vez que en la familia alguien lo intenta. Su hermano Kelly en su día fue una gran promesa, pero vio interrumpida su carrera por una fatalidad del juego y perdió un ojo. Pero ello no logra echar atrás a Dean a la hora de cumplir su sueño, iniciado a los seis años de edad, pues como le dice a su padre, no quiere ser un granjero el resto de su vida.

Es una entretenida película de deportes sobre hockey que reúne en su reparto a rostros de la pantalla posteriormente muy famosos como Swayze e incluso un jovencísimo Keanu Reeves que de nuevo trabajaría con Swayze en Le llaman Bohdi (Point Break, 1991) cinco años después y que en su juventud fue un excelente jugador de hockey.

Rob Lowe, Patrick Swayze y el reparto
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Rob Lowe fue uno de los actores más populares de la generación adolescente que durante los años 80 protagonizó algunas de las películas juveniles que marcaron la década. Amigo en el Santa Monica High School de actores como Sean Penn o Emilio Estevez en 1983 Francis Ford Coppola lo incluye en Rebeldes (The outsiders), siendo compañero de reparto de toda una hornada de jóvenes promesas: Patrick Swayze, Tom Cruise, Emilio Estevez, C. Thomas Howell, Matt Dillon, Ralph Macchio y Diane Lane. Comparte protagonismo ese mismo años con Jacqueline Bissett en Class y comienza su fama de joven guapo y atractivo, de sonrisa irresistible, capaz de ligarse a mujeres de todas las edades. Es todo un fenómeno en taquilla sólo igualable por Tom Cruise, pero su carrera se trunca de la noche a la mañana en 1988 con unas escandalosas imágenes de índole sexual formando un trío con una menor. El alcohol y las drogas hacen el resto. No es hasta diez años más tarde cuando gracias a la televisión y la serie El Ala Oeste de la Casa Blanca (The west wing) y su personaje de Sam Seaborn, recupera su carrera (ya lo había hecho con su vida) la cual continua con éxito en la serie Cinco Hermanos (Brothers ans sisters).

Sin haber llegado a revelarse como un gran actor, sin embargo hay que reconocer que resultó e hizo creíbles (lo realmente importante) los papeles que interpretó sobretodo en su época juvenil, cuando se convirtió en auténtico ídolo de jovencitas y reclamo indiscutible a la hora de llenar una sala de cine. En Youngblood se desenvuelve bien tanto en las escenas de deporte, para el que tuvo que prepararse y entrenar, como en las dramáticas o de romance.
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No es la primera vez que trabajaban juntos Lowe y Swayze, ya lo habían hecho en ese bello drama juvenil titulado Rebeldes, hoy convertido en título de culto, ambos en el papel de los dos hermanos mayores de Ponyboy Curtis (C. Thomas Howell). Patrick Swayze (del que hablaremos más extensamente próximamente) deportista en sus inicios y bailarín después, había iniciado el año anterior el rodaje de una de las series más ambiciosas de todos los tiempos, Norte y Sur, que supondría un espaldarazo internacional a su carrera, la cual alcanzaría su momento más álgido con la llegada de Dirty Dancing (1987) o Ghost (1990) ésta última junto a otra de las actrices adolescentes por excelencia de los 90, Demi Moore.

Cynthia Gibb en su primer papel protagonista en el cine logra una adecuada interpretación, resultando convincente en un papel jovial y de espíritu positivo. Sin embargo, siendo entonces una desconocida resultó eclipsada, algo bastante frecuente cuando en tu primer papel la estrella masculina es de las características de Lowe y la película está orientada a rentabilizarlo. Tras Forja de campeón, trabajó con Oliver Stone en Salvador (1986), protagonizó la comedia juvenil Modern Girls (1986), un thriller con James Spader, o películas de acción junto a Jean Claude Van Damme como Libertad para morir (Death Warrant, 1990) y arribar posteriormente hasta nuestros días en la televisión.
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Ed Lauter es un actor secundario al que hemos visto en un sin fin de telefilmes y otros largometrajes como 13 días (Thirteen days, 2000), Seabiscuit (2003), o también de entrenador en No es otra tonta película americana (Not another teen movie, 2001). Está perfecto en el papel de este duro entrenador, siendo una de las interpretaciones más logradas de la película.

Keanu Reeves tiene un pequeño papel no muy favorable y apenas diálogo (en la versión original emplea acento francés canadiense) pero se trata de uno de sus primeros largometrajes y donde mejor se desenvuelve es en la pista, habiendo sido apodado en sus tiempos de jugador de hockey, “el muro”. Su fama no llegaría hasta Le llaman Bodhi (1990).

[Atención: a partir de aquí el comentario revela detalles importantes de la trama]

Los hilos argumentales de la trama

A Dean Youngblood le gusta el hockey, por eso deja su casa y se va a jugar con los Hamilton Mustangs en Canadá, pero para él, de la manera en que se nos presenta en la película no sólo es vocación, sino también un medio para lograr lo que no hicieron los demás miembros de su familia, salir de la granja.
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Así como el personaje de Swayze representa al líder del grupo que se ha esforzado para llegar donde está, sabe trabajar duro y cómo dirigir a sus compañeros formando un equipo, Lowe aparece ante ellos como el chico guapo que con su cara bonita cree poder tenerlo todo. Siendo el hockey sobre hielo un juego donde es importante la fuerza física y a veces la dureza es parte de su práctica (los partidos que nos presenta ésta y otras películas sobre éste deporte así lo ponen de manifiesto), su aspecto más endeble en comparación con la corpulencia del resto de jugadores hace que a Dean le tilden de blando y duden de su hombría para competir. Pero a diferencia de películas como El Castañazo (Slapshot, 1977) protagonizada por Paul Newman, donde los jugadores emplean la fuerza, el personaje de Lowe aprovecha su esbeltez para jugar con agilidad y destreza.

Lowe tendrá que ganarse la confianza del grupo y previamente sufrirá novatadas bastante descaradas, además de la constante prueba de su entrenador.
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La película sigue el patrón de otros films coetáneos como Karate Kid (1984), Los reyes de la playa (Side out, 1990), Triunfo amargo (Across the tracks, 1989), etc. y el protagonista sufrirá una crisis que le conducirá a retirarse de la arena de juego para volver en el desenlace crucial del enfrentamiento final. Y en esa vuelta habrá influido la preparación fruto de la voz de la experiencia, siendo el particular señor Miyagi de esta historia el padre de Youngblood, interpretado por el otrora famoso jugador de hockey de los Chicago Blackhawks, Eric Nesterenco. También vemos influencias en el guión de Rocky (1976), especialmente esos entrenamientos finales, que apuntan más a una película de boxeo que de hockey.

Aunque el principal tema de la cinta es la práctica del hockey por Youngblood y la acción sobre la pista, existen otros hilos argumentales dentro de la historia bastante asiduos en este tipo de películas. Así se introduce el drama personal de las relaciones familiares del protagonista con su padre y su hermano; su romance con la chica, cómo no, hija del entrenador del equipo; sus problemas con la autoridad que éste representa; su crisis de identidad o confianza en si mismo; y el enfrentamiento y enemistad con el malo de turno, en este caso el jugador del equipo rival (Thunder Bay Bombers), Racki. Y a diferencia de otros títulos, en Forja de campeón aunque se recoge bien el aspecto de la camaradería, la historia se centra en un solo personaje, Youngblood y su periplo de cara a convertirse en un jugador profesional de hockey sobre hielo.

Alternando deporte y erotismo
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La película alterna entre la lucha que Youngblood mantiene en el juego y su relación con la hija del entrenador, existiendo un importante componente erótico y sexual. Y en este caso la película carga su peso en el protagonista masculino. Entonces como puede apreciarse en este artículo, el gancho lo tenía Lowe, de ahí que apareciese en el cartel publicitario de la película, el cual explotaba el componente físico del actor, en perfecta forma, algo que se traducía posteriormente en el metraje, a lo largo del cual, el actor se mostraba ligero de ropa en vestuarios, cama, haciendo ejercicio de pesos e incluso en escenas perfectamente prescindibles como cuando se pierde en uno de los pasillos de los vestuarios, ataviado únicamente con un jockstrap de jugador de hockey y es sorprendido por Jessie (Cynthia Gibb). Sin embargo la publicitación de la película varió con los rostros de Patrick Swayze y Cynthia Gibb añadidos al cartel y más recientemente la portada del dvd recoge únicamente a Swayze y Lowe. Éste último ya había revolucionado el tradicional deporte del remo en Oxford Blues (1984) y no se ha visto a otro jugador más atractivo que él jugando al hockey, siendo pocas las películas que hayan lucido más este deporte. Su especial carisma hace creíble su condición de excepcional jugador de peso ligero, y al final hay que reconocer que es quien hizo y sigue haciendo más recordable esta cinta.

El hockey de Youngblood
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El director Peter Markle, también copartícipe del guión, fue jugador de hockey y ahí basó algunas de las experiencias reflejadas en la película. Mientras rodaba las escenas de la película en la pista de hielo llevaba puestos sus patines. Forja de campeón está rodada en Minnesota (las escenas de la granja) y en Toronto, siendo el estadio el Ted Reeve Arena de la ciudad.

Dada la importancia de sus otros hilos argumentales, en especial el de las relaciones que mantiene Lowe, principalmente su historia de amor con Jesse, esto resta tiempo de guión al hockey en sí frente a otras películas como Somos los mejores (The Mighty Ducks, 1992), Mistery Alaska (1999) o El milagro (Miracle, 2004). Por otro lado, si bien quiere transmitir la peligrosidad del juego, la forma en que están rodadas las escenas, bien coreografiadas y fotografiadas, no refleja la dureza por ejemplo de El Castañazo (Slapshot) y el juego es menos veloz (de ahí que algunas escenas se rueden a cámara lenta).
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Así y todo la magia del cine obra también milagros en los partidos de Forja de campeón y ésta es también un magnífico ejemplo de la influencia mediática del cine y de determinados actores como Lowe (o Tom Cruise en Top Gun) en la década de los 80, donde un film como Youngblood, sobretodo en Estados Unidos podía influir de manera decisiva a la hora de despertar vocaciones deportivas o afición entre los profanos en la materia, por el hockey sobre hielo. Posiblemente habrá habido títulos más realistas sobre este deporte pero ningún otro habrá logrado el mismo efecto.

Seleccionamos de Youtube la escena de los títulos de crédito iniciales, donde se puede ver al personaje de Dean Youngblood patinar acompañado por una música que consigue asemejarlo a un baile, representativo del sentimiento que supone estar para él sobre la pista de hielo y escenario en el que se va a desenvolver el resto de la película.

Enlaces en Youtube a otras escenas de la película:
Partido final

Cartel de la películaPortada del DVD

Otras películas juveniles en Un Mundo de Cine:

· Los reyes de la playa (1990)
· 10 razones para odiarte (1999)
· Disturbia (2007)
· Algo pasa en Las Vegas (2008)

*Los redactores de Un Mundo de Cine informan de que esta página está bajo licencia de Creative Commons. La cita de partes de este artículo debe hacer constar: 1º) Autor: José Luis Urraca Casal, 2º) Fuente: www.unmundodecine.com, y 3º) incluir un enlace al artículo original. La reproducción total está PROHIBIDA y requiere autorización.