sábado, 31 de enero de 2009

La vida manda (This happy breed, 1944)


La vida manda

(This Happy Breed. GB, 1944)


-Ciclo Período de Entreguerras/Ciclo David Lean-

-Autor: Fernando Rodríguez Laso*-


Una mirada a las familias inglesas de entre guerras

[Este artículo está protegido por derechos de autor. Ver detalles al final del mismo] Basada en una novela de Noel Coward, La vida manda se trata de la primera película como director en solitario de David Lean. Realizada durante la Segunda Guerra Mundial, en ella se nos muestra el ciclo de una familia con sus nacimientos, uniones o muertes contextualizado en la historia inglesa de las dos décadas comprendidas entre los dos grandes conflictos mundiales. Un film que intenta mostrar a las familias que sostienen Inglaterra desde la admiración, dignificándolas por haber convertido a su país en lo que es.
.
Noel Coward era un dramaturgo que alcanzó la popularidad en los años 20 en Gran Bretaña. Al estallar la IIGM Coward estaba concienciado con la conveniencia de frenar el avance nazi. Durante la contienda compuso canciones muy populares para la población y escribió y codirigió la película Sangre, sudor y lágrimas en la que relataba la historia de soldados a bordo de un destructor en el Mediterráneo. En ella trabajó como codirector por primera vez en su carrera David Lean, y Coward quedó tan impresionado del trabajo de éste que le confió la realización de las adaptaciones de sus obras. De dicha colaboración surgió Un espíritu burlón, Breve encuentro y La vida manda.

Noel Coward aún hoy sigue en la actualidad cinematográfica, este mismo año se ha estrenado una película basada en una adaptación de una obra de teatro suya, Una familia con clase, que ya cuenta con un comentario en Un mundo de Cine.

Con la vida manda Coward y Lean volvieron a trabajar codo con codo, Coward escribía las escenas y Lean las rodaba, sin entrometerse cada uno en la función del otro.
.
Los actores están todos estupendos en sus interpretaciones especialmente los de más edad, transmitiendo a la perfección la idiosincrasia inglesa. Casi todos serán habituales a partir de entonces en las producciones inglesas de Lean. El padre de familia Robert Newton aparecerá también en Oliver Twist, la madre Celia Johnson alcanzará el reconocimiento internacional por Breve Encuentro, aunque ya había coincidido con Lean en Sangre sudor y lágrimas, también Kay Walsh, la hija Queenie había trabajado en esta película y volvería hacerlo en Oliver Twist. Amy Veness también aparecerá en Oliver Twist, Stanley Holloway, el vecino Bob, alcanzó una gran fama llegando a trabajar en Breve Encuentro, Hamlet, La vida privada de Sherlock Holmes o My Fair Lady. Pero destaca sobre manera la presencia de un “joven” John Mills actor imprescindible de la cinematografía inglesa y que tuvo fructíferas colaboraciones con Lean como Sangre, sudor y lágrimas, Cadenas rotas (Grandes esperanzas) y la inmensa La hija de Ryan por la que se concedió el Oscar a Mills.

El regreso a casa tras la Gran Guerra

Tanto la novela como la película son una tierna mirada dirigida con cariño y admiración a una típica familia inglesa que vive durante la agreste paz del período de entreguerras (1919-1939). La familia Gibbons representa aquí a la inmensa mayoría de las familias inglesas. Son una familia nuclear con 3 hijos, abuela materna y tía paterna que se van a vivir a una típica casa de una zona residencial de una ciudad del sur de Inglaterra con sus plantas baja y superior y el imprescindible jardín.
.
Se realiza un total repaso a la percepción de las familias medias inglesas a los acontecimientos transcurridos entre las dos guerras mundiales. El film comienza con la única frase en off que se pronuncia en todo el metraje “Después de cuatro años largos de guerra los hombres regresan a casa” y en eso consistirá el argumento, del regreso a casa de los hombres tras la IGM y terminará cuando esos mismos hombres y sus familias tengan que abandonar de nuevo sus casas por la amenaza que supone la IIGM.

La guerra está presente siempre en la memoria de esta familia, comienza con el retorno del cabeza de familia, Frank Gibbons, que minimiza el sufrimiento que pasó en la contienda, todavía tararea las canciones de guerra y recuerda sus anécdotas y a los compañeros. El vecino Bob se encuentra en la misma situación que Frank, éste inhaló gas durante el conflicto, que mantendrá dañado de manera crónica a su pecho, pero aún así resta importancia al problema. Ethel, la madre de la familia, que no fue a los campos de batalla considera afortunada a la familia; muchos maridos e hijos no han vuelto y su familia está al completo.
.
La trama salta rápidamente hasta el inicio de la década de los veinte, donde la guerra ya ha pasado a ser un elemento un tanto exótico. Está presente pero ya no interfiere en el día a día de las familias. Las agencias de viaje que organizan viajes a los lugares de batalla están en auge y se realizan inmensas exposiciones del Imperio Británico. Ahora no vemos desfiles militares sino columpios y parques de atracciones.

Un repaso a los acontecimientos de los años 20 y 30

Las familias inglesas están seguras que no habrá otra guerra, perciben que los problemas ya han sido resueltos con la IGM y que ya pueden vivir con tranquilidad. Se les ve despreocupados entusiasmados con “los TICs” de la época como la radio o la llegada del cine sonoro, del cual al principio no entienden una sola palabra de lo que se dice pero aún así les parece maravilloso.
.
La familia Gibbons no se mantendrá al margen de lo que pasa en su país, los acontecimientos históricos no los ven como espectadores sino que interactúan con ellos. El hijo Reg y novio de su hija Vi participarán activamente en la Huelga General que aconteció en mayo del 26, ambos tendrán interiorizado el discurso de clase marxista y le exponen siempre que tienen ocasión.

Frank, el cabeza de familia, que representa la visión típica inglesa les considera exaltados debido a su juventud, para él se están equivocando en querer hacer cambios revolucionarios tan rápidos cuando según él “este país está acostumbrado a trabajar lentamente”. Para él Inglaterra es un país de jardineros donde gusta mirar como la hierba crece lentamente mientras se trabaja. Los dos jóvenes acabarán abandonando su discurso marxista a la vez que en Inglaterra el partido comunista perdía toda su influencia.

La hija Queenie representa la protesta a los valores ingleses de las familias medias, ella no desea la vida que sus padres tienen, a la que considera vulgar, no quiere criar hijos y dedicarse a cuidar el jardín los sábados. El padre la señalara “hay cosas peores que ser gente corriente y respetable
.
Fuera de la propia familia vemos sus percepciones de la realidad que les rodea como la confianza en la Sociedad de las Naciones como garante de la paz, el desprecio a los problemas que ocurren a largas distancias, el ascenso del partido fascista en Inglaterra, la muerte de Jorge V, la confianza en sus gobernantes Stanley Baldwin o Ramsay MacDonald, aunque cuando mencionan a este último la mesa se desmorona, tal vez como broma por lo turbulento del segundo periodo de MacDonald, en el que tuvo que afrontar la Gran Depresión y se le llegó a expulsar del partido laborista.

Para Baldwin también la película tiene un tirón de orejas, se muestra al líder de los conservadores como un político que transmite credibilidad en las elecciones de 1935 y se muestra su frase de campaña “Nunca apoyaré una política de grandes armamentos”, afirmación que contradijo cuando accedió al poder.

La política de apaciguamiento con Alemania que practica el primer ministro Neville Chamberlain (1937-1940) es motivo de discusión dentro de la familia. Dentro del núcleo familiar están las dos ideas, la de que no importa ceder algo a cambio de la paz y la de que si se cede ahora luego pedirán más. La discusión en el domicilio es vehemente como lo era en la sociedad inglesa en la época.

Ver también en Un Mundo de Cine:

· La última primavera (2004)
· Una familia con clase (2008)
· Expiación, más allá de la pasión (2007)
· Retorno a Brideshead (2008)
· Sigue ahora Un Mundo de Cine a través de Facebook, twitter o por mail

A continuación puede verse un trailer de La vida manda (1944):


*Los redactores de Un Mundo de Cine informan de que esta página está bajo licencia de Creative Commons. La cita de partes de este artículo debe hacer constar: 1º) Autor: Fernando Rodríguez Laso, 2º) Fuente: www.unmundodecine.com, y 3º) incluir un enlace al artículo original. La reproducción total está PROHIBIDA y requiere autorización.

viernes, 30 de enero de 2009

Ciclo de Cine sobre la Segunda Guerra Mundial


Ciclos: Período de Entreguerras y David Lean

El próximo día 1 de septiembre se cumple el 70 Aniversario de la invasión de Polonia por parte del ejército alemán, lo que supuso el comienzo de la Segunda Guerra Mundial (1939-1945). En Un Mundo de Cine iniciamos un recorrido por dicho conflicto analizando sus múltiples dimensiones a través de distintos títulos seleccionados de la extensa filmografía existente al respecto.

Durante el presente año 2009 nos centraremos tanto en películas como en series de televisión que se desarrollan o bien contemplan el denominado Período de Entreguerras, aquel que va desde la finalización de la Gran Guerra (1918) pasando por las décadas de los años veinte y treinta del Siglo XX. Lo que nos permitirá realizar una apropiada composición de lugar sobre el período anterior al conflicto y las causas que lo desencadenaron.
.
La filmografía de películas sobre la Segunda Guerra Mundial tratará de ser variada e incluirá títulos de diversas nacionalidades y continentes, tanto realizados mismamente durante el conflicto o los años inmediatamente posteriores, hasta la actualidad, entre los que se encontrarán auténticas obras maestras del séptimo arte y famosas series de televisión, pero también otras escasamente conocidas.

El título con el que dará comienzo el Ciclo del Período de Entreguerras nos servirá igualmente para iniciar otro sobre uno de los grandes maestros de la historia del cine, el director británico David Lean, de quien en 2008 se ha cumplido el centenario de su nacimiento y a quien desde Un Mundo de Cine deseamos rendir tributo. La cita será a razón de una obra mensual y dicho Ciclo incluirá títulos de películas como Oliver Twist, La Hija de Ryan o Lawrence de Arabia.

Les invitamos a acompañarnos en torno a estas dos interesantes y apasionantes propuestas.

· City of life and death (2009)
· John Rabe (2009)
· Max Manus (2008)
· La vida manda (David Lean, 1944)

domingo, 25 de enero de 2009

Conor el rugido Roar (Serie de Television, 1997)


Roar / Conor, el rugido

(Roar. USA, Serie de TV, 1997)


-En el aniversario de la desaparición de Heath Ledger-

-Autor: José Luis Urraca Casal*-


Fantasía, romance, aventura y acción en la Irlanda Celta

[Este artículo está protegido por derechos de autor. Ver detalles al final del mismo] Continuando la estela iniciada por exitosas sagas televisivas que habían puesto de moda el género de espada y brujería tales como Hercules: Los viajes legendarios o Xena: La princesa guerrera, el mismo género que Sam Raimi ha resucitado ahora con Legend of the Seeker, la FOX apostó en 1997 por una original y arriesgada serie titulada Roar de la que sólo se rodarían 13 episodios. La costa australiana fue el lugar elegido para ambientar a una Irlanda en el año 400 d.C. y un rostro completamente desconocido fuera de su país, el del joven Heath Ledger, el escogido para encarnar a un héroe celta en su lucha contra el invasor Imperio Romano.
[Autor: José Luis Urraca Casal para www.unmundodecine.com]
Surgida de la mente de Shaun Cassidy quien había cosechado cierto éxito gracias a American Gothic (recientemente ha sido el responsable de la serie de ciencia ficción Invasion) y de Ron Koslow, creador de la aclamada serie The beauty and the best (1987-1990), Roar fue rodada en Queensland a orillas del Pacífico en Australia, esa parte del planeta que junto a su vecina Nueva Zelanda ha servido, por la riqueza y variedad de su paisaje, de plató de rodaje a trilogías como El Señor de los Anillos y a series como The Pacific (pendiente de estreno) o la reciente Legend of the Seeker, fue el escenario escogido por la Universal Television Group para realizar la serie que habría de estrenar la FOX en 1997.
[Autor del artículo: José Luis Urraca Casal. Licenciado en Historia]
Estrenada como una serie concebida para su programación veraniega por la Fox, ésta no llegó a finalizar su emisión en los Estados Unidos, excusándose en sus bajos niveles de audiencia, quedando a falta de televisarse los últimos cinco episodios, lo que no ocurriría en la vecina Canadá, en Reino Unido, Australia o en España (emitida bajo el título de Conor, el rugido) donde sus fans sí pudieron disfrutar de su totalidad. A pesar de ello, al año siguiente la Fox creó Las Aventuras del joven Hércules con otro actor rubito, Ryan Gosling, en el papel protagonista.
[Este artículo está protegido por derechos de autor. Ver detalles al final del mismo]
Nos encontramos con uno de esos frecuentes casos en los que una serie que logra calar entre sus seguidores ve truncada su emisión por la cadena de televisión (La Fox haría lo mismo con Firefly). Los miles de fans anglosajones permanecieron fieles, creando páginas y foros en internet, y dirigieron cartas solicitando su edición en DVD. Años más tarde (2003) el Canal Sci-Fi recuperó la serie y recientemente (2006) ha sido por fin editada en DVD. También tuvo resonancia en el mundo literario, siendo publicadas dos novelas al año siguiente de su emisión, en 1998. En torno al guión del primer capítulo de la serie, Roar: A Novel; y con la búsqueda del legendario Cauldron como eje de un segundo libro, Roar: The Cauldron, ambos de Sean Kiernan.
[Autor: José Luis Urraca Casal para www.unmundodecine.com]
Ledger en su primer gran papel, príncipe celta
[Autor del artículo: José Luis Urraca Casal. Licenciado en Historia]
Hace mucho tiempo, en los márgenes del mundo conocido, las últimas tribus celtas luchaban por su supervivencia. Europa había caído bajo los romanos, y esta remota e indómita isla era el último bastión de la tradición de los ancianos”. Con esas palabras introductorias comienza una serie ambientada en la Antigüedad que nos traslada al año 400 d.C, en una tierra de magia y de mitos, una isla amenazada por la invasión del Imperio Romano, de la que aunque no se nos dice su nombre, por vecindad con su vecina Britannia, no puede ser otra que Irlanda.
[Este artículo está protegido por derechos de autor. Ver detalles al final del mismo]
Heath Ledger tenía 18 años al comienzo de su rodaje y había trabajado en series televisivas australianas como Ship to Shore, Sweat o la todavía hoy en antena que incluye cierto ambiente playero, Home and Away, así como en films como Blackrock. Sus tablas sobre el escenario incluían Peter Pan, The name of the father y Hamlet. Para lograr su papel había tenido que viajar desde Sydney hasta Los Ángeles donde mantuvo una entrevista con los productores. Era una cara nueva completamente desconocida en los Estados Unidos y el panorama internacional. Pero el poseer cierta experiencia unido a su atractivo le hicieron merecedor del papel, convirtiéndose en el principal reclamo de la promoción. Hacía así realidad como él mismo manifestó entonces, su sueño de interpretar un personaje como el que su compatriota Mel Gibson había realizado en Braveheart. Vestido con pantalones de ante o cuero, su cuerpo luciendo algunos tatuajes y su cabello adornado con una fina trenzita como la que años más tarde luciría Hayden Christensen en La Guerra de los clones, su personaje fue el de Conor, un joven príncipe que tras la muerte de sus padres y su familia en el día de la boda de su hermano, se erige en líder de un heterogéneo grupo tratando de unir las tribus celtas de Irlanda y expulsar al invasor romano.
[Autor: José Luis Urraca Casal para www.unmundodecine.com]
En el lado de los celtas, dentro del heterogéneo grupo reunido en torno a Conor, encontramos a Fergus (el británico John Saint John) el mejor guerrero de la tribu de su padre, protector de su familia primero y ahora del joven príncipe, a quien acompaña siempre en sus empresas. Caitlin (Vera Farmiga), una bella esclava diestra en el uso del arco y la flecha que se alza en defensa de su libertad. Tully (Alonzo Greer), otro joven y hábil guerrero de color. Y Galen, un poderoso mago lleno de sabiduría que enseñará a Conor a escuchar el rugido de la tierra y la naturaleza (de ahí el título de la serie) para guiar su destino.
[Autor del artículo: José Luis Urraca Casal. Licenciado en Historia]
En el lado romano Diana (Lisa Zane -La Ley de los Ángeles) es una mujer que ha utilizado sus encantos para abrirse paso en la vida hasta convertirse en noble romana y casarse con un rey tribal de la islas. Hastiada de su vida en una tierra a falta de civilizar, alejada de Roma en los confines del mundo conocido, sueña con acrecentar su poder y regresar a su lugar de origen. En tal aspiración la hayamos acompañada de una criatura sobrenatural, Longinus (Sebastian Roche -Beowulf), el mismo soldado romano que atravesó con su lanza el costado de Jesucristo en la cruz, y que 400 años después vaga condenado por el mundo adoptando una apariencia mucho más joven. No logrando poner fin a su atormentada vida, pone sus poderes al servicio de la reina Diana en su lucha contra Conor.
[Este artículo está protegido por derechos de autor. Ver detalles al final del mismo]
Siguiendo lo pasos de Braveheart, Xena y Hercules
[Autor: José Luis Urraca Casal para www.unmundodecine.com]
Estrenada dos años más tarde que Braveheart, podemos encontrar ciertos paralelismos, pues en Roar también se recurrió a un joven héroe, que de la noche a la mañana se convierte en un líder para su pueblo tras la trágica muerte de sus padres y de su novia. Un joven Conor que empuña la espada de su progenitor al mismo tiempo que su causa, la de unir a las tribus separadas contra el invasor en aras de la libertad.
[Autor del artículo: José Luis Urraca Casal. Licenciado en Historia]
Una peculiar y anacrónica puesta en escena de la historia celta y romana (en el segundo capítulo ya aparece la pólvora) mezclada con mitos druídicos dentro de una pretendida ambientación en la antigüedad, nos hacen comprender rápidamente que no nos encontramos ante un formato riguroso históricamente como al que actualmente nos acostumbra la HBO, sino que en este aspecto más bien se parece a Hercules o Xena, tratándose de un producto de entretenimiento que se deja ver, con el aliciente añadido de ver a Heath Ledger actuar en su primer gran papel, y a actrices invitadas como Keri Russell.
[Este artículo está protegido por derechos de autor. Ver detalles al final del mismo]
Junto a la mitología y a la aventura de la serie, ésta también poseía cierto mensaje ecológico, revelado por la actitud que adopta el personaje de Conor en algunos de los episodios, como por ejemplo en Projector, y por el origen de su fuerza, consistente en escuchar y sentir el grito (roar en inglés) que surge de la tierra y de las personas, de la naturaleza y de todas las cosas vivas, y cuyo balance ha de encontrar a la hora de tomar sus decisiones.
[Autor: José Luis Urraca Casal para www.unmundodecine.com]
El esfuerzo de producción, aunque notable para la época, se traduce en varios sets de grabación que incluyen varios poblados celtas, la fortaleza romana y la gruta que sirve de refugio al grupo que reúne Conor. Los paisajes son de gran belleza, sobretodo los costeros y el acantilado al que acude el protagonista en busca de inspiración, gozando igualmente de una buena fotografía. Pero el paisaje agreste es poco parecido al nórdico de una isla como Irlanda y la dinámica de los episodios, con un desarrollo similar que enfrenta a romanos con celtas y acontece prácticamente en los mismos lugares, así como el número de extras, que sin recreaciones digitales, puede resultar escaso. Algo que por otra parte es frecuente en muchas series de aventuras como ésta. Carece de la carga humorística imprimida a series como Hercules o Xena, con las que hubo de competir, y a pesar de no tener malos diálogos, el montaje (en mi opinión) resulta en ocasiones abrupto en el desarrollo de las escenas. La banda sonora de Roar, compuesta por Jon Ehrlich estuvo nominada a un Emmy y el sonido ganó el premio de los Motion Picture Sound Editors de Estados Unidos.
[Autor del artículo: José Luis Urraca Casal. Licenciado en Historia]
Apuntes finales
[Este artículo está protegido por derechos de autor. Ver detalles al final del mismo]
Como datos anecdóticos referir que de entre las diversas actrices con las que Ledger trabajó durante el rodaje, al parecer mantuvo una relación que transcendió la pantalla con Lisa Zane (hermana del también actor Billy Zane) quien interpretaba a la malvada reina Diana. Y este romance parece ser que tuvo cierta repercusión en la carrera del actor, pues tras finalizar el rodaje y regresar ella a Estados Unidos, Heath la siguió en su vuelta. Ya en Estados Unidos rodaría películas como 10 razones para odiarte, aunque la proyección internacional no le llegaría hasta compartir rodaje con su compatriota Mel Gibson en El Patriota (2000).

Autor: José Luis Urraca Casal. Licenciado en Historia por la Universidad de Cantabria. Para www.unmundodecine.com

Visitar otros enlaces en Un Mundo de Cine:

· La leyenda del Buscador (Aventuras)
· 10 razones para odiarte (Ledger)
· 10.000 (Aventuras)
· Robin Hood (Aventuras)
· Merlin (Aventuras)
· Krod Mandoon and the Fleming sword of fire (Serie, 2009)
· Sigue Un Mundo de Cine en Facebook, twitter o por mail

A continuación la presentación de la serie y el trailer de Roar:

Te invitamos a aportar aquí tu opinión dejando un comentario

*Los redactores de Un Mundo de Cine informan de que esta página está bajo licencia de Creative Commons. La cita de partes de este artículo debe hacer constar: 1º) Autor: José Luis Urraca Casal, 2º) Fuente: www.unmundodecine.com y 3º) incluir un enlace al artículo original. La reproducción total está PROHIBIDA y requiere autorización.

martes, 20 de enero de 2009

John Adams (Serie de la HBO, 2008)


John Adams

(John Adams. USA, Miniserie de TV, 2008)


-Ciclo Presidencial-

Autor: Fidel Gómez Ochoa*


Una serie histórica intelectualmente estimulante y excitante

[Este artículo está protegido por derechos de autor. Ver detalles al final del mismo] No lo duden: si les interesa la historia –aún más la de los Estados Unidos- y si les gusta el buen cine histórico, no consuman, más bien dispóngase a devorar uno tras otro los siete capítulos de la miniserie producida por la cadena HBO John Adams, que desde su primera emisión el 16 de marzo del año pasado en Estados Unidos y en Canadá ha cosechado un creciente y merecido éxito de crítica y de público. Fue la gran triunfadora en la pasada ceremonia de los premios Emmy 2008, con 13 galardones –se llevó los primeros de las categorías más importantes, incluidas la de Mejor Miniserie, Mejor Guión, Mejor Dirección, Mejor Actor Protagonista (Paul Giamatti) y Mejor Actriz Protagonista (Laura Linney)- y también lo ha sido en los Globos de Oro 2009 recientemente entregados, en donde, tras ser la serie más nominada, ganó todos los premios a los que concurrió; entre ellos el que obtuvo el veterano actor británico Tom Wilkinson como Mejor Actor Secundario.
[Autor: Fidel Gómez Ochoa para www.unmundodecine.com]
No es de extrañar que se hayan alcanzado estos resultados. Aunque muchas veces de un magnífico texto literario o histórico se ha hecho una mala o al menos decepcionante obra cinematográfica, la miniserie está basada en el libro de título homónimo de David McCullough, ganador del premio Pulitzer y además una de las biografías más vendidas y leídas de todos los tiempos. Está por otro lado el equipo responsable de su plasmación al celuloide, en el que destacan el director, Tom Hopper, quien ya lidió exitosamente con el género en Elizabeth I, y el magnífico elenco de actores. Si bien destaca sobremanera el trabajo interpretativo de los dos protagonistas, un Paul Giamatti soberbio como John Adams y una Laura Linney inmejorable en el papel de su notable esposa Abigail –si pueden vean la serie en versión original y aprecien así el magnífico uso que de las palabras y de la dicción hacen uno y otra-, no les van a la zaga ni Stephen Dillane como Thomas Jefferson, Danny Huston como San Adams, el televisivo David Morse como George Washington, Rufus Sewell como Alexander Hamilton, ni los más conocidos por estos pagos Tom Wilkinson y Sarah Polley, quienes encarnan respectivamente a un Benjamín Franklin que nos es presentado un tanto histriónicamente y a la desgraciada hija de Adams Nabby.
[Autor: Fidel Gómez Ochoa, profesor de Historia Contemporánea de la UC]
Un diseño de producción impecable –se han reconstruido ciudades como Boston y Filadelfia-, una cuidada fotografía a cargo de Tak Fujimoto y un guión bien documentado completan el conjunto de las piezas de un producto excelente cuyo visionado es una experiencia insólita en cuanto al hecho de que posibilita aprender historia de forma amena y entretenida. Como se señaló en la publicación Entertainment Weekly, “¿quién ha dicho que en TV no se puede hacer Historia intelectualmente estimulante y excitante?”.
[Este artículo está protegido por derechos de autor. Ver detalles al final del mismo]
La vida del segundo presidente de los Estados Unidos
[Autor: Fidel Gómez Ochoa para www.unmundodecine.com]
La serie recorre la vida de John Adams desde 1770 –tenía entonces treinta y cinco años y ya se había ganado en Nueva Inglaterra una cierta fama como abogado- hasta su muerte en 1825 y por tanto muestra fundamentalmente la trayectoria de quien fuera el primer vicepresidente y el segundo presidente de los Estados Unidos de América, un hombre singular forjado a sí mismo que, considerado un verdadero filósofo de la política, desde la defensa a ultranza de la ley y de los derechos individuales y constitucionales del mundo británico impulsó la independencia de los Estados Unidos y el levantamiento del nuevo país.
[Autor: Fidel Gómez Ochoa, profesor de Historia Contemporánea de la UC]
La obra está inspirada por dos objetivos fundamentalmente. Por un lado, por el afán de sacar al personaje, por lo que atañe a su relevancia dentro del proceso histórico señalado, de la situación de “fama silenciosa” oculta tras la celebridad de George Washington y oscurecida por el prestigio de Thomas Jefferson. Los datos históricos demuestran que Adams, objeto según The Hollywood Reporter de “un honesto y sensacional retrato” en tanto que “uno de los patriotas americanos más luchadores”, fue tan importante como ellos o incluso más. El otro gran propósito que parece inspirar la serie, cuya aparición está indisolublemente vinculada a la situación por la que atraviesan los Estados Unidos en los últimos años, es el de utilizar el potente medio televisivo como forma de mostrar a las nuevas generaciones tanto el sacrificio y heroicismo que fueron necesarios para fundar el país, como los valores que inspiraron a uno de los más significativos entre los padres fundadores, presentado como un hombre íntegro que dignificó el movimiento independentista y las instituciones que tuvo a su cargo; entre ellas, la Presidencia de su país, que no tardaría mucho en dejar de ser, por su autoridad moral, el referente político fundamental de la nueva nación y que parece que, tras diversas vicisitudes y tras la penosa presidencia ejercida por George W. Bush, podría recuperar ese reconocimiento.
[Este artículo está protegido por derechos de autor. Ver detalles al final del mismo]
La historia norteamericana en los años de los padres fundadores
[Autor: Fidel Gómez Ochoa para www.unmundodecine.com]
John Adams no se limita a narrar la trayectoria política de aquel abogado de Nueva Inglaterra. Por un lado, el recorrido por su vida pública permite hacer un detallado fresco del proceso que llevó a los Estados Unidos a emanciparse del Imperio británico y de sus difíciles primeros años de vida. Desde luego, la serie aborda la historia norteamericana durante los años de los padres fundadores, la etapa que llegó a su fin precisamente con la presidencia de su hijo John Quincy Adams, iniciada en 1825 y la última antes de que en 1829, con Andrew Jackson, llegara al máximo poder norteamericano el hombre del oeste y se iniciara la democratización de los Estados Unidos. Si la ven, como yo les sugiero, asistirán al proceso que llevó al enfrentamiento con Gran Bretaña, a los debates de los Congresos Continentales que culminaron con las Declaraciones de Derechos y de la Independencia, a la organización de la guerra, a la puesta en marcha de las nuevas instituciones, al surgimiento de los primeros partidos políticos, a la diferenciación entre conservadurismo y progresismo a través de las perspectivas de Adams y Jefferson….
[Autor: Fidel Gómez Ochoa, profesor de Historia Contemporánea de la UC]
Hay sin embargo que incluir entre las críticas que pueden hacerse que, por estar demasiado apegada a la biografía de Adams, haya otros fenómenos fundamentales de los que no se da cuenta, como es, en particular, el de la zozobra conocida por los Estados Unidos nacientes bajo la configuración confederal que las ex colonias británicas se dieron durante los primeros años tras la independencia. En cualquier caso, visto el conjunto de la serie, podría decirse que los productores, entre los que se cuenta Tom Hanks, consiguen el objetivo declarado de conseguir que la revolución norteamericana sea vista de manera diferente y novedosa.
[Este artículo está protegido por derechos de autor. Ver detalles al final del mismo]
Por otro lado, se aborda también la trayectoria personal de un Adams cuya familia es también uno de los principales focos de atracción de la miniserie. En la aproximación a este ámbito se da particular importancia a los elevados costes personales que Adams hubo de pagar por el compromiso con la causa de la independencia y el levantamiento del nuevo estado, que le hicieron padecer grandes fracasos y desgracias con algunos de sus hijos –la fría relación con el más célebre de todos, John Quincy, es indicativa de la vocación de servicio y la estricta moralidad casi cuáquera con que proyectó la vida familiar- y asimismo a la relación con su mujer Abigail, considerada una de las más impactantes historias de amor de la historia americana.
[Autor: Fidel Gómez Ochoa para www.unmundodecine.com]
La figura de Abigail Adams, al parecer pionera en la lucha por los derechos de las mujeres, es abordada con un punto de vista muy actual –se nos muestra a una mujer decidida con un criterio independiente que además se convirtió en la principal consejera política de su marido- dentro de lo que parece un interés del director en dar cuenta al tiempo de la sacrificada condición femenina de la época y del coraje y grandeza de su carácter, también por lo que se refiere a su hija Nabby Adams, excelentemente recreada por la sensacional Sarah Polley. El lado humano de la serie ha sido tan trabajado como el político y lo ha sido fundamentalmente a partir de la voluminosa correspondencia mantenida entre John y una Abigail Adams encarnada extraordinariamente bien por Laura Linney que en sus epístolas ha proporcionado a la posteridad una detallada descripción tanto de los asuntos políticos de la guerra por la independencia, como de la vida cotidiana. Es por ello que puede decirse que el espectador paciente –ha de estar finalmente frente a la pantalla algo más de cinco horas- será recompensado con una buena lección de historia y con sendos dramas político y humano de gran relevancia hoy en día.

*Fidel Gómez Ochoa para
www.unmundodecine.com
Profesor de Historia Contemporánea de la Universidad de Cantabria

Enlaces relacionados:

· Lincoln en Illinois
· El Ala Oeste
· Into the West (2005) · Serie de DreamWorks
· W. (de Oliver Stone)
· Amazing Grace
· Sigue ahora Un Mundo de Cine a través de Facebook, twitter o por mail

Ver títulos de crédito iniciales de la serie:

Ver trailer de la serie en youtube:

*Los redactores de Un Mundo de Cine informan de que esta página está bajo licencia de Creative Commons. La cita de partes de este artículo debe hacer constar: 1º) Autor: Fidel Gómez Ochoa, Profesor Titular de Historia Contemporánea de la Universidad de Cantabria, 2º) Fuente: www.unmundodecine.com, y 3º) incluir un enlace al artículo original. La reproducción total está PROHIBIDA y requiere autorización.

domingo, 11 de enero de 2009

El Sur (Victor Erice, 1983)


El Sur

(Víctor Erice, 1983)


-Autor: José Felipe Díez Rioz*-


25 años de una obra maestra inacabada

[Este artículo está protegido por derechos de autor. Ver detalles al final del mismo] Estrella viaja hacia el Norte en el tren y lee el libro que le ha regalado su hermano “En las Islas del Sur”, de Robert Louis Stevenson, donde se dice “Hay en el mundo unas islas que ejercen sobre los viajeros una irresistible y misteriosa fascinación. Pocos son los hombres que las abandonan después de haberlas conocido; la mayoría dejan que sus cabellos se vuelvan blancos en los mismos lugares donde desembarcaron; hasta el día de su muerte, a la sombra de las palmeras, bajo los vientos alisios, algunos acarician el sueño de un regreso al país natal que jamás cumplirán. Esas islas son las Islas del Sur. Cuentan que en ellas estuvo en tiempos el Paraíso”. Estas son las últimas palabras que, en la voz de Fernando Fernán Gómez, se escuchaban en la película y suponen para Estrella entender el significado que para su padre tenía el Sur, culminando de esta manera su propio viaje hacia la madurez.

Así es como imaginó Víctor Erice el final de su película “El Sur”, una de las obras cumbres del cine español contemporáneo, cuya última parte no fue posible rodar por diversos problemas de financiación constituyendo por lo tanto, una obra inconclusa pero de una calidad y belleza pocas veces igualadas.

Desde su estreno en 1983 mucho se ha escrito y comentado sobre esta película, por ello, únicamente daremos algunas ideas sobre cuál es su magia y qué hace que hoy día nos siga fascinando tanto como el día de su estreno.

La película

El Sur”, como la mayoría de las grandes obras de la historia del cine, trata de varios temas desde distintos ángulos pero, fundamentalmente, es una sencilla historia de sentimientos y emociones.
.
Basada en un relato corto de Adelaida García Morales, relata la historia de Agustín, un médico y zahorí que es capaz de descubrir con su péndulo donde está el agua, desde su llegada a una ciudad del Norte con su mujer Julia, maestra represaliada, y su hija Estrella alojándose en una casa llamada “La gaviota”. La historia se desarrolla en la España de los años 50 durante la niñez y la adolescencia de Estrella, narrando la poderosa atracción que ejerce sobre ella la figura de su padre y los secretos del pasado que desea ansiosamente descubrir.
.
Una primera característica de la película es su sencillez, se nos relata la vida de los personajes y la especial relación de Estrella con su padre utilizando la voz en off de Estrella, las imágenes y los silencios. El recurso de la voz en off, que tan desafortunados resultados ha tenido en otras películas, resulta muy acertado para conducir el relato transmitiendo al espectador los pensamientos y sentimientos de Estrella.

Toda la película se encuentra impregnada de un halo poético logrado a través de la forma intimista y tranquila que tiene de rodar Víctor Erice, centrado en la observación de los pequeños detalles, contribuye a ello también la minuciosa y hermosa fotografía de José Luis Alcaine.

Resulta muy destacable el uso que hace Erice de la luz en toda la película, alternando con la oscuridad, obsérvese el prodigioso comienzo de la película donde van apareciendo los títulos de crédito sobre un fondo negro, en silencio y poco a poco va entrando la luz a través de la ventana e iluminando la habitación de Estrella, ésta acaba de despertar por el ruido que produce en la casa la desaparición de su padre, descubre su péndulo debajo de la almohada y en ese momento comprendiendo lo que ha sucedido y una lágrima se desliza por su cara. A partir de ahí, la película se desarrolla en un largo flash-back hasta su final.
.
El proyecto de la película incluía una parte que se desarrollaba en el Norte y la parte final en el Sur, es ésta última parte la que nunca se llegó a rodar finalizando la película únicamente con la parte desarrollada en el Norte, quedando el Sur reducido a unas tarjetas postales y a la deslumbrante aparición de Rafaela Aparicio que después comentaremos.

Erice, tal como hizo en su primer largometraje “El espíritu de la colmena” (1973), deposita su mirada sobre el mundo de la infancia y sobre el paso del tiempo. Asistimos a dos etapas en la vida de Estrella, a los ocho años y a los quince años, siendo excelente la manera en que Erice enlaza la transición entre ambas etapas. Y en ambas etapas de la vida, ese vínculo invisible y tan poderoso entre el padre misterioso e introvertido y la hija despertando a la vida. Las escenas entre ambos constituyen lo mejor de la película: el aprendizaje del manejo del péndulo que luego Estrella trasladaba a su hermano, con las mismas palabras de su padre, en la parte no rodada de la película, el momento en que Estrella desaparece ocultándose debajo de la cama o el baile de celebración de la primera comunión, posiblemente el momento de mayor felicidad para ambos.
.
La guerra civil española y la posguerra como telón de fondo, la dureza de esos años, el exilio interior y la ruptura familiar y social aparecen reflejados en la película. Perfectamente simbolizados en la dualidad norte/sur y en detalles como la denominación de “la frontera” que Agustín da a la zona de terreno que separa su casa del resto del pueblo, y es únicamente el amor el bálsamo para superar estos sentimientos, Agustín, a pesar de su reticencia, entra finalmente al fondo de la iglesia donde Estrella está recibiendo la primera comunión. En relación con este aspecto señalar también el personaje que hubiese interpretado Fernando Fernán Gómez en la parte que no fue rodada, un personaje que se autolesiona para no participar en una guerra que no comprende, siendo tachado por ello de cobarde. Se une así Erice al conjunto de directores españoles que a finales de los años 70 y durante los años 80 realizaron películas revisando esta etapa histórica.
.
Y por último el cariño hacia el cine que desprenden las películas de Víctor Erice, tanto en esta película como en el resto de su filmografía encontramos ecos de los grandes directores tanto europeos como norteamericanos e inclusive orientales, recordemos como Yasujiro Ozu nos cuenta en sus películas sencillas historias sobre la relación entre los miembros de una familia. Como anécdota señalaremos que según cuenta Víctor Erice tardó bastante tiempo en reconocer el valor del cine de un director, aparentemente alejado de sus planteamientos, como Alfred Hitchcock hasta que finalmente acabó apreciando la enorme calidad de este director, veamos como en “El Sur” aparece la cartelera de la película de Hitchcock “La sombra de una duda”.

Los actores

Todo el cuadro de actores realiza un trabajo muy notable, pero es necesario resaltar las soberbias interpretaciones tanto de Omero Antonutti como de Rafaela Aparicio.
.
Estrella está interpretada por las niñas Sonsoles Aranguren a la edad de ocho años y por Iciar Bollaín a los quince años. Iniciaba así Iciar Bollaín su carrera como actriz que posteriormente, compatibilizó con su trabajo en la dirección firmando algunas de las películas más destacadas del cine español actual tal como “Flores de otro mundo” o “Te doy mis ojos”. Lola Cardona interpreta el papel de Julia, la esposa de Agustín, una mujer que vive, en silencio, la incomunicación y el desamor, una única vez podemos escuchar en la película una discusión con Agustín con la utilización, una vez más, de la técnica de fuera de cámara por parte de Erice

Mención especial requiere el trabajo de Rafaela Aparicio interpretando a Milagros, el ama de cría de Agustín, y cuya aparición en la película supone una explosión de alegría y naturalidad que rompe los silencios, es quizá su figura la mejor representación del desconocido sur para Estrella.

Rafaela Aparicio es una de las más destacadas actrices del cine y del teatro español, en su amplia filmografía (participó en 120 películas) interpretó todo tipo de papeles, fundamentalmente de actriz secundaria, consiguiendo superar el rol que le asignaron durante gran parte de su carrera de arquetipo de la mujer andaluza, alegre y extrovertida, para realizar excelentes trabajos dramáticos de la mano de directores como Fernando Fernán Gómez o Carlos Saura (“El extraño viaje” “Mamá cumple 100 años”). Su trabajo es reconocido con la concesión del Premio Goya por su interpretación en “El mar y el tiempo” de Fernando Fernán Gómez y por el Premio Nacional de Cinematografía en 1991.
.
Omero Antonutti, actor italiano de cine, teatro y doblaje, alcanzó relevancia internacional con su participación en las películas de los hermanos Taviani “Padre Padrone” y “La noche de San Lorenzo”, desarrollando posteriormente una amplia carrera tanto en Italia como en España, Francia o Argentina. Interpreta a Agustín realizando un trabajo de una contención y sobriedad admirable. Como si de un Henry Fonda italiano se tratase, sus gestos, palabras y silencios están perfectamente ajustados a la personalidad de este hombre misterioso, solitario y marcado por un pasado que no es posible recuperar.

Víctor Erice, el hombre tranquilo

Cineasta insólito en el panorama del cine español que durante cuarenta años de carrera únicamente ha rodado tres largometrajes y tres participaciones en películas conjuntas o proyectos experimentales, siendo considerado, a pesar de tan exigua producción uno de los mejores directores de la historia del cine español.
.
Nacido en Carranza (Vizcaya) en 1940, estudio Derecho y Ciencias Políticas, pasando posteriormente a la Escuela de Cine de Madrid en 1963. Sus primeros trabajos fueron como crítico de cine en revistas especializadas como Nuestro Cine, hasta que en 1969 debuta como director en el largometraje conjunto “Los Desafíos” donde dirige uno de los tres episodios que se incluyen en esta película, los otros dos episodios están dirigidos por José Luis Egea y por Claudio Guerín. Pero es en 1973 cuando aparece su primer largometraje “El espíritu de la colmena” produciendo un enorme impacto en el panorama cinematográfico español cosechando un notable éxito de crítica y público, las imágenes de la mirada de la niña Ana Torrent han pasado a formar parte de cualquier antología del cine español.

Diez años después en 1983 Erice rueda “El Sur” con las dificultades económicas que paralizaron su rodaje y el compromiso, no cumplido, del productor Elías Querejeta de terminar la película que permitió que Erice montase la parte rodada y que hoy constituye “El Sur”, paradójicamente, el enorme éxito de crítica y público de la película tal como se estrenó, constituyeron otro inconveniente para finalizar su rodaje
.
Y no es hasta 1992 cuando Erice vuelve a estrenar otro largometraje, de nuevo excelente, “El Sol del Membrillo”, en este caso más cercano al género del documento más que al propiamente narrativo, puesto que trata sobre la actividad creativa del pintor realista Antonio López. Posteriormente, únicamente una aparición en una película conjunta “Ten Minutes Older” donde firma el mejor de los cortometrajes que integran la película, “Alumbramiento”, diez minutos en blanco y negro de auténtico cine y el proyecto experimental de diálogo creativo en forma de cartas filmadas con su amigo y también director de cine el iraní Abbas Kiarostami, de ello nace la exposición “Erice-Kiarostami Correspondencias” presentada en Barcelona, Madrid y Paris. La exposición incluye instalaciones fotográficas del director iraní y el mediometraje inédito “La morte rouge” de Erice, así como los dos cortometrajes que ambos realizaron para la película “Ten Minutes Older”.

Durante estos años han sido varias las veces que Víctor Erice ha estado cerca de rodar el que sería su cuarto largometraje, pero en ninguno de los casos llegó a buen final el proyecto. La película que quizás estuvo más cerca de rodar fue “El Embrujo de Shangai” basada en la novela de Juan Marsé y que finalmente fue realizada por Fernando Trueba.
.
La propia personalidad de este director, su concepción del cine alejado de la comercialidad y su necesidad de transitar por nuevos caminos, por muy difíciles que éstos sean, pueden ser algunas de las causas que explican la breve filmografía de este director, en cualquier caso siempre mantendremos la esperanza de que Víctor Erice vuelva a rodar un largometraje y consiga, de nuevo, hacernos disfrutar con su cine.

La polémica

En el transcurso de estos 25 años desde el estreno de “El Sur” se ha debatido sobre si el mejor final para la película es, tal como quiso el azar, como quedó en su momento, o si hubiese sido necesario rodar la última parte en el sur de España. Los partidarios de la primera opción argumentan las bondades de los finales abiertos en la películas, de modo que no se desvelan las incógnitas que se han planteado en la película, permitiendo así al espectador participar interpretando la historia que se relatado, mientras que otras opiniones manifiestan que era imprescindible rodar la última parte de modo que se cerrase la historia completamente. El propio director aboga por esta segunda opción puesto que considera necesario expresar la dimensión moral que tiene el relato. Resultando ambas posturas válidas parece que, tal como indica Víctor Erice, las imágenes de la película desprenden la necesidad de que el relato estuviese completo.

Conclusión
.
En estos tiempos de cine tan acelerado y que olvidamos a los cinco minutos de finalizar la película, podemos recuperar el sabor del gran cine volviendo a ver “El Sur” o viéndola por primera vez aquellos lectores que no la conozcan y, a continuación, la entrevista con Víctor Erice donde relata como era la parte de la película que no se llegó a rodar y con el poder que nos otorgará el péndulo de Agustín podremos imaginar la película integra, tal como fue concebida por Víctor Erice.

Le dejé allí, sentado junto a la ventana, escuchando aquel viejo pasodoble, solo, abandonado a su suerte. ¿Pude hacer por él más de lo que en ese momento hice? Es lo que siempre me he preguntado, porque ésa fue la última vez que hablé con él”.

José Felipe Díez Rioz (Diciembre 2008) para www.unmundodecine.com

Escena del baile de la comunión de Estrellita:


Victor Erice: Regreso al Sur:


Ficha técnica:
España/Francia. Argumento y guión: Víctor Erice, a partir de un relato de Adelaida García Morales. Fotografía: José Luis Alcaine. Música: Piezas de Ravel, Schubert y Granados. Montaje: Pablo G. del Amo. Producción: Elías Querejeta, P.C., TVE y Chloe Productions. Jefe de producción: Primitivo Alvaro. Duración: 93 min.

Ficha artística:
Omero Antonutti (Agustín), Sonsoles Aranguren (Estrella, 8 años), Icíar Bollaín (Estrella, 15 años), María Massip (Estrella adulta, voz en off), Lola Cardona (Julia), Rafaela Aparicio (Milagros), María Caro (Casilda), Francisco Merino (enamorado), José Vivo (camarero), José García Morilla (chófer), Aurore Clément (Laura-Irene Ríos), Germaine Montero (Doña Rosario).

Otros enlaces en Un Mundo de Cine:

· La Lengua de las mariposas
· You’re the one
· Sigue ahora Un Mundo de Cine a través de Facebook, twitter o por mail
*Los redactores de Un Mundo de Cine informan de que esta página está bajo licencia de Creative Commons. La cita de partes de este artículo debe hacer constar: 1º) Autor: José Felipe Díez Rioz, 2º) Fuente: www.unmundodecine.com, y 3º) incluir un enlace al artículo original. La reproducción total está PROHIBIDA y requiere autorización.

miércoles, 7 de enero de 2009

Actores fallecidos en 2008 (Homenaje)

Homenaje a los artistas fallecidos en 2009
(Video de la TCM)

Homenaje a los artistas fallecidos en 2008

Creadores de Sueños

Artistas fallecidos en 2008, muchos de los que aparecen en el vídeo:

Eartha Kilt, Earle Hagen, Eddy Arnold, Edmund Hillary, Eileen Herlie, Estelle Getty, Evelyn Keyes, Gene Galusha, George Carlin, Giuseppe Di Stefano, Guillaume Depardieu, Harvey Korman, Hazel Court,
Heath Ledger, Heather Stohler, Huntington Hartford, Isaac Hayes, Ivan Dixon, Jason Rae, Jeff Healey, Jill Adams, Jim McKay, Jo Stafford, John Law, John Stewart, June Travis, Abby Mann, Alexander Courage, Allan Melvin, Andy Palacio, Anita Page, Anthony Minghella, Antonello Zara, Arthur C. Clarke, Barry Morse, Bernie Brillstein, Bernie Mac, Bettie Page, Beverly Garland, Bo Diddley, Boyd Coddington, Brad Renfro, Charlton Heston, Christian Brando, Clay Felker, Cyd Charisse, David Groh, Dino Dvornik, Dino Risi, Dody Goodman, Kenneth Keith Kallenbach, Lee Grivas, Lois Nettleton, Louisa Horton, Margaret Truman, Mitch Mitchell, Nina Foch, Odetta Holmes, Ola Brunkert, Ollie Johnston, Paul Benedict, Paul Davis, Paul Newman, Paul Scofield, Pete Candoli, Richard Widmark, Rick Wright, Robert Prosky, Ron Leavitt, Rosafina Gonzalez, Roy Scheider, Ruslana Korshunova, Sean Levert, Stan Winston, Stanley Kamel, Suzanne Pleshette, Sydney Pollack, Tiffany Sloan, Tim Russert, Van Johnson, Vampira: Maila Nurmi, Warren Cowan, Yma Sumac, Yves Laurent.

Ver también:

·
Adiós a 2008, Feliz Año 2009
· Sigue ahora Un Mundo de Cine a través de Facebook, twitter o por mail

martes, 6 de enero de 2009

The Last Enemy (Serie de TV, 2008)


El último enemigo

(The Last Enemy. GB, Serie de TV, 2008)


-Autor: José Luis Urraca Casal-


La democracia camino del totalitarismo

[Este artículo está protegido por derechos de autor. Ver detalles al final del mismo] ¿Se imaginan que en un futuro inmediato de tres o cuatro años en una sociedad como la británica, cuna del parlamentarismo, como respuesta a la amenaza terrorista y al crimen, dentro de la más absoluta normalidad cotidiana se hubiese implantado un sistema de identificación digital y nuestros movimientos fueran además registrados por cámaras instaladas por todo el país? Seguridad y control… ¿son compatibles con las libertades civiles?. Esa es la trama en la que se desenvuelve The Last Enemy una miniserie de 5 capítulos emitida por la BBC y protagonizada por Benedict Cumberbath, Robert Carlyle, Max Beenley y Anamaria Marinca.
.
Comentario.- Reciente aún el atentado integrista sufrido en el corazón de Londres el pasado año 2005, Masterpiece Contemporary y la cadena pública británica nos plantean una trama absolutamente orwelliana, donde al igual que el gran hermano, los habitantes de las islas británicas son introducidos dentro de un sistema de seguimiento de sus movimientos que tiene como fin último preservar su propia seguridad frente al terrorismo, la inmigración y el fraude.

Una compañía llamada Inquirendo trata de que el gobierno británico adopte su nuevo producto, T.I.A (Total Information Awareness) el cual permite acceso a la información personal de todos los ciudadanos a través de sus tarjetas de identificación al tiempo que permite combinarlo con la red de satélites y con la inmensa red de cámaras de circuito cerrado diseminadas por todo el país gracias al reconocimiento facial.

Un brillante matemático como protagonista

Benedict Cumberbatch (de quien hemos tratado en Un Mundo de Cine Amazing Grace, To the ends of the Earth o Expiación) da vida a Stephen Ezzard, principal protagonista de la historia. No es un héroe al uso, en su caso se trata de un eminente matemático, que se ha ausentado durante cuatro años del país para aislarse en China estudiando la estructura matemática del Universo. No todo iba a ser perfecto en esta mente brillante, pues tiene un pánico obsesivo, casi paranoico, a contraer virus y enfermedades que hace que lo veamos lavándose sus manos continuamente o viajando con mascarilla en el avión de regreso a Londres al funeral de su hermano Michael (Max Beenley), quien ha fallecido por la acción de una mina antipersona mientras desarrollaba su labor humanitaria en Afganistán…
.
Y será Stephen Ezzard nuestro particular cicerone, pues tras ausencia de las islas británicas, también para él resultan desconocidos y sorpresivos (al igual que para nosotros) los cambios operados en su país. Tarjetas de identificación biométricas, los espacios públicos grabados las 24 horas del día por cámaras digitales y policías armados patrullando las calles. Además de inmediato su vida se verá inmersa en medio de una serie de extraños sucesos al tiempo que los responsables de la compañía Inquirendo recurrirán a él para avalar su nuevo proyecto TIA (Total Information Awareness), una inmensa base de datos que daría acceso al gobierno a todos los movimientos de los ciudadanos.

La trama nos adentra ya desde el principio en los enredos de una conspiración, con un extraño virus de por medio, y el proyecto para la instauración de la TIA. Resulta complicado saber, al igual que para el personaje de Stephen Ezzard, qué intenciones se esconden detrás de cada personaje. La trama es por tanto turbia, con diversos focos de actividad, un grupo de miembros del gobierno, la empresa Inquirendo, los refugiados, diversos agentes… El fin de la superbase de datos es encomiable pero ¿y si cayera en las manos equivocadas?. Posee elementos más que sobrados para haber logrado un thriller brillante, lástima que no alcance tal nivel, sin embargo la trama descansa sobremanera en las vicisitudes personales de Ezzard, sus huídas y pesquisas sustentadas en la solvencia de un actor como Cumberbatch, a quien pronto veremos en la piel de un Sherlock Holmes adaptado a los tiempos actuales.
.
Robert Carlyle (Full Monty) añade un toque de misterio con sus fugaces apariciones en escena y la incógnita de saber para quién trabaja o qué es lo que pretende su personaje de David Russell, un peligroso agente altamente preparado. La actriz Eva Birthistle interpreta a una mujer con gran responsabilidad, Eleanor Brooke, ministra dentro del gobierno británico y especialmente encargada de que el Total Information Awareness (TIA) logre la aprobación del Parlamento en la Cámara de los Comunes. Su anterior relación con Ezzard, de quien fue pareja sentimental, se convierte en un fuerte gancho para lograr su colaboración en el proyecto. Anamaría Marinca (protagonista de 4 meses, 3 semanas y 2 días) es Yasim Anwar, quien se presenta como la mujer del fallecido Michael Ezzard, el hermano de Stephen. Y Max Beesley (protagonista de Hotel Babylon) es precisamente el hermano de Stephen, un cooperante que ayudaba a los refugiados en Afganistán y con una personalidad completamente diferente, abierta y pasional.

¿Seguridad al precio de la identidad personal y su privacidad?.
.
Aunque se juega con la ciencia ficción presentándonos un hipotético futuro muy cercano, no es menos cierto que en la actualidad existen diseminadas por el Reino Unido alrededor de 5 millones de cámaras grabando lugares públicos. Y en lo referente a la digitalización y almacenamiento de bases de datos ya se ha asistido recientemente a noticias sobre la pérdida de diversos datos digitales de 25 millones de ciudadanos por parte del Ministerio de Hacienda Gobierno británico, a lo que se suma la pérdida de una memoria portátil con los detalles personales de unos 100.000 miembros de las fuerzas armadas, evidenciando los mútiples robos de información digital que sufre el ministerio de defensa (desde 2004, 747 portátiles y de 121 memorias externas, cinco de ellas con datos secreto) o la última pérdida de una llave de memoria por parte de una empresa subcontratada con información detallada sobre 30.000 delincuentes de Inglaterra y Gales, con nombres, direcciones y, en algunos casos, la fecha en la que está prevista su puesta en libertad.
.
Además la trama en base a las tarjetas de identificación biométricas viene también a colación tras el anuncio realizado por el Gobierno británico el pasado año 2006 de reinstaurar el Documento Nacional de Identidad (que ahora incluiría características del iris de los ojos o huellas dactilares) desechado bajo mandato del primer ministro Winston Churchill en 1952 y que había sido introducido al comienzo de la II Guerra Mundial. La medida obtuvo la aprobación en la Cámara de los Lores de una moción de conservadores y liberales para hacer la medida voluntaria y no obligatoria, la cual fue rechazada en la Cámara de los Comunes. Un tema pues polémico el de su obligatoriedad que fue aprobado con estrecho margen por el gobierno de Tony Blair y con el voto en contra de 20 diputados laboristas. Así es también como comienza en la serie, donde podemos presenciar la oposición a la implantación de la TIA tanto de conservadores como de liberales.

Otros enlaces en Un Mundo de Cine:

· To the ends of the Earth
· Amazing Grace
· Expiación, más allá de la pasión
· Scorpio
· Sigue ahora Un Mundo de Cine a través de Facebook, twitter o por mail

Ver el trailer de la serie:

Ver un momento del debate sobre la T.I.A:

Te invitamos a aportar aquí tu opinión dejando un comentario

*Los redactores de Un Mundo de Cine informan de que esta página está bajo licencia de Creative Commons. La cita de partes de este artículo debe hacer constar: 1º) Autor: José Luis Urraca Casal, 2º) Fuente: www.unmundodecine.com, y 3º) incluir un enlace al artículo original. La reproducción total está PROHIBIDA y requiere autorización.

sábado, 3 de enero de 2009

Una familia con clase (Easy Virtue, 2008)

Una familia con clase

(Easy Virtue. GB, 2008)


-Estreno recomendado en Cines-

-Autor: José Luis Urraca Casal-


El encanto de una brillante comedia para comenzar el año

[Este artículo está protegido por derechos de autor. Ver detalles al final del mismo] Hubo un tiempo en que los Estudios Ealing británicos nos regalaban sencillas y entrañables comedias, no exentas en muchos casos de cierta crítica a la sociedad de su tiempo, realmente memorables. Protagonizada por Jessica Biel, Kristin Scott Thomas, Colin Firth y Ben Barnes, Una familia con clase es un auténtico regalo de Reyes en nuestras pantallas de cine, un reparto del todo acertado dentro de una tragicomedia romántica sencillamente brillante y coqueta que recomendamos para comenzar bien cinematográficamente el año. [Este artículo está protegido por derechos de autor. Ver detalles al final del mismo]
.
Reseña de estreno.- Easy Virtue, cuya correcta traducción al castellano sería “moral distraída” y que ha sido rebautizada sin embargo con el título de Una familia con clase, está basada en la obra teatral de Noel Coward, de la que existe una primera adaptación del año 1928 llevada a cabo por el mismísimo Alfred Hitchcook. Su acción nos traslada a los felices años 20 del siglo XX, tiempo después de finalizar la I Guerra Mundial, una atmósfera que tiene casi como único escenario la mansión de los Whittaker, una vieja familia terrateniente de la Inglaterra pudiente.

La ambientación de la película dirigida por el australiano Stephan Elliot (Las aventuras de Priscila, reina del desierto) es especialmente lograda, tanto en las estancias interiores de la casa, como en los deliciosos campos que la rodean, en los vestuarios elegidos así como la música que casi de manera constante acompaña el desarrollo de la acción, todo un repertorio de viejas canciones de la época (incluidas algunas actuales como Sex Bomb versionadas al estilo de los Veinte) entre las que destaca You Are The Top, el gran éxito de Cole Porter que también sonaba en Muerte bajo el sol, la adaptación cinematográfica de la obra de Agatha Christie. Sus letras “You are the Nile, You are the Tower of Pisa, You are the smile on the Mona Lisa…” encajan a la perfección con el personaje interpretado por Jessica Biel. Con un ritmo muy vivo y un manejo de la cámara dinámico y desacostumbrado en las películas de época, también reflejo de la irrupción de la protagonista.
.
Pocas veces se ha podido ver (quien escribe ninguna) tan sumamente radiante a la actriz Jessica Biel, con su ondulado cabello platino y espíritu libre e independiente, sobre el que sustenta en buena parte y en torno al cual gira la película, Haciendo gala de una notable bis cómica. Kristin Scott Thomas, un tanto avejentada la ofrece acertada réplica en un duelo interpretativo sumamente interesante, componiendo a la perfección el personaje de esa madre que vela con todas sus buenas y malas artes por la familia como un todo inalterable que se perpetúa en el tiempo.

La belleza de una mujer libre e inteligente

Ver a una mujer como Larita (Jessica Biel) al inicio de la película compitiendo en una carrera de bólidos en Montecarlo nos anuncia bien claramente que nos encontramos ante a una fémina completamente diferente a las de su tiempo, un espíritu libre, inteligente e indómito, que gusta experimentar de la velocidad y las sensaciones al máximo. Bella y sofisticada, el enlace de esta joven norteamericana con el hijo de una acomodada familia rural de Inglaterra, en quien encuentra la vitalidad de la juventud, hará que entre de lleno en un mundo de apariencias y moral muy diferente a su estilo de vivir la vida, lo cual advertimos desde el mismo instante en que al llegar a la mansión, se apea del asiento del conductor del automóvil para dejarle el lugar a su marido.
.
El reparto elegido es sumamente acertado si tenemos en cuenta, que además de sus excelentes interpretaciones, sumamos al atractivo de la belleza de Jessica Biel la aparición de un joven en alza a nivel internacional y con el gancho tras su aparición como el príncipe Caspian en la segunda entrega de Las Crónicas de Narnia como Ben Barnes, a quien muy pronto veremos de nuevo en compañía de Colin Firth en una nueva adaptación de El retrato de Dorian Gray. Su composición como el alegre, jovial y distinguido hijo de una rica familia aporta aire fresco e inocente. Mientras que las intervenciones de Kristin Scott Thomas (por quien pasan los años desde su interpretación en El paciente inglés para deleite de verla actuar como lo hace en este film) y Colin Firth (este último en un papel de amable y consumado galán que le va al pelo) aportan el mejor aplomo de lo que es capaz el talento interpretativo británico.

La película nos muestra cómo Larita sacude con su glamour y vitalidad el pequeño microcosmos de los Whitakker y su entorno, fascinando a quienes la rodean al tiempo que hipócritamente la rechazan.

Enlaces relacionados en Un Mundo de Cine

· Regreso a Brideshead
· La última primavera
· Expiación, más allá de la pasión (Atonement)
· Sigue ahora Un Mundo de Cine a través de Facebook, twitter o por mail

Ver el trailer de la película:



*Los redactores de Un Mundo de Cine informan de que esta página está bajo licencia de Creative Commons. La cita de partes de este artículo debe hacer constar: 1º) Autor: José Luis Urraca Casal, 2º) Fuente: www.unmundodecine.com, y 3º) incluir un enlace al artículo original. La reproducción total está PROHIBIDA y requiere autorización.