Amanecer Rojo, Película, (Red Dawn) 1984

Amanecer Rojo

(Red Dawn. USA, 1984)

-Autor: José Luis Urraca Casal*-

Jóvenes rebeldes contra la ocupación soviética

[Este artículo está protegido por derechos de autor. Ver detalles al final del mismo] Situémonos en Estados Unidos al comienzo de la era Reagan (1981-1989), pensemos en la contundente política para combatir el comunismo desplegada por su administración y la reafirmación patriótica de un país que había visto como síntoma propio de debilidad la expansión del área de influencia soviética a finales de los años 70, continuación de la derrota en Vietnam. Llevemos esta amenaza a la máxima expresión cinematográfica en forma de invasión y coloquémosla en suelo patrio norteamericano. Y a fin de conectar con la juventud, convirtamos en protagonistas de la historia y héroes de la resistencia al invasor, a un grupo de estudiantes de una pequeña ciudad del interior del país, interpretados por jóvenes promesas en el mundo del cine. El resultado no es otro que una película bélica y de acción protagonizada por adolescentes como Amanecer Rojo, dirigida por John Millius en 1984, y de la que este año veremos un nuevo remake.
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El cine puede ser una valiosa herramienta al servicio del poder político, de una determinada idiosincrasia o ideales, o reflejo de los mismos. La saga de John Rambo no es casualidad que se desarrolle en los años 80 y que el héroe se convierta en importante icono de la década que cautiva y deslumbra a los más jóvenes, ni que acabe viajando del “Vietnam norteamericano” al “Vietnam soviético” en Afganistán, devolviendo la derrota a los comunistas.
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En la misma línea de las películas cuyo baluarte es Rambo, sobresale entre otras muchas Amanecer Rojo, la cual enlaza con el cine apocalíptico de los 80 y destaca tanto por los medios utilizados, como por quienes se involucraron en el proyecto, y hoy día por sus jóvenes actores protagonistas entre los que cabe destacar Patrick Swayze (Ghost), Jennifer Gray (Dirty dancing), C. Thomas Howell (E.T.), Lea Thompson (Regreso al futuro) o Charlie Sheen (Platoon).
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Si no fuera por la maniquea carga ideológica imprimida a toda la historia, no estaríamos ante un mal film, de hecho podría catalogarse, más que de acción, dentro del género apocalíptico. Las escenas de acción en sí resultan notables, aunque un tanto débiles en cuanto a la facilidad de su planteamiento para los wolverines (el grupo de jóvenes rebeldes), pero no es algo que desentone dentro de muchas de las películas de acción y del género similares donde los malos caen como moscas.
Autor: José Luis Urraca Casal. Licenciado en Historia.
Resulta pues entretenido, y su trama va haciéndose más densa a medida que el agotamiento mental de los protagonistas va conociendo la dureza de la guerra. Aunque conviene no olvidar, que en su día alentó el miedo a la amenaza soviética del que nutre principalmente la Guerra Fría y su objetivo fue contribuir al gasto de defensa y la precaución, sembrando el miedo frente a la potencia enemiga.

John Millius: De Apocalipsis Now a un rojo amanecer
Autor: José Luis Urraca Casal. Licenciado en Historia.
El director John Millius dos años antes había dirigido Conan el Bárbaro logrando un gran éxito en la adaptación del mítico personaje del cómic a la gran pantalla y creando una sólida película de aventuras épicas en un mundo de fantasía. Millius fue partícipe en los 70 del guión de Harry el sucio, aunque su mejor obra en éste sentido es considerada El viento y el león (1975), protagonizada por Sean Connery, de la cual también es director, facetas que combina en un buen número de sus películas. Es artífice también del guión en 1979 de Apocalipsis Now (por el que ha obtenido su única nominación al Oscar) tras adaptar el “Corazón entre tinieblas” de Joseph Conrad, en su opinión edulcorado finalmente en su realización, con un marcado tono antibelicista del que carecía la obra original. Ese mismo año escribe otra historia de invasión de los Estados Unidos (como Amanecer Rojo), ésta en clave de humor, 1941 (Steven Spielberg, 1979), que sin embargo llegaba a ridiculizar algunos valores ultranacionalistas patrios.
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En 1982 lleva a cabo Amanecer Rojo (Red Dawn) como director y también participando del guión junto a Kevin Reynolds (Rapa Nui, 1994 o Waterworld, 1995) donde da rienda suelta a un patriotismo exacerbado carente de toda autocrítica, si bien inmerso en el neoconservadurismo y pleno rearme moral y militar de los Estados Unidos frente a la URSS tras una década, la de los setenta, sembrada de fracasos geopolíticos aderezados por la crisis económica. Producida por la United Artists, su productor Buzz Feitshans sería el responsable también de las tres primeras películas de la saga Rambo o Desafío Total (1990) y de la propia Conan el bárbaro. Asimismo cuenta con el músico que había acompañado a Millius en Conan, Basil Poledouris. Sin embargo con Amanecer Rojo, la épica de Millius, como la de la obra de Reynolds Waterworld, carecerán de la acogida que el público y la crítica brindó a sus anteriores trabajos y tras años de títulos que pasan casi desapercibidos, permanece casi una década alejado de las producciones hasta ser recientemente uno de los creadores, guionistas y productores de la exitosa serie Roma de la HBO.

Un reparto de incipientes estrellas
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Una de las características que más singular hacen a ésta película con claro mensaje patriótico y anticomunista de la época es su reparto, formado por jóvenes estrellas luchando por abrirse camino al comienzo de sus carreras y sobre las que descansa todo el protagonismo y el peso de la lucha contra los soviéticos y sus aliados.
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Un año antes de rodar la serie de televisión que le catapultó a la fama (Norte y Sur, 1984) y tan sólo un año después de rodar Rebeldes a las órdenes de Francis Ford Coppola, Patrick Swayze aceptó el papel protagonista de esta película en la que encarnaba al mayor de un grupo de jóvenes del que se convertía en líder, en su lucha contra los invasores de Estados Unidos. Era la tercera ocasión en la que compartía reparto con otro de los jóvenes protagonistas de Rebeldes, C. Thomas Howell también en los comienzos de su carrera en el cine, iniciada con E.T. El Extraterrestre en 1982. Su personaje en Red Dawn experimenta la ira de haber perdido a su familia y es el más motivado por el deseo de venganza a la hora de actuar, bastante convincente en su paulatino enrudecimiento.
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Lo más llamativo sin embargo es que Charlie Sheen debutó en la gran pantalla con esta película, haciendo de hermano de Patrick Swayze a quien unido por los lazos familiares, secunda en todo momento. En el lado femenino encontramos a dos actrices hoy un tanto olvidadas, pero en su día jóvenes promesas que tuvieron su momento de gloria. En el caso de Lea Thompson protagonizaría justo al año siguiente, junto a Michael J. Fox, uno de los mayores éxitos de la década, la primera entrega de Regreso al futuro (1985). Y Jennifer Gray volvería a compartir cartel con Patrick Swayze al ritmo de otro de los títulos de la década, Dirty Dancing (1987). En Amanecer Rojo, ambas son las chicas que forman el grupo de guerrilleros. El reparto se completa con actores como un ya entrado en años Ben Johnson (Grupo Salvaje) o Harry Dean Stanton.

Soviéticos y cubanos invadiendo los Estados Unidos
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El comienzo de la película no nos sitúa en ningún momento exacto de la historia, pero claramente estamos en una situación que se nos presenta en plena década de los 80, a modo de film apocalíptico que nos adelanta lo que bien pudiera suceder a raíz de algunos hechos reales cuyo desarrollo aquí se elevan a la máxima potencia. A través de rótulos se nos hace una composición de lugar. Primero haciendo referencia al auge del comunismo: La URSS lleva a cabo una dura represión en Polonia, Cuba y Nicaragua han formado un ejército de medio millón de soldados, en México (el vecino de la frontera sur) ha estallado la revolución (naturalmente se entiende que comunista) y también han caído bajo la órbita soviética El Salvador y Honduras. Por otro lado se apunta a la debilidad del mundo occidental, así en Alemania el partido verde se ha hecho con el poder y exige la retirada de las armas nucleares, la OTAN se ha disuelto y Estados Unidos se ha quedado sólo.
Autor: José Luis Urraca Casal. Licenciado en Historia.
A estos datos, ya adentrada la película, se añadirán otros que explican la situación avanzada una guerra en la que sólo Gran Bretaña sigue siendo aliada, mientras que Europa ha dado la espalda a Estados Unidos cansada tras dos guerras mundiales y donde sólo China, tras haber sufrido el ataque nuclear de la URSS combate del lado norteamericano.
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Tras los rótulos que nos ponen en situación, las primeras imágenes nos trasladan a los bellos y verdes parajes de las montañas rocosas y seguidamente frente al monumento al jinete voluntario en las calles de la ciudad, donde reza la siguiente leyenda con palabras del presidente Theodore Roosevelt, principal promotor de la creación de parques nacionales a comienzos del siglo XX, “Más vale atreverse a realizar hazañas impensables que quedarse entre los pobres de espíritu que no conocen ni la victoria ni la derrota” muy revelador del espíritu que va a guiar a los jóvenes protagonistas a lo largo de la película. La elección aquí de Roosevelt tampoco es casual, en él y su nacionalismo norteamericano había basado gran parte de la película El viento y el león en 1975 el propio Millius.
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El día va levantando y a continuación nos adentramos en la clase de historia de un instituto sobre las tácticas guerreras de los mongoles, lo cual también nos habla de su barbarie y sirve de preludio a la furia y la duración (días, semanas o incluso meses) que puede alcanzar y desatar la guerra (matanza) y cómo estos arrasaban con toda la población hasta que sólo quedaba el último. Nada hasta el momento hace presagiar que será en ese momento cuando lo que se estudia como historia se vuelve realidad con el aterrizaje de paracaidistas en las mediaciones del instituto que sorpresivamente empiezan a disparar sobre el profesor y los alumnos indiscriminadamente. Las siguientes imágenes de la fuga de los protagonistas a través de la ciudad nos permiten ver el despliegue de unidades que parecen ser extranjeras (hablan español y los tanques no son norteamericanos) y la matanza de los habitantes de la ciudad. Pronto sabremos que los invasores son tropas soviéticas y cubanas, que junto a nicaragüenses y mexicanos han invadido el país.
Autor: José Luis Urraca Casal. Licenciado en Historia.
[Atención: a partir de aquí el comentario revela detalles importantes de la trama]

Pérdida de la inocencia y rebelión contra la opresión comunista
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Un grupo de seis jóvenes liderados por Jed Eckert (Patrick Swayze) huirán del cerco enemigo y tras los brutales sucesos iniciales que les provocan sentimientos dispares y gran desconcierto, verán su adolescencia interrumpida por la invasión, que a medida que transcurren los meses, termina por endurecer sus corazones y convertirlos en aguerridos soldados en mitad de un terreno hostil como son las Montañas Rocosas desde donde lanzan continuos ataques a modo de guerrilla sobre el ejército invasor. El dramatismo irá tomando fuerza frente a la épica a medida que avanza el metraje así como la opresión que la guerra ejerce sobre los personajes conduciéndoles a un paulatino desaliento que sin embargo no logra doblegar su espíritu de lucha y entrega.
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De esta guerra que afecta a los Estados Unidos sólo asistiremos a los combates y acciones guerrilleras que presencian los protagonistas en torno a una pequeña ciudad de Colorado junto a las Montañas Rocosas.

Lucha sin tregua contra un enemigo implacable
Autor: José Luis Urraca Casal. Licenciado en Historia.
A través de diversos episodios vamos asistiendo a las atrocidades del ejército rojo sobre la población civil, sus represalias tras las acciones de los “volwerines”, nombre con el que comienzan a ser conocidos el grupo de jóvenes rebeldes.
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Las armas también tienen un papel importante en la película (Millius es miembro de la Asociación Nacional del Rifle) pues sólo con ellas pueden defenderse los civiles de una invasión como la presente, y la leyenda de la placa a modo de matrícula que vemos en un coche nos hace recordar algo que ya hemos escuchado otras veces “tendrán mi arma cuando me la arranquen de mis dedos”. Precisamente el oficial cubano, una de las primeras órdenes que le vemos dar es la de arrestar a todos los que estén registrados con posesión de armas, pues se supone que son los que más resistencia pueden ofrecer al nuevo régimen. En otras palabras, la posesión de armas es vital para la defensa de la libertad de los Estados Unidos.
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Aparte de la mención ya hecha al papel de las armas, en la película los mensajes son muy variados, incluyendo el dirigido a la inmigración, pues se hace referencia a que los ilegales se han infiltrado desde México y posteriormente han actuado como quinta columna de la invasión, sembrando el caos y abriendo el paso a los ejércitos cubano y nicaragüense.
Autor: José Luis Urraca Casal. Licenciado en Historia.
La pérdida de los más querido, sus familiares o la situación que viven los arrestados en campos de concentración donde son aleccionados con la nueva doctrina, hace ver al grupo de jóvenes rebeldes qué es lo que les espera, tal y como les enseñaba el maestro al principio de la clase sobre los mongoles, aniquilación. Y lo que les empuja a no desfallecer o titubear con contemplaciones en su lucha contra el enemigo.
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En este sentido se ofrece una visión claramente reduccionista del enemigo, cruel y opresor, imagen de la que únicamente se salva el oficial cubano, quien realiza un camino hacia la reflexión que concluye haciéndole ver que han terminado convirtiendo a la población civil y los jóvenes guerrilleros norteamericanos en lo que él mismo fue y defendió una vez en Cuba. Deja a si pues a los soviéticos como verdaderos corruptores de la libertad y a quienes se dejan arrastrar por su falso mensaje en instrumentos al servicio de la opresión comunista.
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Autor: José Luis Urraca Casal. Licenciado en Historia por la Universidad de Cantabria. Para www.unmundodecine.com

Otros enlaces relacionados:

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· La Guerra de Charlie Wilson (Guerra Fría)
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A continuación puede verse el tráiler de Amanecer Rojo:

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Los Santos Inocentes (Película, Mario Camus)

Los Santos Inocentes

(Id. España. Mario Camus, 1984)

-Autor: José Felipe Díez Rioz-

Milana bonita

[Este artículo está protegido por derechos de autor. Ver detalles al final del mismo] El pasado día 12 de marzo fallecía el periodista y escritor vallisoletano Miguel Delibes, uno de los gigantes de la literatura española, y también universal, del pasado siglo XX. Sus novelas, dotadas de una potencia y calidad extraordinaria, llamaron la atención del mundo del cine siendo, numerosas las que han sido trasladas a la gran pantalla. En recuerdo de Miguel Delibes, nos detenemos hoy en la que es, posiblemente, la adaptación más brillante de una de sus novelas al celuloide, se trata de la versión de “Los Santos Inocentes” que realizó Mario Camus en 1984, logrando filmar una de las grandes obras maestras de la historia del cine español.
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Cuando uno piensa en cómo titular un comentario sobre “Los Santos Inocentes” intenta evitar, en pos de la originalidad, el obvio de “Milana bonita” pero se encuentra con que se trata de una tarea imposible. Pocas veces dos palabras han identificado tanto una película, la expresión con que Azarías, el personaje interpretado por Paco Rabal, llama a su pájaro se repite a lo largo de toda la película, algo que el propio Delibes pidió a Mario Camus, resultando emocionante la voz y el tono que imprime Paco Rabal al pronunciar estas palabras.

“Los Santos Inocentes” nos traslada a la España rural de los años 60, en un gran latifundio extremeño, cerca de la frontera con Portugal, vive la familia de Paco el bajo: Régula, su mujer, Azarías, su cuñado y sus hijos Quince, Nieves y la niña chica. Tanto Azarías como la niña chica son discapacitados, tanto físicos como sensoriales. Son los sirvientes de la familia propietaria de la tierra, marcados por la pobreza y la incultura, viviendo en un ambiente mísero, duro, gris, sin esperanza, de sometimiento cercano a la esclavitud. Frente a ellos, la familia rica: la señora marquesa, hierática e inmóvil pensando en que nada vaya a cambiar, su hija Miriam, el señorito Iván, déspota y cruel, y el administrador de la finca D. Pedro y su esposa Doña Purita, ejemplo de doble moral.

El desarrollo de la vida de estos personajes sobre el paisaje extremeño permiten a Miguel Delibes mostrar alguna de las características más destacadas de su obra: la solidez en la creación de los personajes, la intensidad de las historias, la humanidad de los personajes, un lenguaje riquísimo y diferenciado según la clase social, el lenguaje obtenido de las tradiciones populares y un enorme respeto por la naturaleza.
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Mario Camus, respetando al máximo el espíritu de la novela. filma la película en una estructura circular y empleando el flash back. Tras la presentación inicial de la familia de Paco, la primera escena es la llegada de Quince en tren a la estación de Zafra (Extremadura), está cumpliendo el servicio militar y tiene unos días de permiso para ver a sus padres y a su hermana. Ahí comenzamos a ver el talento de Mario Camus que nos contará una historia trágica y dura, pero la inicia con la esperanza y el cambio que supone la segunda generación, una generación que ya no quiere vivir como sus padres, una clara metáfora de la luz que comienza a vislumbrarse en una España negra; la última escena tiene el mismo protagonista y la misma esperanza: Quince sale de un sanatorio y camina hacia un nuevo rumbo mientras una bandada de pájaros recorre el cielo.

Tanto la novela como la película desarrollan varios temas: el sentido de la propiedad, los diferentes modos de vida, lo rural en contraposición a lo urbano, el sometimiento aceptado, las diferencias sociales y las barreras que impiden superarlas, la educación, la religión y el cambio generacional.

Un drama rural intenso, conmovedor, con unos personajes notables y una historia que vista hoy día, conserva la fuerza que la convirtió en un éxito de crítica y público en los años ochenta.

El grito de la niña chica

La niña chica es el personaje de la película que más desasosiego produce, su presencia silenciosa, sombría, oscura, otra desgracia en la familia de los olvidados, sus gritos son los gritos que al final lanzan los más débiles contra la injusticia y la mala suerte.
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Decía Miguel Delibes en 1985 que la situación de sumisión e injusticia que el libro plantea, propia de los años 60, y la subsiguiente “rebelión de los inocentes” ha inducido a algunos a atribuir a la novela una motivación política, cosa que no es cierta. No hay política en este libro. Sucede, simplemente, que este problema de vasallaje y entrega resignada de los humildes subleva tanto, por no decir más, a una conciencia cristiana como a un militante marxista. Afortunadamente, estas reminiscencias feudales van, poco a poco quedando atrás en nuestra historia.

El paisaje

Según Delibes toda novela debe contener tres elementos: una persona, un paisaje y una pasión. Desde luego, su pasión por la naturaleza aparece tanto en “Los Santos Inocentes” como en el resto de su obra: sus queridos campos de Castilla, el amor por los animales y por el arte de la caza.

La novela se inicia con una dedicatoria “A la memoria de mi amigo Félix Rodríguez de la Fuente”, el documentalista español pionero en la defensa y la divulgación de la naturaleza, del que el pasado 14 de marzo se cumplieron 30 años de su fallecimiento. Ya en el año 1975 en su discurso de ingreso en la Real Academia de la Lengua Miguel Delibes alertó sobre las consecuencias para las generaciones futuras del deterioro del medio ambiente.
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“Los Santos Inocentes” está rodada en su mayor parte en exteriores, en los campos de una Extremadura mucho más verde de lo habitual debido a una temporada de lluvias muy copiosas. La fotografía de Hans Burman capta perfectamente este paisaje y el diferente uso que hacen de él las dos clases sociales.

El cariño por los animales aparece reflejado en la relación de Azarias con la milana. Su primer pájaro está enfermo, en la secuencia Azarias aparece frente a la jaula observando el pájaro, triste y sin saber que hacer, en este momento dos lágrimas recorren su rostro (espléndido Paco Rabal, una vez más), finalmente el pájaro muere y le organiza el entierro “a hacer el entierro, que yo digo”. El entendimiento de Azarias con los pájaros es muy superior al que tiene con las personas.

Actores bordeando la perfección

El festival de Cannes no fue justo con el cine español ni en 1983 ni en 1984 escamoteando lo que debieran de haber sido dos Palmas de Oro a películas de la talla de “El Sur” (1983) de Victor Erice y “Los Santos Inocentes” (1984), sin embargo en este último caso, el festival si premió el trabajo de los dos actores principales Paco Rabal y Alfredo Landa, concediéndoles el galardón, ex aequo, a la mejor interpretación. Aún así, esto tampoco es demasiado justo, puesto que en “Los Santos Inocentes” todo el reparto brilla a una gran altura, demostrando el nivel que pueden alcanzar los actores españoles cuando cuentan con buenos personajes y grandes historias.
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Paco Rabal interpreta a Azarías, encontrando el papel de su vida, un tipo personaje con el que todos los actores sueñan, algo parecido a lo que le ha sucedido a Luis Tosar con su personaje en “Celda 211”, y hay que decir que Rabal lo borda: las expresiones de su cara, su forma de hablar, su forma de andar y correr que podemos ver en el arranque de la película y su ataque de ira final, un personaje memorable. Al lado de Paco Rabal, Alfredo Landa un actor clásico del cine español de comedia ligera que dio lugar a un género denominado “landismo”; afortunadamente, José Luis Garci lo rescató para el cine dramático en las espléndidas películas “El crack” y “El crack 2”; en “Los Santos Inocentes” es Paco el bajo, el personaje sumiso a las ordenes de su amo, un personaje sencillo y bondadoso, inolvidables las secuencias olfateando el suelo o su mirada cuando su hijo se va. El propio Delibes le comentó a Alfredo Landa que él era Paco el bajo.

Además de ellos, Terele Pávez, en el mejor papel de su carrera, como Régula, la esposa de Paco, una mujer sumisa y obediente a las órdenes de sus amos, “A mandar, D. Pedro, para eso estamos” repite varias veces en la película, el sufrimiento se refleja en su rostro endurecido por la vida. El impresionante Juan Diego nos vuelve a deleitar con su interpretación de Iván, el prototipo del señorito de la época: déspota, ambicioso y cruel, el trabajo de Juan Diego es tan bueno que el personaje resulta tan odioso para el espectador que en muchos cines de la época se producía una gran ovación con el desenlace final de la película.

Completando el reparto Agustín González como Don Pedro, Mary Carrillo en el papel de la señora marquesa, un corto papel a su medida, Agata Lys, Maribel Martín y los jóvenes Belén Ballesteros (Nieves) y Juan Sánchez (Quince) en su único papel en el cine.

Cambio generacional: la España rural de los años 60
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“Los Santos Inocentes” es un duro retrato de la España rural de los años 60, las generaciones que aparecen, tanto de los representantes del estamento social más desfavorecido como de la clase dominante, resultan herederos de la Guerra Civil que asoló el país desde 1936 a 1939, seguida de una durísima posguerra marcada por el hambre, la incultura y el analfabetismo de una clase social absolutamente sometida a la clase más favorecida representada por la familia de la señora marquesa con el señor obispo apareciendo de una manera solapada.

El aislamiento de España tras la contienda civil y la imposibilidad de avanzar mediante la autarquía al mismo ritmo económico que los países vencedores de la II Guerra Mundial colocaron el país en una situación muy difícil.

Hemos de esperar hasta los años 60 para vislumbrar alguna luz de salida de este negro túnel con el desarrollismo económico que mejoró de manera notable, aunque desigual, el nivel de vida de la población española creando una clase media hasta entonces casi inexistente. Pero habría que esperar hasta el fallecimiento del general Franco en 1975 para la llegada de la democracia y las libertades a España.

En la película se describe el cambio generacional representado por los hijos de Paco: Quince y Nieves, ambos no quieren continuar con la servidumbre de sus padres. Quince lo demuestra rechazando la propina que le quiere dar el señorito Iván y se marcha a buscar trabajo de mecánico en Madrid; en cuanto a Nieves, es lista, quiere estudiar y no pasar las mismas circunstancias de sus padres, a pregunta de su hermano de la razón por la que dejó el trabajo en la casa contesta “Prefiero la fábrica antes que quitarle la mierda a los demás”. El cambio generacional se ha producido.

Delibes y el cine: una fructífera relación

A Miguel Delibes siempre le gustó el cine. Nombrado director del periódico “El norte de Castilla”, una de sus primeras decisiones es crear un cine club e inaugurarlo, ni más ni menos, que con “Ciudadano Kane” de Orson Welles, además Delibes participó en el doblaje de “Doctor Zhivago” la película de David Lean rodada, en parte, en la provincia de Soria. Su colaboración con el cine continuó firmando los guiones de los documentales “Tierras de Valladolid” (1966) de César Ardavín y “Valladolid y Castilla” de Adolfo Dofour.
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Dado el nivel de las novelas de Delibes era lógico que fuesen adaptadas al cine. Ya desde los años 60 se inicia la adaptación de sus obras, comenzando en 1963 con “El camino” dirigida por Ana Mariscal con Julia Caba Alba al frente del reparto. Pero es en los años 70 y 80, cuando se produce la avalancha de adaptaciones de las obras de Delibes, fundamentalmente de la mano del director Antonio Giménez Rico que ha llevado al cine tres de sus obras: “Mi idolatrado hijo Sisí” titulada en el cine “Retrato de familia” (1976) con un, por entonces semidesconocido, Miguel Bosé, “El disputado voto del señor Cayo” (1986), reflejando magistralmente los primeros años de democracia en las zonas rurales con la interpretación de Paco Rabal junto a Juan Luis Galiardo y “Las ratas” en 1998. Otros directores que han realizado adaptaciones de las obras de Delibes son: Antonio Mercero que en 1977 obtiene un gran éxito de taquilla con “La guerra de papá” basada en la novela “El príncipe destronado”, Josefina Molina que adaptó una de las grandes novelas “Cinco horas con Mario” protagonizada por Lola Herrera, o Luis Alcoriza, el guionista de Luis Buñuel, que llevó al cine la primera novela de Delibes “La sombra del ciprés es alargada”. Hasta el momento la última adaptación es la realizada por Frances Betriú en 1998 “Una pareja perfecta”, basada en la novela “Diario de un jubilado”. Esperamos con impaciencia que cuaje el proyecto capitaneado por José Luis Cuerda de llevar al cine la última novela de Delibes “El hereje”

Siendo “Los santos inocentes” la adaptación más brillante de las novelas de Delibes, recomendamos la revisión de los buenos filmes que hemos citado puesto que encontraremos excelentes historias con el universo particular de Miguel Delibes.

De la novela al cine pasando por Mario Camus

Mario Camus nacido en Santander (Cantabria) en 1935 es uno de los más brillantes directores del cine español que va desde los años 60 hasta la actualidad. Formado en la Escuela Oficial de Cine forma parte de una generación de cineastas integrada por directores como Carlos Saura, Manuel Gutiérrez Aragón, José Luis Borau o Basilio Martín Patiño, que se propuso modernizar el cine español.
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Durante su carrera ha abordado numerosos géneros realizando una amplia gama de películas, desde las más comerciales hasta las más personales. Es previsible que en otra ocasión podamos analizar más detenidamente el universo fílmico de Mario Camus. Hoy, únicamente nos referiremos a su maestría en la adaptación de grandes obras de la literatura al cine. Camus ha sido capaz de adaptar de una manera notable a los más grandes escritores: Camilo José Cela, Federico García Lorca, Benito Pérez Galdós, Ignacio Aldecoa, Calderón de la Barca, Lope de Vega y, naturalmente, Miguel Delibes. Sus adaptaciones, sin renunciar a su óptica personal, respetan fielmente el espíritu y las intenciones de los novelistas. El propio Mario Camus comenta que la literatura y el cine son los dos grandes motores que han impulsado su vida.

La inocencia

Define el Diccionario de la Lengua Española de la Real Academia de la Lengua la inocencia como un estado del alma limpia de culpa, también como el candor o la sencillez. Una virtud, hoy casi reservada a la infancia, que es necesario reivindicar en un mundo moderno que únicamente admira al listo y al pícaro.

Azarías y la niña chica son inocentes, los santos inocentes. La relación entre ambos ofrece los momentos más emotivos tanto de la novela como de la película. Régula le entrega la niña chica a Azarías diciéndole “toma duérmela que ella es la única que te comprende”. Azarías la toma con sus dedos nerviosos, la acomodó en su regazo, le sujeta la cabeza y comienza a rascarle suavemente en el entrecejo mientras le dice “milana bonita” tal como llama a su pájaro

Miguel Delibes se ha ido, pero allá donde esté continuará inventando maravillosas historias, mientras que nosotros le recordaremos cada vez que leamos uno de sus libros o veamos una adaptación de sus novelas en la gran pantalla.

Otros títulos recomendados en Un Mundo de Cine:

· El Sur (Víctor Erice, 1983)
· You´re the one (José Luis Garci, 2000)
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A continuación puede verse el inicio de Los Santos Inocentes:

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10 razones para odiarte (Serie de la ABC)

Diez razones para odiarte

(10 things I hate about you. USA, Serie de TV, 2009)

-Autor: José Luis Urraca Casal-

Un remake hecho serie para disfrutar a fondo con su humor

[Este artículo está protegido por derechos de autor. Ver detalles al final del mismo] La ABC ha rescatado para la pantalla en forma de serie un film ya mítico entre la juventud como fue 10 razones para odiarte (1999) y en Un Mundo de Cine queremos hacernos eco de ello, pues lejos de realizar un descafeinado remake con sabor a copia, la nueva serie mantiene elementos esenciales de la historia original añadiendo un toque genuino y refrescante de humor capaz de enganchar a la audiencia. La primera temporada de la serie, que ya ha sido editada en DVD, cuenta con unos interesantes personajes, perfectamente dibujados y mejor aún interpretados (el casting de actores ha sido todo un acierto) que hacen que cada uno de los capítulos de la serie, junto con la ayuda de sus divertidas peripecias e ingeniosos diálogos, discurra con suma gracia y fluidez para disfrute del espectador.
[Autor del artículo: José Luis Urraca Casal. Licenciado en Historia]
Todos (o casi todos) recordamos a Julia Stiles y al desaparecido Heath Ledger interpretando a Cat Stratford y Patrick Verona, y sobretodo escenas memorables, hoy más si cabe, como la romántica declaración de amor que Ledger realizaba a su chica al ritmo de la canción “Can´t take my eyes off you” en el estadio del Instituto. Prototipo de película para adolescentes de la época, 10 razones para odiarte (1999) -de la que puede verse un artículo en Un Mundo de Cine- puso en su día el listón muy alto, y el anuncio de su conversión en una serie por la cadena norteamericana ABC el pasado año, hizo recibir la noticia con expectación y cautela.
[Este artículo es una creación original y está protegido por derechos de autor]
Sin embargo y dentro de las coordenadas de la cadena ABC family (con una programación pensada para toda la familia, y por consiguiente para todos los públicos), los guionistas Barry Safchik y Michael Platt han logrado desde un principio convencer a la audiencia, con una trama que conservando la parte romántica ha sabido potenciar con auténtico acierto, el humor y la comicidad. Emitida en Estados Unidos durante el verano de 2009, la nueva serie, que en su primera temporada ha constado de 10 episodios que no llegan a la media hora de duración, ya ha sido editada en DVD. El éxito que le ha acompañado le ha valido una segunda temporada –que se estrenará el 29 de marzo- y mientras los actores se encuentren disponibles, se le puede augurar un futuro aún más longevo.
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Los celos de un padre con dos hijas adolescentes
[Autor del artículo: José Luis Urraca Casal. Licenciado en Historia]
Un padre llega desde Ohio junto a sus dos hijas a la localidad de Padua (San Diego) en la costa californiana, y se instalan en la típica casa norteamericana de dos plantas con jardín. El señor Stratford, ginecólogo de profesión, se caracteriza por ser un hombre extremadamente celoso –más allá de la normal preocupación de todos los padres- respecto al comportamiento y la vida de sus hijas Bianca y Kat, máxime en lo que se refiere a sus relaciones con chicos. Ellas acuden a su nuevo Instituto, donde conocerán e interactuarán con otros estudiantes -incluidos aquellos que sus padres tanto teme- habiendo de relacionarse, aprender a ser ellas mismas o experimentar los dardos de cupido.
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Los diálogos protagonizados por el padre de Kat y Bianca con sus hijas y con sus posibles pretendientes o la tensión sexual y el duelo personal entre Kat y Patrick Verona (un joven del Instituto) son algunos de los elementos más sobresalientes de la serie. Aunque no los únicos, pues existen otros personajes muy bien dibujados y capaces de crear situaciones igualmente llamativas y graciosas, caso de Bianca y Cameron (otro estudiante), o según avanza la serie, Joey, el quarterback del equipo.

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En 10 razones para odiarte está muy presente el tema de la popularidad –recurrente también en Glee, no tanto en el sentido de necesidad de aceptación por el grupo, que también, sino de brillar, destacar y ser admirado por el resto de estudiantes del Instituto. En este sentido Bianca es un ejemplo claro de chica preocupada por ello y el personaje de la líder de las animadoras, Chastity, representa la posición social que desearía tener. Aunque la serie ridiculiza hábilmente toda esta preocupación con gran ingenio.
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Nuestro repaso a unos personajes muy bien caracterizados
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Kat es una joven estudiante con cara de pocos amigos, mujer autosuficiente y feminista, defensora de las grandes causas y persona de férreos principios. Nadie diría que es una joven adolescente, pues parece haber dejado atrás, si es que alguna vez las conoció, las cosas mundanas –se supone que se hizo adulta antes de tiempo por la ausencia de su madre-. Y es que odia lo propio de su edad (fiestas, bailes, desenfrenos…) y sobretodo… evita a los chicos, o más bien les hace huir. Este comportamiento goza de la mayor satisfacción de su padre, quien ha de preocuparse menos de Cat a una edad en la que las hormonas adolescentes andan desenfrenadas. Y sin embargo todo ello la hace alejarse y distanciarse de las preocupaciones de su hermana Bianca, y a veces no llegar a comprender la necesidad que tiene de ella. Lindsey Shaw protagonista de series como Aliens in America es su intérprete.
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Interpretado por Meaghan Jette Martin (Camp Rock), el personaje de Bianca Straford se erige como uno de los principales pilares de la serie. Ella es la más díscola e ingenua de las dos hermanas Straford, cautivada por el sueño de ser popular a su llegada al nuevo Instituto Padua. Y la actitud de su hermana Cat no la ayuda en nada a conseguirlo, pues es el ser menos preocupado por la popularidad, hasta tal punto que ni sale ni tiene novio. La actriz Meaghan Martin es idónea para el papel interpretando a una chica que desea asistir a todas las fiestas y que ha de convencer a su hermana para que también lo haga porque de lo contrario no conseguiría el permiso paterno para hacerlo. Llama la atención su inocencia en su lucha por ser popular o sus esfuerzos por ser amiga de Chastity, la líder de las animadoras, quien no deja de mostrar al resto de sus compañeras su superioridad. Martin repetirá en la secuela de Camp Rock protagonizada por los Jonas Brothers.
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Si el personaje de Cameron representa al chico completamente entregado, amable y perdidamente enamorado, Patrick Verona es todo lo contrario, su pose es la del chico malo, silencioso, que desafía con su mirada o su sarcasmo. Vestido con su chupa de cuero, y a lomos de su moto, el actor Ethan Peck con su voz -se hace imprescindible escucharle en versión original- profundamente grave y fuera de lo común, hace una composición del personaje soberbia. Éste chocará desde un principio con Cat, con quien tiene algunas similitudes en cuanto a su carácter poco sociable, estableciéndose una batalla de sexos y manteniendo ambos con sus encontronazos y su inevitable atracción, uno de los polos más interesantes de 10 razones para odiarte. Esa pose de chico malo no es casual si consideramos que el actor preferido de Peck es el español Javier Bardem.
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Cameron es el alma en pena de la serie. Un chico desgarbado que se enamora perdidamente de Bianca desde el primer día que la ve en el instituto. Este amor (no correspondido) le lleva a protagonizar toda suerte de acciones desesperadas de gran comicidad –ayudado por su amigo Michael-, y en las que se ven heridos muchas veces sus sentimientos. Nicholas Braun (Princess protection program) da vida a este pedazo de pan con una ingenuidad perfectamente creíble. En uno de sus intentos por resultar más amigable, llegará a ser tomado por Bianca como gay. El papel que interpreta a Braun viene a ser el que realizaba Joseph Gordon-Lewitt en la versión de 1999.
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Chastity Church (Dana Davis) es la líder de las animadoras del Instituto Papua y podríamos decir que la villana de la serie, una chica extremadamente popular que no duda en manipular a todas las chicas con el fin de conseguir sus fines a cambio de pequeñas prebendas. Su padre es uno de los principales benefactores del Instituto y continuamente está poniendo a prueba a sus seguidoras. Todo en ella es pura banalidad, la clase de banalidad que tanto admira Bianca, quien tratará de convertirse en su mejor amiga. Su novio, como ya se ha indicado, es el quarterback del equipo del instituto.
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Joey (Chris Zilka) es el quarterback del equipo del instituto, un apuesto muchacho cuyo sueño en la vida es convertirse en modelo. De ahí que lo que más cuide, no lo oculta, sea su cuerpo, pues como él mismo dice, será su herramienta de trabajo. Esto le lleva a ser un tanto tontorrón, preocupándose por aspectos bastante banales, lo que sale a relucir siempre en sus conversaciones y lo que le hará tener algo en común con Bianca. Sin embargo posee un gran corazón y honorabilidad, lo que hace que su personaje lejos de despertar desprecio, sea tomado con cariño, y vea aumentado su peso en la serie a medida que avanzan los capítulos. Siendo el líder del equipo de fútbol, como es “normal” en este tipo de series y películas de instituto, es también el novio de la líder de las animadoras, Chastity. Zylka ha sido modelo y ha intervenido en series como "Todo el mundo odia a Chris".
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Larry Miller es el único actor que participó en la versión cinematográfica de 1999 junto a Heath Ledger y Julia Stiles, y repite en el mismo papel que entonces interpretó, el de Walter Stratford, como ya se ha señalado, el sobreprotector padre de Bianca y Cat. Les prohíbe acudir a fiestas, salir por la noche, somete a duros interrogatorios a los chicos que acuden a casa… todo ello en un momento de la vida de sus hijas en el que éstas comienzan a convertirse en mujeres. Atado todavía a su anillo de casado, Walter todavía encuentra dificultad en comenzar de nuevo una relación de pareja.
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Otros enlaces recomendados en Un Mundo de Cine:

· 10 razones para odiarte (1999)
· Glee (Serie de TV, 2009-2010)
· Gossip Girl (Serie de TV, 2008-2010)
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A continuación puede verse el tráiler de 10 razones para odiarte:

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Avatar (Película, James Cameron, 2009)

Avatar

(Avatar. USA. James Cameron, 2009)

-Autor: Fernando Rodríguez Laso-

Las tres dimensiones regresan como reclamo cinematográfico

[Este artículo está protegido por derechos de autor. Ver detalles al final del mismo] La cinta de la que más se ha escrito este año, la más esperada, tras un letargo de trece años del director que tocó el cielo con Titanic. Los espectadores han asistido a una película que anuncia lo que puede ser el futuro del séptimo arte, el cine-espectáculo, una película ideada para las tres dimensiones. Cuando el cine en pantalla grande afronta el problema de la inmediatez con que podemos los espectadores disfrutar del cine en nuestros hogares nos llega esta producción que puede marcar el camino a seguir por las grandes salas pues está película produce sensaciones que hoy en día solo se manifiestan ante la gran pantalla del cine.
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El gran reclamo y espectacularidad de Avatar reside en su uso de las tres dimensiones más que en su guión y actores. Sin duda esta película marcará un hito en las 3D por su calidad, espectacularidad, recaudación, popularidad y repercusión, pero no es la primera vez que el cine echa mano de el 3D y sus inseparables gafas para intentar aumentar su espectacularidad y ganar más adeptos. Casi ya desde los inicios del cine se empezaron a hacer experimentos con esta técnica con las conocidas gafas de lentes azules y rojas pero no fue hasta 1952 con Bwana Devil cuando la técnica tuvo la suficiente perfección como para que el público fuera en masa a verla. Bwana devil fue una pequeña producción que relataba los ataques que sufrieron los obreros que construían las líneas de ferrocarril para el imperio británico en la región keniana de Tsavo por parte de dos leones. La obra ha sido objeto de un remake mucho más conocido protagonizada por Val Kilmer y Michael Douglas, Los demonios de la noche (1996).
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Este estreno fue el pistoletazo de salida para un aluvión de producciones de cortometrajes y largometrajes cuyo mayor reclamo era el uso del 3D y que se prolongó hasta 1955. Desde entonces las tres dimensiones han sido uno de los experimentos más repetidos para hacer más atractiva la exhibición cinematográfica pero el éxito nunca se ha mantenido entre los espectadores. Destacan entre los revivals del 3D el que se hizo en los 80 con los géneros del terror y la ciencia ficción, como Parasito (1982) con Demi Moore, Viernes 13 parte III (1982), Amityville 3D (1983) y la tercera parte de Tiburón (1983) protagonizada por Dennis Quaid.

En poco tiempo comprobaremos si esta es la oportunidad definitiva para las 3D, a su favor juega el que cada vez está más perfeccionada la técnica y que la calidad de las películas que la integran es más alta que nunca, aparte del ejemplo de Avatar, entre las que los últimos años se nos presentan con el anuncio de las tres dimensiones están películas que también atraerían a mucho público al cine aunque no tuvieran este reclamo como las de cine de animación de Pixar, Beowulf, Polar Express o Ice Age.

Una historia al servicio del espectáculo

Una de las mayores críticas que se han hecho a la película es su poco esforzado guión, un hecho que se le ha echado habitualmente en cara a James Cameron pero que no le ha impedido crear algunas de las mejores películas-espectáculos de la historia del cine. Su obra más reconocida y premiada, Titanic, también adolecía de un guión con menos calidad que el resto de la factura técnica de la película pero no le impidió en 1997 recibir el respaldo de crítica y publico. Las dos películas de la saga Terminator, Aliens o Mentiras arriesgadas se encuentran entre las favoritas de un gran porcentaje del publico y de ninguna de ellas el guión es su mayor virtud. Parece que Cameron entiende el cine como un espectáculo audiovisual en el que prima más la composición de imágenes que la construcción de historias y sin duda sus obras le avalan.
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Peter Jackson contaba que cuando creyó que el nivel de los efectos especiales había alcanzado un nivel de perfección máximo se puso a buscar un texto en el cual poder aplicarlos y casi por casualidad lo encontró en la obra de Tolkien, El Señor de los anillos. Un caso parecido le ha podido ocurrir a Cameron, que para poder aplicar todos los efectos especiales que quería, ha creado todo un mundo, el de Pandora, un planeta bioluminiscente, con abundante y descomunal vegetación, con numerosos animales hexápodos, donde los primos de los pterosaurios aún no se han extinguido y en donde se dan parajes tan espectaculares en pantalla como el de las Montañas Aleluya. La creación de este mundo cinematográfico ha costado mucho dinero y tiempo y aunque ya ha sido rentabilizado con la recaudación récord de esta película, Cameron ha confirmado que Pandora volverá a verse en los cines y que su intención es que se convierta en una saga.

Los actores son jóvenes y solventes (Sam Worthington – a quien este mes volveremos a ver en Furia de titanes-, Zoe Saldaña, Michelle Rodriguez, Joel Moore, Giovanni Ribisi) con una gran y prometedora carrera por delante pero todavía sin demasiada trayectoria a sus espaldas que pueda eclipsar la historia de la película. La única excepción a esta norma es la presencia de Sigourney Weaver con la que ya trabajó en Aliens y la de Stephen Lang (Enemigos públicos, 2009) que aunque ya no es joven tampoco había realizado trabajos de éxito que le hubieran convertido en una cara conocida.

La historia es sencilla pero es resultona, útil y funcional, un ex-marine confinado a una silla de ruedas que tiene la oportunidad de recuperarlas a través de su avatar mientras cumple con la misión de conocer mejor el mundo de Pandora y a sus habitantes. La trama apunta otros temas como el de las segundas oportunidades, la conciencia ecologista, la armonía entre la naturaleza y sus moradores o la expulsión de los pueblos de sus tierras natales, que irremediablemente recuerda a la expulsión que en Norteamérica se hizo con las tribus indias mientras se construía el ferrocarril transcontinental.

Todo esto provoca una sucesión de escenas donde se alternan las vistosas estampas del mundo de Pandora con vibrantes escenas de acción, dos tipos de imágenes en las que James Cameron se mueve con inusual maestría. El resultado final es una película que incluso sin el atractivo de las tres dimensiones continuaría siendo un gran éxito de taquilla pues su calidad es muy superior a la de las películas de acción que se estrenan y el mundo de Pandora aun perdiendo espectacularidad sigue impresionando y asombrando en las proyecciones bidimensionales.

En la ceremonia de los Oscars que tendrá lugar hoy 7 de marzo comprobaremos si también la Academia premia este espectáculo tal y como ya ha hecho el público. Avatar tiene prácticamente asegurados los galardones técnicos y es junto a la película dirigida por su ex-mujer The Hurt Locker, ambas con nueve nominaciones, la gran favorita para alzarse con el principal premio de la noche.

Otros enlaces recomendados en Un Mundo de Cine:

· Furia de titanes (Louis Leterrier, 2010)
· Invictus (Clint Eastwood, 2009)
· En tierra hostil (Kathryn Bigelow, 2008)

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A continuación puede verse el tráiler de Avatar:

*Los redactores de Un Mundo de Cine informan de que esta página está bajo licencia de Creative Commons. La cita de partes de este artículo debe hacer constar: 1º) Autor: Fernando Rodríguez Laso, 2º) Fuente: www.unmundodecine.com, y 3º) incluir un enlace al artículo original. La reproducción total está PROHIBIDA y requiere autorización.

Juego de tronos (Serie HBO, Game of thrones)

Juego de tronos (Game of thrones. USA, 2011)

-Autor: José Luis Urraca Casal-

El comienzo de una gran y épica saga televisiva

[Este artículo está protegido por derechos de autor. Ver detalles al final del mismo] Ha sido largamente esperado por lo seguidores de la saga literaria Canción de Hielo y Fuego, pero la HBO acaba por fin de aprobar tras finalizar su episodio piloto, una temporada completa de la serie que llevará por título Juego de tronos. Basada en las populares novelas de R.R. Martin, quien se inspiró en la Guerra de los Cien Años y en la de Las Dos Rosas para crear un elaborado mundo de fantasía medieval, se trata de una de las grandes apuestas de la cadena de cara a su estreno en 2011. En Un Mundo de Cine nos hacemos eco de esta gran producción que en principio tiene proyectado adaptar cada uno de los libros de la saga en forma de una temporada completa y en la que intervienen artistas conocidos como Sean Bean, Lena Heady, Iain Glen o Jamie Campbell Bower. [Autor: José Luis Urraca Casal para www.unmundodecine.com]

“Han hecho un trabajo estupendo con el guión. Y sí, podéis relajaros todos, es muy fiel…” así se refería tranquilizando a sus lectores el escritor R.R. Martin al guión de la nueva serie que llevará a la pequeña pantalla su obra más conocida, la saga de novelas Canción de de Hielo y Fuego. El sello de la HBO parece asegurarlo y el formato televisivo que presumiblemente adaptará cada uno de los libros en forma de una temporada completa, el más aconsejable dada la extensión de los mismos y su compleja trama. Admirador de la trilogía de El señor de los Anillos de J.R. Tolkien, Martin sigue la estela de la fantasía medieval, pero con su propio estilo y habiéndose basado en la creación de su complejo mundo en el contexto histórico de los Siglos XIV y XIV en el que tuvieron lugar la Guerra de los Cien Años y la Guerra de las Dos Rosas, con luchas dinásticas, intrigas entre nobles... [Este artículo está protegido por derechos de autor. Ver detalles al final del mismo]

Y es que aunque ambientado en lo que se ha venido comúnmente en denominar género fantástico, el elemento de la magia tan presente en El señor de los Anillos tiene aquí menos juego, sobretodo al principio, aunque luego y con el desarrollo de la trama adquirirá importancia. Precisamente la trama tiene un tono adulto, salpicada de violencia y sexo con una espléndida caracterización de un contexto medieval, en el que están presentes la sociedad estamental o ideales como los de la caballería con la justicia y el honor, recorrido por un gran y desarrollado número de personajes. Lo que ha llevado a Michael Lombardo, jefe de programación de la HBO a manifestar que “te olvidas que es fantasía mientras lo estás viendo, y eso es lo que me encanta de ello”. [Este artículo está protegido por derechos de autor. Ver detalles al final del mismo]

El avance que se produce en el campo de los efectos visuales digitales permitirá recrear en pantalla los numerosos e importantes escenarios en los que se desarrolla la trama de Canción de Hielo y Fuego, como el del castillo de Ivernalia. La HBO ya tiene un claro precedente en la serie John Adams, la cual reconstruye algunos de los principales lugares en los que se desarrolló la Independencia de los Estados Unidos. Y otra garantía más en este aspecto es que cuenta en el diseño de producción con Robert Stromberg como supervisor de los efectos visuales, dato a tener en cuenta que Stromberg ha tomado parte en el diseño de producción de Avatar (James Cameron, 2009) y en propia la serie John Adams. [Autor: José Luis Urraca Casal para http://www.unmundodecine.com/]

Dan Weiss y David Benioff son los productores ejecutivos y al mismo tiempo responsables de adaptar el guión. Benioff tiene en su haber películas como Troya y The kite runner y Weiss es novelista. [Autor: José Luis Urraca Casal para www.unmundodecine.com]

El elenco de protagonistas y personajes [Este artículo está protegido por derechos de autor. Ver detalles al final del mismo]

Uno de los aspectos que han suscitado mayor expectación ha sido el reparto elegido para interpretar a los personajes de la aventura. En él podemos encontrar rostros perfectamente identificables por el público, entre los que destaca Sean Bean como una pléyade de artistas en los inicios de sus carreras. Sean Bean actor protagonista de la trilogía de El señor de los Anillos en el papel de Boromir o de la serie ambientada en las guerras Napoleónicas Sharpe, será uno de los puntales de la serie como Eddar Stark, el líder de la familia nobiliaria de los Stark, del castillo de Invernalia. Jennifer Ehle (Elizabeth Bennet en la miniserie Orgullo y prejuicio de 1995, por la que ganó el BAFTA a la mejor actriz) será Catelyn Tully Stark, mujer de Eddar y madre de sus cinco vástagos Robb, Sansa, Arya, Brandon y Rickon. [Autor: José Luis Urraca Casal para www.unmundodecine.com]

Precisamente estos últimos son algunos de los personajes más jóvenes de la trama, pues en Juego de tronos hay protagonistas que son niños, aunque no son presentados en un contexto en el que disponen de poco tiempo para serlo. Richard Madden (Hope springs) es Rob; Sophie Turner es Sansa y Maisie Williams es Ayra. [Este artículo está protegido por derechos de autor. Ver detalles al final del mismo]

Por otro lado nos encontramos a Mark Addy en el papel del rey Robert, de la Casa Baratheon y a la hermosa Lena Heady (300, El barón rojo) como la reina Cersey. Harry Lloyd (Doctor Who, Robin Hood) es Viserys Targaryen mientras que Iain Glen, quizá no muy conocido por el público pero un actor británico con una larga carrera a sus espaldas será otro importante personaje, Ser Jorah Mormont. [Autor: José Luis Urraca Casal para www.unmundodecine.com]

El otros roles encontramos al actor Jamie Campbell Bower (Luna nueva, Sweeney Todd) como Waymar Royce, Kit Harington como Jon Snow y Jason Momoa (quien ha sido anunciado como el próximo Conan) es Khal Drogo, un rey tribal. Donald Sumpter (Quien protagoniza la segunda temporada de Being Human y recientemente interpretó a Lord Halifax en Into the storm, 2009) es el Maester Luwin. [Autor: José Luis Urraca Casal para www.unmundodecine.com]

R.R. Martin o el “Tolkien” americano [Este artículo está protegido por derechos de autor. Ver detalles al final del mismo]

George R.R. Martin (1948), apodado por Lev Grossman en la revista Time como el Tolkien americano fue un escritor de ciencia ficción, fantasía y terror ya en la década de los años 70, premiado por algunas de sus novelas y relatos cortos, que en los 80 pasó a trabajar como guionista en el mundo de la televisión, medio en el que puso su talento al servicio de series como La bella y la bestia para abandonar cansado a comienzos de los 90. Y volvió al terreno de la novela, sin duda enriquecido por su paso por la televisión, Y así publica en 1996 Juego de tronos la primera novela de una saga llamada Canción de Hielo y Fuego que acaba cautivando al público lector, y a la que siguen Choque de Reyes (1999) –auténtico éxito de ventas-, Tormenta de espadas (2000), Festín de cuervos (2005) a la que seguirán pronto A dance with dragons y otras dos entregas que tiene en mente, The winds of winter y A dream of spring.

Autor: José Luis Urraca Casal. Licenciado en Historia por la Universidad de Cantabria. Para www.unmundodecine.com

Otros enlaces recomendados en Un Mundo de Cine:

· Furia de titanes (Louis Leterrier, 2010)

· La leyenda del Buscador (Serie)

· Ironclad (Jonathan English, 2010)

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A continuación pueden verse los primeros tráiler promocionales de Juego de tronos:

Y aquí otro trailer no oficial con los protagonistas de Juego de tronos:

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