La rosa púrpura del Cairo (Película, 1985)

La rosa púrpura de El Cairo

(The purple rose of Cairo. Woody Allen, USA, 1985)

Comentario dedicado a Marina en el día de su primera comunión

-Autor: Felipe Díez Rioz*-

Bálsamo para tiempos difíciles

[Este artículo está protegido por derechos de autor. Ver detalles al final del mismo] Llegó al festival de Cannes para presentar, fuera de concurso, su última película, 'You will meet a tall dark stranger', el viejo maestro Woody Allen nos relata otra comedia triste sobre la búsqueda de la felicidad a través de cualquier medio. El director neoyorquino también nos contó una historia sobre la búsqueda de la felicidad en los tiempos de la Gran Depresión, filmando en 1985 una pequeña obra maestra llamada “La rosa púrpura del Cairo”, una película que gusta tanto a los admiradores de la obra de este director como a los que no lo son tanto, siendo además la favorita del propio Allen dentro de su, ya muy amplia, filmografía.
[Autor: José Felipe Díez Rioz para www.unmundodecine.com]
La crisis de la economía norteamericana, que comenzó en 1928 con la caída de los precios agrícolas y estalló cuando el 29 de octubre de 1929 se hundió la Bolsa de Nueva York, ha sumido al país en la Gran Depresión.
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New Jersey, 1930. Allí vive Cecilia, una camarera de mediana edad con una vida gris, un marido en desempleo, haragán, alcoholizado, pendenciero y al que tiene que mantener, además de sufrir en silencio el maltrato que la propina, pero Cecilia no es una chica amargada puesto que sus momentos felices los obtiene en la sala cinematográfica cuando entra en el mundo de fantasía de sus películas favoritas, en especial “La rosa púrpura del Cairo” una película de aventuras protagonizada por Tom Baxter. Cecilia ve la película una y otra vez hasta que el protagonista decide salir de la pantalla para conocerla y declararle su amor.
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Elegante comedia agridulce
[Autor: José Felipe Díez Rioz para www.unmundodecine.com]
Hemos de decir que estamos ante una de las mejores películas de Woody Allen, una elegante comedia agridulce, técnicamente perfecta, con la dirección de fotografía de Gordon Willis, el diseño de producción de Santo Loguasto y una banda sonora a ritmo de jazz. El director firma una obra, quizás atípica en su filmografía, donde únicamente se aparta en la forma, que no en el fondo, de los temas habituales de su cine: las relaciones de pareja, el sexo, el miedo a la muerte o el propio sentido de la vida, la comida o la psicología humana.
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Allen escribe un guión brillante, rodándolo de una manera ágil y entretenida, pasamos de una fina comicidad desplegada en diálogos y situaciones hilarantes a la tristeza de una realidad personal y social bastante penosa. Visualmente hermosa, con una muy buena combinación de los colores marrones, ocres y sepias de la América de los años 30 con el brillante blanco y negro de las películas antiguas, esta comedia romántica nos deja una gran actuación de la actriz Mia Farrow, por entonces pareja sentimental del director que aquí alcanza el nivel más alto de sus trabajos con Allen. Farrow realiza un despliegue enorme de dulzura y resignación, de felicidad y tristeza, con una mirada que habla por si misma. Secundándola Jeff Daniels como el galán que sale de la pantalla y un convincente Danny Aiello como ese despiadado marido.
[Autor: José Felipe Díez Rioz para www.unmundodecine.com]
Realidad y ficción
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La película propone un constante juego dual entre la realidad y la ficción. Cecilia vive la terrible realidad de su marido, su casa y su trabajo, una realidad que no puede abandonar, tal como vemos cuando deja a su marido y tras deambular por la ciudad acaba regresando, frente a ella el mundo del cine lleno de aristócratas, aventureros y galanes, grandes viajes, hermosos vestidos, dinero y champagne a raudales, pero sin libertad ni capacidad de decisión tal como desea Tom Baxter cuando abandona la pantalla. Cuando ambos mundos se mezclan se produce el desconcierto y lo que podía resultar un tanto caótico es resuelto por Woody Allen de una manera brillante encajando perfectamente ambos mundos. El director reflexiona sobre la realidad y la ficción, sobre la felicidad o la infelicidad y como podemos combatirla. La película se decanta por que la solución de evasión de la adversidad que toma Cecilia es válida.
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Ya Buster Keaton en “El moderno Sherlock Holmes” hacia que se uniesen los personajes reales con los de ficción, posteriormente también John McTiernan repetiría la experiencia en “El último gran héroe”, pero ninguno de ellos con el talento de Woody Allen.
[Autor: José Felipe Díez Rioz para www.unmundodecine.com]

Hermoso homenaje al cine
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Toda la película constituye un gran homenaje al cine desprendiendo el gran cariño, que tanto el director como muchos de los espectadores, tenemos hacia el séptimo arte. Desde el inicio de la película podemos observarlo, sobre los títulos de crédito con letras blancas sobre un fondo negro suena una de esas canciones que inmediatamente asociamos al mundo del cine “Cheek to Check” cantada por el inigualable Fred Astaire en “Sombrero de copa”, a continuación la primera imagen es la cartelera de la película “La rosa púrpura del Cairo” y la cara de Mia Farrow mirando la cartelera, una expresión que muestra esa especie de imán que las carteleras de cine tienen para tantos de nosotros.
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Todos los elementos del cine aparecen en la película; la taquilla con la cámara situada en los ojos del empleado del cine mientras van sacando las entradas todos piden dos excepto la solitaria Cecilia que únicamente pide una, el patio de butacas con el revuelo que se produce cuando el actor abandona la pantalla, las palomitas que comen los protagonistas y hasta el parque de atracciones al que acuden juntos, el parque como símbolo del lugar de la realidad que más pudiera acercarse al mundo mágico del cine.
[Autor: José Felipe Díez Rioz para www.unmundodecine.com]
El director muestra su aprecio por un cine clásico que ya pertenece al pasado, el cine de las grandes productoras, de las estrellas, de los grandes estudios, en suma el cine en blanco y negro.
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El papel de los musicales en la Gran Depresión
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Durante aquellos años de la Gran Depresión, fueron muchísimas las personas que buscaron la evasión de una terrible situación económica y social en el cine. De entre todos los géneros, destacó el cine musical que vivió en los años 30 y 40 su “edad de oro”, sustentado en canciones, bailes, estrellas e historias sencillas y románticas. Casi 600 musicales se rodaron en la década de los 30, apareciendo grandes compositores como Irving Berlin, Cole Porter y George Gershwin, así como la famosa pareja de actores y bailarines Fred Astaire y Ginger Rogers, muy presentes en “La rosa púrpura del Cairo”.
[Autor: José Felipe Díez Rioz para www.unmundodecine.com]
Un cine que, visto hoy día, puede parecer bastante ingenuo, pero que resulta ciertamente muy agradable y cumplió una magnífica misión en aquellos duros momentos.
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El plano final
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Woody Allen fue presionado para modificar el final de la película transformándolo en más alegre, afortunadamente mantuvo su postura defendiendo que el sentido principal de la película demandaba ese final. No incidiremos demasiado en la secuencia final para no desvelársela a aquellos afortunados lectores que aún no hayan visto la película, pero no podemos dejar de comentar que resulta magistral, con el plano del rostro de Mia Farrow esbozando una leve sonrisa ante la escena de la película que está viendo: Sombrero de copa (Top hat, Mark Sandrich, 1935).
[Autor: José Felipe Díez Rioz para www.unmundodecine.com]
Un final, como toda la película un poco triste, donde Allen constata la imposibilidad de cambiar la realidad, pero enseñándonos que aún en los momentos más difíciles existen bálsamos que nos pueden ayudar a superar los problemas. En estos momentos, que la crisis global golpea con dureza a los países europeos y a una buena parte del mundo, viajemos a los mundos de Avatar o asaltemos un castillo con Robin Hood y, sin duda, seremos mucho más felices.

Cine, cine, cine,
más cine por favor,
que todo en la vida es cine
y los sueños, cine son.
...............Luis Eduardo Aute

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· Carnivale (Serie de la HBO, 2003-2005)
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A continuación puede verse un tráiler de La rosa púrpura del Cairo:

*Los redactores de Un Mundo de Cine informan de que esta página está bajo licencia de Creative Commons. La cita de partes de este artículo debe hacer constar: 1º) Autor: José Felipe Díez Rioz, 2º) Fuente: www.unmundodecine.com, y 3º) incluir un enlace al artículo original. La reproducción total está PROHIBIDA y requiere autorización.

Carnivale (Serie de la HBO)

CARNIVALE

(Carnivàle. Serie de TV, USA, 2003-2005)

-Autor: Fernando Rodríguez Laso*-

La Parada de los Monstruos en Televisión.

[Este artículo está protegido por derechos de autor. Ver detalles al final del mismo] Entre septiembre de 2003 y marzo de 2005 la cadena HBO estuvo emitiendo está serie que a pesar de contar con tan sólo dos temporadas consiguió aunar una incondicional legión de seguidores y el aplauso de la crítica. Una cuidada historia, con unos guiones muy trabajados, una ambientación perfeccionada hasta el extremo y unas interpretaciones soberbias hicieron que en su breve paso por la televisión esta serie se convirtieran en un hito para los telespectadores que la siguieron.
[Autor del artículo: Fernando Rodríguez Laso. Licenciado en Historia]
El canal de cable estadounidense HBO es sin duda el que más prestigio tiene en cuanto a la creación de series de calidad. Son muy numerosas las series creadas por el canal con su indudable marca de calidad: A dos metros bajo tierra, Deadwood, El séquito, Los Soprano, Sexo en Nueva York, True Blood, Roma, etc. En cuanto a las miniseries también destaca sobremanera, de HBO proceden Angels in America, Empire Falls, The Ghatering Storm, Hermanos de Sangre, Iron Jawed Angels, John Adams o la próxima superproducción The Pacific.
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La historia que relata es en principio sencilla, se trata de dos historias que se desarrollan de manera paralela durante la época de la gran depresión estadounidense acontecida tras el crack del 29. Por un lado está Ben Hawkins, un joven de 18 años cuya madre, con problemas psiquiátricos acaba de fallecer y se une, casi contra su voluntad, a una feria ambulante que recorre el conocido como “cinturón bíblico” del sur de los Estados Unidos.
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Personajes y actores de Carnivale
[Autor del artículo: Fernando Rodríguez Laso. Licenciado en Historia]
Las interpretaciones y los personajes no desmerecen la calidad del guión. La serie tiene un espíritu coral pero destaca sobre todo el personaje Ben Hawkins, un joven con una habilidad especial, pero que reniega de ella, no se acepta a si mismo como personal, pronto sabremos que su madre le despreciaba y consideraba su “habilidad” como diabólica. El personaje de Hawkins le interpreta Nick Stahl, que salto a la fama por hacer de John Connor en Terminator 3, antes había trabajado en La delgada línea roja o En la Habitación. Tras la serie sus intervenciones en el cine no han gozado de demasiado éxito destacando sobre todo su papel en Sin City. Stahl da al personaje una apariencia de desamparo, de continua búsqueda de algo que no sabe que es y que poco a poco ira descubriendo.
[Este artículo es una creación original y está protegido por derechos de autor]
El alter ego de Stahl es el Hermano Justin Crowe que se encarga de la iglesia metodista en el pequeño pueblo californiano de Mintern. Es un hombre muy entregado al bienestar de los necesitados, con un aspecto imponente y que parece capaz de convencer a cualquiera para que le ayude en sus proyectos. Profesa la religión metodista no por casualidad, una religión en la que la liturgia pierde importancia y son más importantes las cuestiones de fe, se da mucha más espacio al feligrés que adquiere un papel más activo, donde la salvación sólo llega si se tiene fe y que rechaza la predestinación. Al Hermano Justin le atormentan unos sueños extraños y apocalípticos que interpretará como un mensaje del señor y a la vez le acontecen alrededor sucesos extraños o poco claros y paulatinamente ira adquiriendo conciencia de su papel en los mismos. El actor Clancy Brown hace un increíble trabajo en la construcción del personaje, Brown hasta entonces había tenido una carrera cinematográfica de éxito realizando siempre personajes de aspecto amenazador como el villano Victor Kruger en Los inmortales, el guardia de prisión en Cadena Perpetua y Huracán Carter o el militar instructor en Starship Troopers, después de Carnivale sus papeles más destacados han sido en The Guardian y en El guía del desfiladero.
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Tras estos dos protagonistas hay una extraordinaria pléyade de secundarios entre los que destaca sobre todo Michael J. Anderson en el papel de Samson, el encargado del Circo Ambulante, Samson es un enano que antiguamente fue parte del espectáculo pero que ahora se encarga de todos los aspectos de la feria, aunque en muchas ocasiones tan sólo ejecuta las ordenes de La Dirección de la feria, un personaje al que Samson continuamente se refiere pero que sólo habla con él, en una caravana a la que sólo Samson accede por lo que hay quien duda de su existencia. Michael J. Anderson le interpreta, hasta entonces destacaba por sus colaboraciones con David Lynch tanto en Mullholand Drive, pero sobre todo por ser el enano bailarín de Twin Peaks.
[Autor del artículo: Fernando Rodríguez Laso. Licenciado en Historia]
Clea DuVall interpreta a Sofie, una mujer que puede leer el futuro en las cartas y que se comunica solo con el pensamiento con su madre Apollonia, que está inmóvil y muda en su cama y que se ha dado cuenta de lo “especial” que es Hawkins. El personaje de Sofie es el de una joven con mucha personalidad, dueña de su destino, que persigue su independencia y ansía ser atractiva para los hombres. DuVall trabajó antes en The Faculty o Identity y posteriormente se la pudo ver en la primera temporada de la serie Heroes.
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El resto de los personajes y actores merecerían detenerse a comentar cada uno de ellos pero para no extender demasiado el comentario solo los señalaremos brevemente. El jefe de los mecánicos de la feria Jonesy, la familia Dreifuss cuyo padre se dedica a presentar espectáculos y la mujer e hijas a realizar números eróticos y practicar la prostitución, Ruthie es la dama de las serpientes y aunque envejecida mantiene gran parte de su anterior atractivo, siempre va acompañada de su hijo Gabriel, de pocas palabras. Dalila (habiendo un Samson no podía faltar una Dalila) es la mujer barbuda que mantiene una estrecha relación con el Profesor Lodz, un mentalista ciego que también parece tener una especial relación con La Dirección de la feria. Fuera de la feria tenemos el personaje de Iris, la entregada hermana de Justin que siempre a su lado le da apoyo incondicional y al reverendo Norman Balthus consejero y amigo del hermano Justin. Estos son los personajes iniciales, aunque durante los 24 capítulos de los que constó la serie se irán añadiendo más.
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La lucha entre el bien y el mal durante la Gran Depresión
[Autor del artículo: Fernando Rodríguez Laso. Licenciado en Historia]
La serie está ambientada en la gran depresión de los años 30, y se realiza un periplo desde la asolada por el viento Oklahoma hasta California. La mayoría de los ambientes son desérticos, lugares donde apenas hay vida, sólo arena que tienen por todo el cuerpo, los lugares donde paran siempre son lúgubres y siniestros y normalmente las gentes con las que se cruzan también. Sin la cuidada fotografía y dirección artística con la que se realizó la serie posiblemente no nos referiríamos a ella como una de las mejores series en lo que llevamos de siglo.
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Se tratará de dos historias paralelas la de Hawkins y la del hermano Justin que irán convergiendo hasta coincidir plenamente en el último capítulo. Las historias aunque en principio funcionan sin interconectarse tienen siempre un mismo leiv motiv. En la primera temporada ambos personajes irán tomando conciencia de que es aquello para lo que están predestinados pero ambos se revelaran contra ello, intentarán huir, escapar de una misión que no quieren aceptar, en la segunda temporada una vez que cada uno ha asumido el rol para el cual han sido elegidos se prepararan para enfrentarse en un combate que es el del Bien contra el Mal.
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En la serie la magia, lo sobrenatural, lo mítico y lo bíblico se mezclaran con una maestría pocas veces vista. Es especialmente rico en referencias bíblicas con lugares como Babylonia, donde aparecerán mineros (puede que obreros de la torre de Babel pues no hablan) y en donde como relata el Apocalipsis una ramera se condenará debido a su depravación, New Canaan donde “el pueblo elegido” tras vagar por el desierto se enfrentara a sus enemigos o Damasco en cuyo camino el protagonista tendrá una visión como la tuvo San Pablo de Tarso según Los Hechos de los Apóstoles
[Autor del artículo: Fernando Rodríguez Laso. Licenciado en Historia]

Inconclusa
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HBO arriesgó mucho emitiendo esta serie que siendo tan lugubre, oscura y compleja podía tener dificultades para gustar al gran público. El 14 de septiembre de 2003 tras una gran campaña de promoción se emitió el primer capítulo de esta serie convirtiéndose en el episodio de una serie con más audiencia de toda la historia de la cadena. La audiencia fue descendiendo con el tiempo y este hecho unido sobre todo al inmenso coste de cada capítulo provocó la cancelación dejando la serie en tan sólo dos temporadas en lugar de las seis inicialmente previstas. En el capítulo final se cierra la trama que hasta entonces hemos seguido pero se abre un nuevo arco argumental que prometía ser muy interesante. La cancelación inició un gran movimiento de los fans reclamando una tercera temporada que todavía no ha llegado a realizarse, El creador Daniel Knauf ha comentado varias veces que la historia continuará ya sea en un formato u otro.
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Los títulos iniciales
[Autor del artículo: Fernando Rodríguez Laso. Licenciado en Historia]
La serie estuvo nominada para quince premios Emmy ganando cinco de ellos entre los que destaca el de diseño de los créditos iniciales una autentica obra y arte y declaración de intenciones de lo que es la serie. En ellos lo primero que se nos muestra toda una baraja del tarot (relevante en la trama), y vamos entrado en distintas cartas. La primera carta es el mundo con sus trabajadores y los avances tecnológicos logrados gracias a ellos, se sale de esa visión a través de la carta de la espada, mostrando que estos avances han servido para crear máquinas de destrucción. Entramos después en la carta de la muerte y vemos a trabajadores de las minas, a fascistas, a un miembro del Ku Klux Klan jugando con un niño y seguido una imagen de un grupo de niños (posible futuro instrumento de muerte) y salimos de esa imagen a través de la carta del rey de espadas.
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Seguido nos muestra la carta de la templanza con personas disfrutando de la vida con un baile, Jesse Owens ganando los 100 metros lisos en las olimpiadas del 36 celebradas en la Alemania nazi, una imagen de Babe Ruth, jugador de béisbol estadounidense elevado a icono, y seguido vemos una pareja bailando, a través de la carta de la magia salimos de esta parte y entramos en la carta de la torre, con la Casa Blanca, vemos la pobreza que el gobierno no es capaz de evitar, con un plano del presidente Roosevelt que se encadena con la carta del juicio. Encima de esta carta se sitúan otras dos, las de dios y el diablo. Todas las cartas se encuentran sobre la arena del desierto y un golpe de viento, el mismo viento que llevaba consigo arena y destrozo las cosechas en los 30 echando de sus tierras a los campesinos del sur de EE.UU., se llevará de un golpe todas las cartas.
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Autor: Fernando Rodríguez Laso. Licenciado en Historia por la Universidad de Cantabria. Para www.unmundodecine.com

Otros enlaces recomendados en Un Mundo de Cine:

· The Gathering Storm (Richrad Loncraine, 2002)
· Cotton Club (Francis Ford Coppola, 1984)
· Good (Vicente Amorim, 2009)
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A continuación puede verse el tráiler de Carnivale:

*Los redactores de Un Mundo de Cine informan de que esta página está bajo licencia de Creative Commons. La cita de partes de este artículo debe hacer constar: 1º) Autor: Fernando Rodríguez Laso, 2º) Fuente: www.unmundodecine.com, y 3º) incluir un enlace al artículo original. La reproducción total está PROHIBIDA y requiere autorización.

Shevernatze (Película, 2007)

Shevernatze, una epopeya marcha atrás

(Shevernatze. España, 2007)

-Autor: Antonio Fernández Munárriz-

Una excelente road-movie llena de comicidad

[Este artículo está protegido por derechos de autor. Ver detalles al final del mismo] El viernes 14 de Mayo del 2010 se ha inaugurado el Festival Internacional de Cortometrajes de Torrelavega con el visionado de Shevernatze, película independiente y de bajo presupuesto. Tan bajo que no ha alcanzado los 250.000 euros, pero que no la han restado calidad y ganas de contar cosas. Se quejaba con amargura uno de sus productores presentando la película, que a pesar de llamar en todas las puertas la única subvención que habían logrado era una pequeña cantidad de la Televisión Autonómica Gallega. Por eso hay que seguir el consejo que nos dan en los títulos de crédito del final, “si te ha gustado la película coméntaselo a todo el mundo, pero rápido; porque si al día siguiente va poca gente quitan la película del cine”. Este es el problema de no tener dinero para promoción, carecer de subvenciones y de número de copias. Pero esta gente se ha movido muy bien, Facebook….y cualquier web en que han podido meterse ha servido para darla a conocer.

Esta rodada en video digital, en el 2007; y su duración es de 80 minutos. Estrenada en el 2009 en un puñado de cines, pero de las películas más vistas gracias a internet y el boca a boca. Ha sido premiada en Chile y Málaga.

Los actores principales son de sobra conocidos por haber participado en multitud de series de televisión. Melanie Olivares, actriz catalana con participación en series como “Este es mi barrio”, “Más que amigos”, “Ambiciones”, “Siete Vidas”,etc. Su papel en la película es de ex novia de Jonás.
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Jesús Noguero (Jonás). Conocido por su participación en series como “Periodistas”, “Hospital Central”,”Cuéntame como pasó”,etc. Saturnino García, premio Goya y recordado asesino por la película “Justino, un asesino de la tercera edad”, un papel muy por el estilo al de Shevernatze. Roberto Álamo (novio de María), “Los hombres de Paco”, “Aída”, etc. Para terminar con Eduardo Gómez, veterano actor cómico de reparto en series y películas; como Spanish Movie o haciendo de padre del portero de “Aquí no hay quien viva”. Hace de camionero en esta película.

Su director y también guionista es Pablo Palazón. Guión en el que colaboró su amigo y socio de su negocio de publicista, Carlos Yuste.

La película parte de una de esas ideas surrealistas y absurdas que contemplamos al abrir un libro de los records. La proeza consiste en ir de Madrid a Ávila conduciendo marcha atrás. Jonás (Jesús Noguero), a la sazón profesor de autoescuela y aficionado a batir cualquier record absurdo; ya sea empleando caracoles o aviones de aeromodelismo, lo plantea como algo más que un record. Acuciado por deudas, abandonado por su novia María (Melanie Olivares), ninguneado por sus alumnos y jefe; ve en esto un viaje interior y una demostración de superación.

Su triste vida tiene ya una meta y en ese viaje a lo desconocido se encuentra con otro alma atormentada que se sube con él y le acompañará, a modo de escudero. Saturnino García se recrea en un papel calcado de la inolvidable “Justino, un asesino de la tercera edad”.

A este nuevo Don Quijote se le van añadiendo historias paralelas, de caraduras, asesino pirómano, intercambio de parejas en una caravana, policías de tráfico drogados y todo lo que se pueda encontrar uno por la carretera o aledaños. Siempre en un tono de comedia que arranca risas de entre el público. Hay momentos en que se transforma en melodrama y son las escenas que más recuerdan a “Justino,…”, siempre de la mano de la soberbia actuación de Saturnino García. Un actorazo que se pasó los mejores años de su vida trabajando en un taller de Bilbao como tantos otros leoneses que tuvieron que emigrar en los años 60.

Los actores y figurantes que van apareciendo son gente que ha colaborado desinteresadamente en este proyecto. La aparición de estos actores y sus meritorios trabajos me ha hecho valorar, más si cabe, esta película. Se nota el buen ambiente entre todos, las ganas de hacerlo bien y que a pesar del poco dinero, el esfuerzo de todos en sacar un proyecto adelante.

Una película rodada casi totalmente en exteriores. Una road-movie que no para de crear tramas y sub-tramas. Un coche con continuos primeros planos que provocan más comicidad.

Y si alguien ya se ha preguntado el porqué de este título tan ruso, que se le vaya quitando de la cabeza relacionarlo con Eduard Shevardnadze; el famoso ministro de exteriores de la U.R.S.S. La clave para entenderlo está en la misma trama de la película y perfectamente explicado por Jonás (Jesús Noguero).

Al final…, no os voy a contar el final; no os preocupéis. Pero este Don Quijote necesita de vuestra ayuda. Buscad el servidor de internet que os ofrezca esta película y no dudéis en comprarla porque va a ser la única manera de que podáis verla.

Son muy duros estos tiempos de crisis y sin nuestro apoyo este tipo de películas no se harán. Si queremos disfrutar de cine español fresco, entretenido y que aporte un nuevo aire; ¡ tenemos que apoyarlo!. A mí me ha gustado y como decía un productor en la presentación: “por 1,39 € te lo puedes bajar de internet”.

Autor: Antonio Fernández Munárriz para www.unmundodecine.com

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· Camille (Gregory Mackenzie, 2007)
· Celda 211 (Daniel Monzón, 2009)
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A continuación puede verse el tráiler de Shevernatze:

*Los redactores de Un Mundo de Cine informan de que esta página está bajo licencia de Creative Commons. La cita de partes de este artículo debe hacer constar: 1º) Autor: Antonio Fernández Munárriz, 2º) Fuente: www.unmundodecine.com, y 3º) incluir un enlace al artículo original. La reproducción total está PROHIBIDA y requiere autorización.

Stargate Universe (Serie de TV, 2009)

Stargate Universe

(SGU: Stargate Universe. USA, Serie de TV, 2009)

-Autor: José Luis Urraca Casal-

La serie de Ciencia Ficción del momento

[Este artículo está protegido por derechos de autor. Ver detalles al final del mismo] Dispónganse a vivir una experiencia tan ansiada como inesperada, a verse transportados a millones de años luz de la Tierra a través del espacio, ser situados en una gigantesca nave de tecnología tan fascinante como desconocida, e intentar sobrevivir y regresar de nuevo a casa. No tengan miedo, lo harán en compañía de un grupo de científicos, militares y civiles como ustedes, obligados a convivir y superar sus diferencias para enfrentar los problemas que se les plantean, esos que ponen a prueba duramente la naturaleza humana, revelando lo mejor y lo peor de nosotros. Este sábado noche en España en el Canal Antena Neox a las 22:00 horas comienza su emisión en castellano la serie Stargate Universe, el último proyecto de la franquicia surgida a raíz del film Stargate protagonizado por James Spader y Kurt Russell en 1994 bajo la dirección de Roland Emerich.
[Autor: José Luis Urraca Casal para www.unmundodecine.com]
Stargate Universe sin duda alguna es una firme candidata a ocupar el vacío dejado tras sus cuatro fructíferas temporadas en antena por Galáctica, estrella de combate, remake de la serie televisiva de la década de los años 80. De hecho esta nueva serie –que no es una secuela- de la franquicia Stargate tiene mucho que ver con Galáctica, pues sigue los pasos abiertos por ésta a la Ciencia Ficción, haciéndola accesible a todos los públicos, dado además que no resulta necesario haber visto las anteriores, pues su argumento parte de cero. Rodada en Canadá, en Estados Unidos se viene emitiendo desde el mes de octubre del año pasado por el Canal SyFy, dedicado por la NBC a la Ciencia Ficción.
[Este artículo es una creación original y está protegido por derechos de autor]

Una puerta a mundos desconocidos
[Este artículo está protegido por derechos de autor. Ver detalles al final del mismo]
Para situarnos, el punto de partida es el siguiente, la humanidad ha tenido conocimiento de la existencia de una evolucionada especie ancestral denominada “Los Antiguos” –nuestros antepasados- y de un elemento de su avanzada tecnología como son los stargate, concretamente el situado en un planeta donde La Tierra tiene una base. Para que nos entendamos, un stargate como su traducción al castellano indica es una puerta, una especie de agujero en el espacio que permitiría viajar a través del mismo comunicándose con otra puerta situada en la misma o en otras galaxias. El descubrimiento como puede suponerse es a todas luces de sumo interés, pero choca con el escollo de cómo descifrar el código formado por nueve símbolos para hacerle funcionar, asunto en el que trabaja afanosamente el ejercito y un grupo de científicos de Estados Unidos fallando en todos sus intentos.
[Autor: José Luis Urraca Casal para www.unmundodecine.com]
Ese grupo de militares y científicos forman el Proyecto Icarus destinado a conseguir abrir la puerta situada en el planeta P4X-351 y conocer qué hay al otro lado tras descifrarse el código. La operación cuenta con la visita de autoridades y civiles, pero cuando va a realizarse, el planeta y la base son atacados y el científico responsable, para escapar, en lugar de marcar la dirección de la Tierra opta por otro destino que los lleva a bordo de una gigantesca nave deshabitada a billones de kilómetros de distancia, tanto a quienes debían participar en la misión como a quienes no eran sino simples civiles.
[Este artículo es una creación original y está protegido por derechos de autor]
Ciencia Ficción para todos los públicos
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Al igual que ha conseguido realizar Galáctica, la serie responde al prototipo de una Ciencia Ficción que puede resultar del gusto –por los temas tratados- incluso de quienes no son especialmente aficionados a este género. La razón se encuentra en una puesta en escena creíble, una trama elaborada, entretenida y con misterios sin desvelar de por medio, donde se abordan temas de convivencia y supervivencia humana, social y política entre sus protagonistas, los cuales provocan tensiones entre sus miembros perdidos en el espacio. Así como ocurría en Galáctica, las tensiones entre el estamento militar y los civiles que viajan a bordo por hacerse con el control de la situación estarán presentes, polarizándose entre el Coronel Young y el Doctor Rush.
[Autor: José Luis Urraca Casal para www.unmundodecine.com]
Son precisamente estos dos personajes quienes marcan la diferencia y concentran el mayor interés interpretativo de la serie. El británico Robert Carlyle (The last enemy), quien se dio a conocer internacionalmente con las películas Trainspotting y Full Monty, compone aquí a un enigmático Doctor Rush, la mente sin duda más brillante de la expedición, maravillado y obsesionado por los misterios, el funcionamiento de la nave y la tecnología de los “Antiguos” hasta el punto de dejarnos, lo mismo que a sus compañeros, dudando sobre si comparte la prioridad de regresar a casa o si sus propósitos son realmente otros. Indefinición que junto a otros aspectos del personaje borda Carlyle, cuyos seguidores disfrutarán profundamente de su papel en esta serie.
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En frente tendrá al Coronel Young, interpretado por Justin Louis, un contrapunto sereno y con aplomo, que sume el control desde el primer momento con el objetivo de hacer regresar al grupo a la Tierra y que hace valer su autoridad a veces con brusquedad, con manu militari, componiendo una excelente réplica a la calidad interpretativa de Carlyle.
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La sangre joven la aportan un atlético Brian J. Smith (Hate crime) en el papel del teniente Scott, quien ante las circunstancias asume la tarea de convertirse en el brazo derecho del Coronel Young; y el actor David Blue (Moonlight) por el contrario como el “freakie” de los videojuegos y la informática Eli Wallace, cuya habilidad en un juego online le hará descubrir el código puesto por el gobierno en el mismo para activar el stargate (la puerta) y por ello será reclutado, haciéndole salir del hogar de su madre sin dejarse su buen humor. Ambos, Eli y Scott quedarán cautivados por los encantos de Cloe, la hija de un senador, licenciada por en Ciencias Políticas por la Universidad de Harvard, que asiste a la puesta en marcha del Stargate, personaje interpretado por la actriz Elyse Levesque (Smallville).
[Autor: José Luis Urraca Casal para www.unmundodecine.com]
Junto a ellos la paramédica militar Tamara Johansen (Alaina Fuman), el sargento Ronald Creer (Jamil Walker Smith) o Camille la representante gubernamental Wray (Ming-Na). El reparto incluye otras caras conocidas como Lou Diamond Phillips (La Bamba) en el papel del Coronel Telford, quien ha de comandar la misión, pero que en medio de la confusión finalmente se queda en tierra. Aunque a través de las "piedras comunicantes" tendrá presencia en la trama y sus buenos enfrentamientos con Young; o Richard Dean Anderson (MacGyver) quien protagonizase Stargate SG-1 y apareciese también en Stargate Atlantis, de nuevo en el papel de Jack O´Neill, un teniente general que participa en el proyecto Icarus
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Una nave en busca de destino
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A millones de años luz de la Tierra, lo que se impone de manera más inmediata a este grupo de militares, científicos y otros ciudadanos es sobrevivir, y buscar la manera de encontrar la manera de regresar a casa. Pero la Destiny, una gigantesca nave que surca el espacio y la que les transporta el Stargate, sufre numerosas averías en su funcionamiento.
[Autor: José Luis Urraca Casal para www.unmundodecine.com]
La nave fue diseñada por “Los Antiguos” hace verios millones de años, quienes previamente a iniciar su viaje enviaron naves automáticas para instalar stargates (puertas) en los diferentes planetas de su itinerario, para que una vez llegados a ellos la nave hiciera paradas para abastecerse. Sin embargo en el momento de emprender el viaje los Antiguos iniciaron la “ascensión”, se despojaron de sus cuerpos físicos y no necesitaron la nave, que ahora nuestros protagonistas se encuentran en el espacio prosiguiendo su viaje preprogramado.
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La serie nos familiarizará además de con los stargate, con los “kinos” una especie de cámara de vídeo robotizada que permite ser enviada para conocer el terreno, realizar labores de vigilancia o entrevistar a modo de diario personal a los pasajeros. A las “piedras comunicantes”, éste elemento también inventado por “Los Antiguos” permite a quienes viajan a bordo de la Destiny intercambiar sus cuerpos con personas en la Tierra a través del espacio de forma temporal. Este recurso permite a nuevos personajes aparecer a bordo de la nave, y a sus ocupantes, verlos regresar aunque sea por un instante a sus vidas anteriores, profundizando en la personalidad y conocimiento de los mismos, sobre todo durante los 10 primeros episodios, período de presentación de Stargarte Universe.
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El comienzo deja abierta muchas posibilidades a esta serie, el tiempo nos dirá cuales de ellas explora antes de finalizar su viaje. Por lo pronto parte de los seguidores de las anteriores entregas se han visto decepcionados, por haber adoptado sus creadores Robert C. Cooper y Brand Wright el rumbo de Galáctica o de la última entrega de Star Trek. Nosotros la recomendamos, no es Galáctica, pero ofrece igualmente un interesante viaje televisivo.
[Autor: José Luis Urraca Casal para www.unmundodecine.com]
Otros enlaces recomendados en Un Mundo de Cine:

· Star Trek XI (J.J. Abrams, 2009)
· Alien, el octavo pasajero (Ridley Scott, 1979)
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A continuación puede verse un tráiler de Stargate Universe:

*Los redactores de Un Mundo de Cine informan de que esta página está bajo licencia de Creative Commons. La cita de partes de este artículo debe hacer constar: 1º) Autor: José Luis Urraca Casal, 2º) Fuente: www.unmundodecine.com, y 3º) incluir un enlace al artículo original. La reproducción total está PROHIBIDA y requiere autorización.

Into the storm (Película, 2009)

Into the storm

(Into the storm: Churchill at war. USA, 2009)

70 Aniversario del nombramiento de W. Churchill

-Autor: José Luis Urraca Casal-

Nacido para liderar a su pueblo en su hora más difícil

[Este artículo está protegido por derechos de autor. Ver detalles al final del mismo] Hoy se cumplen exactamente 70 años desde que el 10 de mayo de 1940, Winston Churchill fuese llamado a formar gobierno como primer ministro de Gran Bretaña. En Un Mundo de Cine repasamos el telefilm Into the Storm producido por la HBO y la BBC -y que cuenta con Ridley y Tony Scott en la producción ejecutiva- el cual nos ofrece un apasionante y cautivador a la vez que edificativo retrato de uno de los hombres más emblemáticos del Siglo XX y del papel que éste representó como adalid de la lucha contra el nazismo en lo que fue uno de los momentos más dramáticos y decisivos de la historia reciente de la humanidad, la Segunda Guerra Mundial. Continuación independiente de Into the storm (2002), el film recibió 13 nominaciones en los premios Emmy del pasado año, recibiendo su protagonista, Brendan Gleeson el de mejor actor de televisión por su realista y humana interpretación del personaje.
[Autor del artículo: José Luis Urraca Casal. Licenciado en Historia]
Julio de 1945, la Segunda Guerra Mundial ha finalizado en Europa. El aún primer ministro Winston Churchill descansa por primera vez unos días junto a su mujer en la costa francesa de Hendaya, fuera del país que durante cinco largos años ha dirigido incansablemente en su lucha contra la amenaza de la Alemania nazi. Y allí, tomando un baño en las ahora tranquilas aguas del Golfo de Vizcaya, mientras aguarda en tensa espera los resultados de las elecciones que acaban de celebrarse y que decidirán su futuro, la mente de Winston viaja en el tiempo y rememora cómo empezó todo, cuando un turbulento 10 de mayo de 1940 fue nombrado Primer Ministro de Gran Bretaña para hacer frente a uno de los mayores desafíos de su Historia.
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La película Into the Storm (2009) –que vendría a traducirse por “En la tormenta”- retoma el pulso de la Historia prácticamente allí donde lo concluía –tan sólo unos meses más tarde- su precuela The Gathering Storm (2002), el film ya abordado por el profesor Gómez Ochoa en nuestra página www.unmundodecine.com. Si el primero de los mismos nos mostraba una apasionante semblanza de Winston Churchill en el Período de Entreguerras durante la década de 1930, en su incansable alerta del peligro, del que estaba profundamente convencido, que representaba la Alemania nazi de Adolf Hitler, Into the storm recorre los años entre 1940 y 1945, circunscribiéndose al tiempo en que se desarrolló el primero de sus mandatos como primer ministro de Gran Bretaña y que se corresponden con el desarrollo de la Segunda Guerra Mundial.
[Autor del artículo: José Luis Urraca Casal. Licenciado en Historia]
Ambos telefilms, producidos por la HBO en colaboración con la BBC, gozan de una gran calidad cinematográfica, y realizan una asombrosa semblanza del personaje histórico no exenta de los claroscuros inherentes al mismo. Si bien a esta segunda entrega puede achacársele escaso tiempo en sus 100 minutos de duración para abarcar unos años plagados de acontecimientos históricos, muchos de los cuales se echarán en falta, además de ser necesario tener en cuenta que la guerra se aborda desde la perspectiva concreta de Gran Bretaña y no incluye todos los teatros de operaciones. Por el contrario el personaje de Winston Churchill sí es abordado desde diversos ángulos, que incluyen además de los del político conservador y estadista que lideró al país durante la guerra, los de su vida más personal, estando dedicado gran parte del metraje a la relación con la que sin duda fue su más firme apoyo y leal compañera, su esposa Clementine. La labor del guionista Hugh Whitmore siete años después de escribir The gathering storm, ha tratado de retratar el período, y no de cubrir toda la guerra, captando la esencia del personaje, y en vista del resultado final, podemos concluir que ha sabido hacerlo con gran maestría. Aunque bien hubiera merecido un mayor desarrollo en formato de miniserie, tal y como la HBO ya hizo con John Adams (2008)… a quienes puedan quedarse con ganas de más, les queda el consuelo de que Ridley Scott -uno de los productores ejecutivos junto con su hermano Tony Scott- ha anunciado la intención de rodar la vida posterior de Churchill a la contienda en lo que sería una tercera entrega que cerraría la trilogía de uno de los personajes más emblemáticos del Siglo XX, profundizando más en la esencia del personaje y en su lucha contra la depresión que caracterizaría esos años.
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Su hora mejor
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La La mente de Winston Churchill nos remonta al 10 de mayo de 1940, aquella madrugada, los ejércitos alemanes iniciaban la invasión de Bélgica, Holanda y Luxemburgo. El primer ministro Neville Chamberlain había fracasado en su intento de formar un gobierno nacional de coalición con los laboristas, su política de apaciguamiento ante las ambiciones territoriales de Adolf Hitler, y posteriormente los fracasos durante los primeros meses de la guerra iniciada en 1939 le llevaban a presentar su dimisión. Dos hombres de su partido eran las opciones para sucederle, el Ministro de Asuntos Exteriores Lord Halifax, amigo personal del Rey y Winston Churchill, sobre quien finalmente recaería la elección.
[Autor del artículo: José Luis Urraca Casal. Licenciado en Historia]
El film nos muestra a partir de ese día la sucesión de los hechos que sobretodo durante los siguientes meses llevarían a Gran Bretaña a una situación crítica, y lo hace con efectividad a través de grandes y tensos momentos: la rápida e inesperada derrota y rendición de Francia, las reuniones y deliberaciones del gabinete para hacer frente a la situación, el aislamiento del ejército británico en la costa francesa y el milagro de Dunkerque, por el que se logró transportar por mar a 335.000 soldados en una insólita operación que reunió a todas las embarcaciones disponibles del país, o la posterior lucha que en los meses de agosto y septiembre se libró en los cielos británicos entre la RAF y la Lufwafe por la supremacía aérea, decisiva para la invasión alemana de la isla.
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Y a Breendan Gleeson lo vemos como un Winston Churchill que a sus casi 64 años despliega una actividad incansable, trabajando o dictando sus discursos a su secretaria, y pronunciándolos ante el Parlamento o dirigiéndoles a la nación a través de las ondas, logrando el film una concatenación de imágenes loable en el caso de aquel 4 de junio “…lucharemos en las playas, lucharemos en los lugares de aterrizaje, lucharemos en los campos y las calles, lucharemos en las colinas. Jamás nos rendiremos…”, alternando su intervención en el Parlamento, con el estudio de radio y los ciudadanos pendientes de sus palabras en pubs, fábricas, fábricas y hogares, fiel reflejo de cómo su elocuente oratoria fue crucial a la hora de mantener la moral de su pueblo. Pero lo que sobretodo realiza el film es una lectura de un Churchill inquebrantable, que rechaza cualquier tipo de negociación o pacto con Hitler, que habla sin tapujos –las guerras no se ganan con retiradas-, y que logra contagiar a su pueblo la necesidad de sacrificio antes de doblegarse ante la imparable maquinaria de guerra alemana y aquello que representa la victoria del nazismo.
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La relación con el presidente Franklin Delano Roosevelt y la necesidad de la ayuda estadounidense; algunas de las Conferencias entre los tres grandes (Roosevelt, Stalin y Churchill) como Teherán o Yalta; la guerra submarina en el Atlántico que privaba a Gran Bretaña de suministros; tensos debates, como el que tuvo lugar tras la pérdida inimaginable de Singapur… son otros de los momentos por los que atraviesa Into the storm. Sin eludir y contextualizar controvertidas decisiones como los bombardeos de las ciudades alemanas y más concretamente la destrucción de Dresde. En el plano de las ausencias, las victorias del norte de África –se pone fundamentalmente el acento en los reveses, hasta que llega el Día D- o la Conferencia de Postdam de 1945, donde conoció realmente su derrota electoral, y no en sus vacaciones en Hendaya, como hace ver el film. Añadido al exiguo trasfondo de lo tratado –apenas unas pinceladas- en esas conferencias donde se decidiría el mundo de la posguerra, con decisiones cruciales, como dejar Polonia en manos de los soviéticos, algo que Churchill no pudo evitar.
[Autor del artículo: José Luis Urraca Casal. Licenciado en Historia]
Into the storm también nos muestra y permite conocer –con limitaciones- a algunos de los principales colaboradores del primer ministro y de las personas con las que mantuvo una estrecha relación, destacando la ausencia de quien su fuera su delfín y ministro de Asuntos Exteriores, Anthony Eden. Así en su equipo más cercano, el general Ismay (Robert Pugh), su secretario privado Jock Colville (James D’Arcy), el capitán Pim (Terrence Hardiman), su ayuda de cámara Sawyers (Adrian Scarborough) o su médico, el doctor Moran (Michael Elwyn). En el plano de su gabinete, inicialmente Lord Halifax (Donald Sumpter) y el líder laborista Clement Atlee (Bill Paterson) muy bien caracterizado y con importante presencia en la película. En el terreno militar, el general del aire Arthur Bomber Harris (Michael Pennington), el general Alan Brooke (Geoffrey Kirkness) o el mismísimo General Montgomery (Patrick Malahide), aunque sólo en una escena referente a la defensa de la costa sureste de Gran Bretaña en 1940. Importante papel y no menos importantes escenas la de Iain Glen como el Rey Jorge VI, la excelente caracterización de Aleksei Petrenko como Josef Stalin o la de Len Cariou como el presidente Roosevelt.
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Luces y sombras del león
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Y a ese Winston Churchill interrogando por dónde está su siesta en la apretada agenda de su primer día como premier británico; subiendo a la azotea del edificio para contemplar el bombardeo de Londres desafiando el peligro mientras los demás bajan al refugio; acudiendo a visitar a los pilotos un aeródromo; imponer –emotiva y singular escena- la Cruz Victoria a un piloto herido, el guión no oculta su temperamento impulsivo y visceral en su actuación, ni su conservadurismo –no cree en el Estado de Bienestar que propugnan los laboristas, y a veces descarga su mal humor en su ayuda de cámara (porque al valet no le importa, al ser un sirviente, piensa él)-, retratándole como un hombre que había nacido destinado para librar esa batalla guiando a su amada Inglaterra y al Imperio Británico, pero que de acuerdo se vislumbra el final de la misma, va perdiendo el interés por los temas ordinarios de tiempos de paz, y ese mismo espíritu indómito, beligerante, confiado y personal suyo que ha resultado se tan crucial, se vuelve entonces contra si mismo.
[Autor del artículo: José Luis Urraca Casal. Licenciado en Historia]
Un hombre igualmente vulnerable, que nunca ha viajado –como cuenta su esposa- en autobús, y que cuando una sola vez lo hizo en el metro –durante la huelga general de 1926- tuvo finalmente que pedir ayuda porque no sabía dónde tenía que bajarse; que no recibió la atención y el cariño suficientes por parte de sus padres; que acostumbra a recordar experiencias de su dilatada vida – en 1895 estuvo presente como corresponsal en la Guerra de Cuba, participó a los 23 años en la batalla de Omdurman (1898), combatió en Sudáfrica contra los boers, se convirtió en diputado a los 25 años, ministro a los 31, primer Lord del Almirantazgo durante la I Guerra Mundial, dirigió la lucha contra el IRA…-, cuya salud se resiente y que en ocasiones, en privado, se ve angustiado y pesaroso, lo que muestra indicios de su lucha contra la depresión años más tarde.
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Y esa faceta igualmente humana del personaje se pone especialmente de relieve a través de las escenas que comparte con su mujer Clemmie (interpretada por Janet McTeer) vivo ejemplo de esa tarea muchas veces olvidada del importante papel que juegan las a veces sacrificadas y sufridas mujeres de los grandes hombres, y que en este caso se nos muestra como su mejor confidente y protectora, así como quien mejor le conoce. Es en ausencia de los flashback que nos transportan al inmediato pasado de la guerra, junto a Clementine en esos días de descanso soleados en la costa francesa, el recurso que el director Thaddeus Sullivan utiliza para despojarse del mito épico y mostrarnos a un hombre.

Autor: José Luis Urraca Casal. Licenciado en Historia por la Universidad de Cantabria. Para www.unmundodecine.com

Otros enlaces recomendados en Un Mundo de Cine:

· The gathering storm (2002)
· Max Manus (2009)
· La vida manda (1944)
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A continuación puede verse el tráiler de Into the storm (2009):

*Los redactores de Un Mundo de Cine informan de que esta página está bajo licencia de Creative Commons. La cita de partes de este artículo debe hacer constar: 1º) Autor: José Luis Urraca Casal, 2º) Fuente: www.unmundodecine.com, y 3º) incluir un enlace al artículo original. La reproducción total está PROHIBIDA y requiere autorización.

Nowhere boy (Película, 2009)

Nowhere boy

(Nowhere boy. Gran Bretaña/Canadá, 2009)

-Autor: José Luis Urraca Casal-

La adolescencia que marcó a John Lennon

[Este artículo está protegido por derechos de autor. Ver detalles al final del mismo] El mundo le conoció siendo uno de los cantantes más emblemáticos del siglo XX. Habiendo formado parte del grupo quizás más famoso, el cuarteto de Liverpool, sus canciones todavía conectan plenamente con los amantes de la música y de las palabras de este joven rebelde llamado John Lennon de cuyo asesinato justamente este año se cumplen tres décadas. Pero ¿conocen al John Lennon adolescente? ¿Aquel que creció en ausencia de sus padres? ¿El origen de aquella canción llamada Mother dedicada a su madre? Pues hoy en Un Mundo de Cine cerramos nuestro ciclo dedicado al pasado de Gran Bretaña mediante el biopic Nowhere boy, fiel recreación de una época, la de mediados de los años 50 y la vida de un joven rebelde que comenzó a dar sus primeros pasos en el mundo de la música con grupos como The Quarrymen.
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Si esperan ver la historia de Los Beatles, ésta no es su película, Nowhere boy, primer largometraje de la directora Sam Taylor-Wood estrenado a finales del año pasado, no recoge esa etapa de la vida de John Lennon, ni siquiera llega a mencionar el nombre, pero no por ello deja de resultar sumamente interesante. Realizada con un gran esmero y cuidado a la hora de recrear el Liverpool de mediados de la década de 1950 –uno se siente realmente trasladado al momento- el film recoge apenas tres años en la vida de Lennon, partiendo de 1955, cuando tenía 14 años, y se centra en su vida familiar, estableciendo el guión de Matt Greenhalgh a través de ese breve período de tiempo, cómo estos años y las personas que lo amaron -junto el resto de lo que había sido su infancia- condicionarían y forjarían el carácter rebelde y el inicio musical del personaje, a modo de drama psicológico.
[Autor del artículo: José Luis Urraca Casal. Licenciado en Historia]

“Madre tú me tuviste a mí, pero yo nunca te tuve a ti”
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La acción nos traslada a Liverpool, al hogar de los tíos de un John Lennon (Aaron Johnson) de 14 años que vive en feliz armonía, siendo especial el cariño que le dispensa su tío George, a quien está muy unido, mientras que a su tía Mimy (Kristin Scott Thomas), la película nos la presenta más fría y reservada. Sin embargo la paz familiar se rompe ante el repentino fallecimiento de George, entrando en escena durante su funeral la tía Julia (Anne-Marie Duff), quien en realidad es su madre, con quien inicia una estrecha relación, debatiéndose John a partir de entonces entre el amor de las dos hermanas. Si la primera decíamos que era el prototipo de mujer de orden de la época, la segunda es mucho más extrovertida, con un carácter alegre, apasionada de la vida, de la música y del baile, sobretodo de los nuevos ritmos como el Rock & Roll, el cual inculcaría en su hijo. Pero al mismo tiempo es una mujer frágil, cuya principal debilidad en palabras del personaje de Kristin Scott Thomas es que nunca ha sabido vivir sin la compañía de un hombre.
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El film no nos lo revela hasta su recta final, por lo que si alguien quiere guardar la incógnita, no ha de seguir leyendo. El hecho es que John Lennon nació durante un bombardeo de Londres en la II Guerra Mundial, y su padre, para evitar ser enrolado en el ejército, decidió embarcarse en un mercante con destino a Australia. Cuando John tenía 5 años, su cuidado pasaron a ejercerlo sus tíos, pues Julia, su madre, iniciaría entonces una nueva relación y el suponía un inconveniente en su nuevo hogar. Por ello, y aunque Julia continuaría visitándole, fue la hermana de ésta, Mary, apodada Mimy, quien pasó a ejercer el rol materno. La relación reemprendida a los 14 años, aunque intensa y no exenta de altibajos, tendría un trágico y rápido final cuando en 1957 Julia fue atropellada por un policía ebrio, causándole la muerte. Tiempo más tarde Lennon compondría la canción Mother (Madre), en recuerdo de su madre, con la que se cierra la película.
[Autor del artículo: José Luis Urraca Casal. Licenciado en Historia]
Primeros pasos musicales y The Quarrymen
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Pero también veremos en el film a un Lennon díscolo, con inequívoco éxito entre sus jóvenes compañeras de instituto, con poca responsabilidad con sus estudios, dado a realizar caricaturas en el aula, escapándose de sus horas de clase, viajando sobre el techo de un autobús… pero también un joven con liderazgo entre sus amigos, que comienza a experimentar sus gustos musicales en una época en que cantantes como Elvis Presley, Jerry Lee Lewis y el Rock & Roll comenzaban a abrirse paso desde el otro lado del océano.
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Excelentes interpretaciones
[Autor del artículo: José Luis Urraca Casal. Licenciado en Historia]
Aunque el joven actor de 19 años Aaron Johnson es de figura bastante más atlética y atractiva que el propio Lennon –aspecto subrayado por la directora, con quien inició una relación que les ha llevado a estar prometidos-, y su semblante no sea el mismo, su actuación es meritoria en relación a la pose y los gestos del personaje, así como en lo referente a su personalidad. Pero quienes verdaderamente despuntan dentro de éste drama son la veterana actriz Kristin Scott Thomas (El paciente inglés, 1997), dando lecciones de maestría en su interpretación de la tía Mimy, y otra actriz conocida sobretodo gracias a la serie Shameless como es Anne-Marie Duff. Por otro lado tenemos a Thomas Sangster (el joven ayudante del barbero Pirelli en Sweeney Todd y el diabólico barbero de la calle Fleet, 2007), en el papel de un jovencísimo y repeinado Paul McCartney -15 años en el momento de conocer a Lennon-.

---Este artículo continuará mañana---

Autor: José Luis Urraca Casal. Licenciado en Historia por la Universidad de Cantabria. Para www.unmundodecine.com

Otros enlaces recomendados en Un Mundo de Cine:

· La soledad del corredor de fondo (1962)
· El Club de los emperadores (2002)
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A continuación puede verse el tráiler de Nowhere boy:

*Los redactores de Un Mundo de Cine informan de que esta página está bajo licencia de Creative Commons. La cita de partes de este artículo debe hacer constar: 1º) Autor: José Luis Urraca Casal, 2º) Fuente: www.unmundodecine.com, y 3º) incluir un enlace al artículo original. La reproducción total está PROHIBIDA y requiere autorización.