Un amor por ocultar (Película, 2005)

Un amor por ocultar

(Un amour a taire. Francia, 2005)

-Autor: José Luis Urraca Casal*-

Lección de historia y de amor en la Francia de Vichy

[Este artículo está protegido por derechos de autor. Ver detalles al final del mismo] En una semana en la que se ha cumplido el 70 aniversario de la firma del Armisticio que ponía fin a las hostilidades entre Francia y Alemania a los pocos meses de iniciada la Segunda Guerra Mundial y en el Día Internacional contra la Tortura, en Un Mundo de Cine optamos por rescatar Un amor por ocultar, del francés Christian Faure. Película ambientada en la Francia ocupada de los tiempos de Vichy, que permite rescatar del olvido el cruel destino que les deparó a los homosexuales el Tercer Reich y el régimen colaboracionista del país galo dentro de una buena, dura y a la vez bella historia de cine perfectamente ensamblada, donde quedan impresos aspectos como el amor y el oportunismo en tiempos adversos, con un enfoque lleno de matices alejado del simplismo que nos permitirá conocer mejor este oscuro período de la Historia.
[Autor del artículo: José Luis Urraca Casal. Licenciado en Historia]
El pasado 22 de junio, se cumplían 70 años de la firma del armisticio por el cual Francia quedaba bajo el orbe del Tercer Reich, un hecho luctuoso inflingido al honor francés buscado como salida por las autoridades galas a las pocas semanas de que la Wehrmacht arrollara literalmente a sus ejércitos. El principal resultado, un país dividido al norte y en la costa atlántica, bajo ocupación alemana, y una zona libre al sur del Loira con capital en Vichy, aunque su soberanía se extendiese a toda Francia.

La película Un amour a taire nos sitúa en París, 1942, año en el que el régimen de Vichy ha comenzado en el verano a realizar deportaciones de judíos a los campos de concentración alemanes. La primera imagen nos muestra a una joven judía, Sara (Louise Monot), huyendo de lo que se ha convertido en una trampa mortal para su familia, traicionada por quienes a cambio de dinero prometieron hacerles llegar a la costa para escapar a Inglaterra. Su refugio, la única persona que conoce en París, Jean (Jérémie Renier) un lejano amigo de infancia por el que conserva su amor y al que acude en busca de ayuda. Sin embargo lo que desconoce es que Jean es homosexual y mantiene una relación oculta con Philippe (Bruno Todeschini) miembro de la resistencia.
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El film dirigido por Christian Faure (Juste une question d’am our, 2000) realiza una notoria ambientación del período tanto en sus aspectos más puramente estéticos, como en lo referente al diverso comportamiento de los franceses a lo largo de los años de ocupación. Así los diferentes personajes, con la salvedad de alguna excepción como el perfecto villano inspector de policía Breton (Olivier Sladin), nos son presentados con múltiples aristas en la caracterización de sus respectivas personalidades y motivaciones, alejándose el film en este sentido de la simplista división en blanco y negro. La familia de Jean regenta la lavandería Lavandier, donde vemos a un padre que cree en los valores nacionales impulsados por la nueva Francia que encarna el venerable Mariscal Petain, y que no duda en colgar en el escaparate de su tienda el cartel de “No judíos” porque es lo único que puede hacerse “es esto o cerrar” . Mientras que Jacques (Nicolas Gob), el hermano de Jean, suministra las direcciones de los clientes hebreos que no recogen su ropa (sinónimo de que han sido enviados a campos de concentración) a un corrupto oficial de policía para saquear sus casas, y una de las dependientas aprovecha las circunstancias para vestir sus prendas.
[Autor del artículo: José Luis Urraca Casal. Licenciado en Historia]
Conmovedora pero sin sentimentalismo
[Autor: José Luis Urraca Casal para www.unmundodecine.com]
Mientras, la pareja formada por Jean y Philippe se arriesga dando cobijo a Sarah, a la que proveen de una nueva identidad convirtiéndola en Yvonne. En esa primera parte el film proporciona momentos de asueto y felicidad entre los protagonistas, destacando las escenas en las que salen a pasear libremente en bicicleta por el campo. También han de incluirse en este aspecto las reflexiones de Jean a Sarah sobre cómo fue asumiendo su condición de homosexual, y su amor por Philippe. Pero bajo el régimen de ocupación, la espada de Damocles pende sobre todos ellos por ser diferentes, y poco a poco se irán tejiendo los mimbres de la tragedia cuando su hermano Jacques sea liberado de la cárcel y quede prendado de Yvonne. Los celos frente a su hermano mayor, a quien su padre anuncia que dejará el negocio familiar, se ven además acrecentados cuando descubre que es homosexual, lo que acaba con su imagen de hijo perfecto, llevando a Jacques a cometer un pequeño e irresponsable ajuste de cuentas de repercusiones totalmente inesperadas.
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En la segunda parte del film, la cual atrapará sin duda al espectador ante la sucesión de acontecimientos, Un amour a taire nos muestra por un lado la dureza del destino de Jean y por otro el comportamiento de su familia durante su ausencia, tratado con una gran madurez fílmica exenta de sentimentalismo que tocará sin embargo las fibras más sensibles del espectador hasta la misma escena final que nos traslada al presente.
[Autor del artículo: José Luis Urraca Casal. Licenciado en Historia]
Quien tenga la oportunidad de ver Un amor por ocultar, asistirá a un guión que entreteje múltiples aspectos de la condición humana, podrá hallar la historia conmovedora de las relaciones de aceptación y rechazo entre unos padres y sus hijos, las de dos hermanos unidos por el amor y separados por los celos, la de dos amantes que han de ocultar ante los demás lo que sienten el uno por el otro, y la de un amor platónico de infancia no correspondido.
[Autor: José Luis Urraca Casal para www.unmundodecine.com]
Pero donde destaca es tanto en la semblanza de esa Francia de Vichy, donde algunos se aprovechan de las circunstancias para enriquecerse colaborando con los nazis, y otros no dudan en desafiar esas mismas adversas vicisitudes. Y en el rescate de algo escasamente tratado por el cine y la historia, el destino que corrieron los homosexuales, aspecto eclipsado hasta hoy por el holocausto judío.
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La suerte de los homosexuales en la Europa del Tercer Reich
[Autor del artículo: José Luis Urraca Casal. Licenciado en Historia]
En 1933 tras un período de libertad coincidente con la República de Weimar, con la llegada de los nazis al poder Alemania había comenzado a enviar a prisión a los homosexuales en función de la aplicación del artículo 175 de su código penal –artículo que ha dado título a la película documental Paragraph 175 (2000)- que castigaba los actos sexuales de carácter homosexual. Una vez iniciada la guerra esta práctica de limpieza racial de lo que se consideraba una epidemia, lo más bajo de la especie humana, fue extendida por los alemanes a los países ocupados. Eran enviados a campos de concentración, donde habían de portar un triángulo rosa, como el que vemos al ciudadano de Alsacia con el que compartirá cautiverio en la película el personaje de Jean.
[Autor: José Luis Urraca Casal para www.unmundodecine.com]
La colaboración de la Francia de Vichy con el régimen nazi en lo que se refiere a la deportación de judíos hacia los campos de concentración alemanes ha sido un tema silenciado durante décadas, calculándose en 74.000 el número de personas que corrieron esta suerte, de los que apenas sobrevivirían unos pocos miles. Su detención fue obra de la gendarmería francesa, y se unió a la de gitanos, gaullistas, comunistas, activistas de izquierda, republicanos españoles y homosexuales. Respecto a estos últimos existían en poder de la policía listas de ciudadanos homosexuales o sospechosos de serlo –cuando Jean está en comisaría aparece fichado en una de ellas-.
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Fueron deportados a campos de concentración donde les esperaban las peores condiciones y trato dispensados a los reclusos, llegando a ser su mortalidad el doble que la del resto. Flossenbürg (el campo que aparece en el film) era conocido sobretodo por la cantera de granito en la que se destinaba a los homosexuales a realizar trabajos forzados con el fin de reeducarlos. En otros como Dachau –el cual no se nos muestra sino el resultado de su paso por el mismo- se llevaron a cabo todo tipo de torturas y salvajes experimentos para reconducirlos. Se calcula que de unos 100.000 reclusos detenidos por homosexuales perecieron en los campos entre 5.000 y 15.000, aunque tampoco hay acuerdo en las cifras, ya que los nazis destruyeron gran parte de la documentación referente a los mismos.
[Autor del artículo: José Luis Urraca Casal. Licenciado en Historia]
Tras la finalización de la guerra, los presos homosexuales en Alemania siguieron cumpliendo sus condenas, pues el artículo 175 no sería abolido hasta 1969, y tampoco se les reconocería la condición de víctimas del nazismo. No sería hasta el reciente año 2000 cuando el gobierno alemán pidió disculpas por las torturas inflingidas a los deportados homosexuales y un año más tarde, el primer ministro francés, Lionel Jospin reconoció la persecución ejercida sobre ellos durante la Segunda Guerra Mundial. Demasiado tiempo de espera, como se nos recuerda en la emotiva escena final con que concluye Un amor por ocultar.

Autor: José Luis Urraca Casal. Licenciado en Historia por la Universidad de Cantabria. Para www.unmundodecine.com

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· Cabaret (Bob Fosse, 1972)
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A continuación puede verse un tráiler de Un amor por ocultar:

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El apartamento (Película, Billy Wilder, 1960)

EL APARTAMENTO

(The apartment. USA, Billy Wilder, 1960)

50 Aniversario

-Autor: Fernando Rodríguez Laso-

La historia de un arribista en busca de su dignidad

[Este artículo está protegido por derechos de autor. Ver detalles al final del mismo] Medio siglo ha transcurrido ya desde el estreno de la para muchos mejor película del genio de Hollywood, Billy Wilder. Una historia en apariencia sencilla pero con un contenido emocional que logra conectar con la mayor parte del público. Se encuentra en el centro temporal de la carrera cinematográfica de Billy Wilder y posiblemente es en la que consigue la armonía perfecta entre comedia y drama que siempre buscó.
[Autor del artículo: Fernando Rodríguez Laso. Licenciado en Historia]
El inicio de la década de 1960 representó un cambió en el cine de Hollywood, los grandes géneros clásicos empezaron a sufrir cambios debido sobre todo a la irrupción del cine de autor que se contraponían a la idea de “películas de estudio”. El Apartamento fue creada en un tiempo en el que empezaban ahora a poder ser protagonistas de las historias personajes más marginales, que no siempre tenían éxito y cuyas motivaciones podrían no ser tan honorables como nos gustarían.
[Autor: Fernando Rodríguez Laso para www.unmundodecine.com]
La idea de escribir la historia de El Apartamento la tuvo Wilder mientras veía la película de David Lean, Breve Encuentro, en ella los personajes de Trevor Howard y Celia Johnson mantienen encuentros amorosos en el domicilio de un amigo del personaje de Howard. Wilder pensó que sería interesante contar la historia del hombre que cuando llega a casa y se acuesta en la cama todavía nota tibias las sabanas debido al uso anterior que han estado realizando sus amigos.
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Wilder en compañía de I.A.L. Diamond escribieron entonces la historia de un oficinista, C.C. Buster, que cede a sus jefes la llave de su apartamento para que mantengan sus affaires amorosos. En principio no tenemos claro si el oficinista, enamorado de la ascensorista, cede la llave por que cree que le servirá para ascender en la empresa o porque no tiene valor para negarse a hacerlo.
[Autor del artículo: Fernando Rodríguez Laso. Licenciado en Historia]
La parte más importante de la película arranca cuando el director de la empresa, el señor Sheldrake, se entera de lo que acontece en el apartamento de C.C.Buster y le pide también la llave para llevar a Fran, la ascensorista de la que está enamorada Buster, al regresar éste a su apartamento se la encuentra desmayada por haber ingerido una ingente cantidad de somníferos con la intención de acabar con su vida. Inician entonces ambos una relación en la que reconstruyen su alma rota.
[Autor: Fernando Rodríguez Laso para www.unmundodecine.com]
Los inquilinos del Apartamento
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El protagonista de la cinta es Jack Lemon, en su segunda colaboración de siete, con Billy Wilder, tras haber trabajado el año anterior juntos en Con faldas y a lo loco, y con un personaje casi idéntico del que más tarde interpretaría en En Bandeja de Plata. Lemon representaba a la perfección el prototipo de americano medio con un toque cómico que siempre buscaba Wilder y que intentó encontrar en Tom Ewell, cinco años antes en La tentación vive arriba, o Ray Walston cuatro años más tarde en Bésame tonto.
[Autor del artículo: Fernando Rodríguez Laso. Licenciado en Historia]
Jack Lemon puede que haya sido uno de los mejores actores de la historia, era bueno haciendo llorar, pero sobre todo era grandioso en el registro más difícil, haciendo reír, y sin tener que recurrir a hacer gestos o payasadas. Aquí vemos a un autentico pardillo, un oficinista nervioso sin personalidad ni dignidad, una persona bastante patética que ya ni se plantea la inmoralidad de sus actos, un personaje que despreciaríamos en cualquier otra historia pero que aquí nos resulta entrañable y al que le deseamos tenga éxito.
[Autor: Fernando Rodríguez Laso para www.unmundodecine.com]
La ascensorista es la bella Shirley MacLaine, una actriz que nunca ha basado su éxito ni en un físico espectacular ni en una belleza sin igual, sino en una actitud extrovertida. MacLaine aquí interpreta a una mujer de frágil personalidad que parece sentir algo hacia Buster pero parece presa de su relación tortuosa con el director de la empresa. Está fue la primera colaboración entre la actriz y Wilder, que volvieron a repetirla tres años más tarde, esta vez dándole un papel mucho más protagonista y volviéndola a emparejar con Jack Lemon en Irma la Dulce.
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Los protagonistas son dos almas que sabemos tienen un trasfondo positivo pero cuyas motivaciones no lo son tanto.

El contrapunto cruel que supone el director de la compañía de seguros interpretado por Fred MacMurray en un personaje que pasa de tener un aspecto inicial positivo a un carácter totalmente negativo, como ya hiciera en El motín del Caine. MacMurray había colaborado anteriormente con Wilder en la obra maestra, Perdición, (1943) la película por la que pasó a la historia del cine, antes de eso ya ejercía de galán de Hollywood compartiendo cartel con las principales estrellas femeninas. En los años 50 ya había entrando en un bajón de popularidad hasta que Wilder le rescató para trabajar en la que posiblemente fue su última gran película. Aquí el personaje acaba ganándose el mayor de los desprecios del público con actitudes como la de seguir “engañando” a la amante mientras celebra la Navidad con su mujer e hijos en su casa.
[Autor del artículo: Fernando Rodríguez Laso. Licenciado en Historia]
Algunos de los secundarios que aparecen son actores recurrentes en las comedias de Wilder como Hope Holiday, Joan Shawlee o Ray Walston, que más tarde fue protagonista de Bésame tonto.
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El genio llegado de Europa
[Autor: Fernando Rodríguez Laso para www.unmundodecine.com]
Pero sin dudas quien más merece ser destacado por esta película es Billy Wilder. El austriaco que empezó a dirigir películas porque no soportaba como los directores destrozaban sus guiones. Genial tanto escribiendo obras de cine negro junto a Charles Brackett como comedias junto a I.A.L. Diamond, género en el que fue especialmente profuso a partir de los años 50. Sus películas son a menudo reflexiones sobre la propia condición humana tanto si las trata desde el realismo más desgarrador (Días sin huella, El gran carnaval, El crepúsculo de los Dioses) como si los trata desde la comedia ligera (La tentación vive arriba, Bésame Tonto). Es el creador de algunas de las escenas más famosas de toda la historia del cine como el descenso de la escalera de El crepúsculo de los Dioses o Marilyn Monroe sobre una boca de ventilación del metro en La tentación vive arriba.
[Autor del artículo: Fernando Rodríguez Laso. Licenciado en Historia]
Los personajes de Billy Wilder siempre suelen estar representando un papel del que no son capaces de salirse, como Norma Desmond en El crepúsculo de los Dioses o Fedora que hacen el de Gran estrella del cine, o Tony Curtis y Jack Lemon en Con faldas y a lo loco haciendo de mujeres, Jack Lemon como falso enfermo en En bandeja de Plata, Kim Novack de falsa esposa en Bésame Tonto, Jack Lemon de Señor X en Irma la Dulce, y así siguen los ejemplos. Aquí el personaje de Lemon, Buster realiza el papel de arribista sin escrúpulos que intenta avanzar en la escala social, pero en el fondo no es más que un oficinista que no tiene valor para negarles favores a sus jefes.
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La influencia más clara que tuvo Wilder fue Ernst Lubitsch con el toque sutil y elegante para la comedia, con Lubitsch llegó a colaborar en dos películas: Ninotska y La octava mujer de barba azul. A pesar de esta gran influencia su cine no carece tampoco de la fuerza que tenía el de Erich von Stroheim al que incorpora en dos de sus películas y homenajea sin reparos en El crepúsculo de los dioses.
[Autor: Fernando Rodríguez Laso para www.unmundodecine.com]
Un cuento de hadas sucio
[Autor del artículo: Fernando Rodríguez Laso. Licenciado en Historia]
Es tal vez la película que mejor ha tratado el tema de la dignidad, el gris oficinista que cede la llave de su apartamento a sus superiores con la esperanza de ascender en su empresa, pero que sabemos es desgraciado y que incluso ha pensado alguna vez en el suicidio. Destaca sobre todo una de las escenas finales en las que acaba de recuperar su dignidad y aunque debería sufrir dolor debido al castigo físico, él por fin se encuentra bien, no le duele nada, por primera vez en mucho tiempo por dentro ya no siente dolor.
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Este mismo tema fue tratado por Wilder posteriormente en la película En bandeja de Plata, con un enfoque aún más cómico, y en el que esta vez no es el amor lo que le hace al protagonista recuperar su dignidad, sino la amistad.
[Autor: Fernando Rodríguez Laso para www.unmundodecine.com]
El Apartamento es también una historia de amor pero ciertamente atípica, no se trata de una corriente historia de enamoramiento, sino que los personajes se apoyan el uno en el otro, además no hay nunca un beso de amor entre los protagonistas para sellar su amor, lo único que tenemos es una baraja de cartas.
[Autor del artículo: Fernando Rodríguez Laso. Licenciado en Historia]
El estreno de la película fue controvertido, si bien todo el mundo reconoció la maestría no todo el mundo quedó encantado y recibió críticas auténticamente enfrentadas. Aunque funciona como comedia se notaba que había algo “sucio” en ella, incluso hubo quien indicó que él éxito de la película indicaba la degeneración del público.
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Sorprendentemente fue premiada con el premio Oscar a Mejor Película además de otros cuatro, unos premios que suelen ser mucho más convencionales en sus fallos.

Autor: Fernando Rodríguez Laso. Licenciado en Historia por la Universidad de Cantabria. Para www.unmundodecine.com

Otros enlaces recomendados en Un Mundo de Cine:

· Breve Encuentro (David Lean, 1945)
· La rosa púrpura de El Cairo (Woody Allen, 1985)
· Shevernatze (Pablo Palazón, 2007)
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A continuación puede verse el tráiler de El Apartamento:

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Percy Jackson y el ladrón del rayo (Película, 2010)

Percy Jackson y el ladrón del rayo

(Percy Jackson & the Olimpians: The lightning Thief. USA, 2010)

-Autor: Antonio Fernández Munárriz-

El mito de Perseo para los más pequeños

[Este artículo está protegido por derechos de autor. Ver detalles al final del mismo] Aunque Un Mundo de Cine no es una web especializada en el cine infantil lo ha tratado en algunas ocasiones, sirva como botón de muestra del album cinematográfico de esta web la serie “Aaron Stone", el film "Un puente hacia Terabithia" y el especial 50 películas de Navidad. Hoy os vamos a hablar de Percy Jackson y el ladrón del rayo, película dirigida por Chris Columbus y estrenada recientemente en las salas de cine. Tiene como telón de fondo la mitología griega y está basada en la obra literaria de Rick Riordan, con un adolescente de la ciudad de Nueva York como protagonista, en una versión actualizada del mito de Perseo.
Autor: Antonio Fernández Munárriz. Para www.unmundodecine.com
Si en vuestra casa hay niños y os acercáis por una librería para que sus curiosas mentes se vayan acostumbrando a la lectura os podéis encontrar con una saga de libros cuyo autor es Rick Riordan. Este novelista aprovecha la ya inventada y conocida mitología griega para dar forma a unas aventuras de un niño de 12 años. La desventaja respecto a Harry Potter, que es el referente actual en literatura infantil, está en el nulo aprovechamiento comercial vía merchandising que genera, para él claro; porque este factor es positivo para las familias.

A los pequeños lectores a través de los datos e historias relacionados con la mitología griega les servirá para entender a descifrar esculturas, cuadros, arquitectura, literatura, etc., que con el paso del tiempo irán descubriendo en su formación escolar.
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La película está dirigida por Chris Columbus. La elección del director nos da una pista de la intención de comenzar el relevo a Harry Potter. Ha dirigido dos películas de Harry Potter y es un autentico experto en cine infantil desde su pasado como guionista de “Los Gremlins”.
Autor: Antonio Fernández Munárriz. Para www.unmundodecine.com
La diferencia con los libros radica en la elección de los actores y su caracterización. Frente al niño de 12 años del libro, los actores están caracterizados con no menos de 16; aunque según avanza la película no bajan de 18. Es el problema de intentar ganar en taquilla al público adolescente sin perder al infantil. Dura 118 minutos y ha sido estrenada en el 2010.
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Un reparto encabezado por Logan Lerman
[Este artículo es una creación original y está protegido por derechos de autor]
Logan Lerman es Percy Jackson. Os sonará de la serie “Jack y Bobby”. Si le queréis ver en otro papel de cierta enjundia, lo podéis hacer en la película “El tren de las 3:10” como el valeroso hijo de Christian Bale. Su compañera de aventuras es Alexandra Daddario en el papel de Annabeth, la hija de Atenea. Viene de la televisión, en donde ha participado en “Los Soprano”, “Ley y Orden” y otras series. En pantalla grande la podéis ver en “Una historia de Brooklyn”.
Autor: Antonio Fernández Munárriz. Para www.unmundodecine.com
El “Sancho Panza” de la historia lo interpreta Brandon T. Jackson en el papel de Grover Underwood; el sátiro, protector y escudero del protagonista. Al igual que Alexandra viene de la televisión y multitud de series.
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Respecto a los actores consagrados que participan en la aventura, Pierce Brosnan (007) es Quirón (007) y la otra veterana que interpreta a Gorgona es Uma Thurman, imprescindible en el cine de Tarantino. También podemos ver a Sean Bean (El señor de los Anillos, Juego de Tronos) como Zeus.
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Ninguno de los intérpretes destaca y hacen de su papel el eje de la película, pero forman un buen equipo que se complementa y da valor a una historia disparatada.
Autor: Antonio Fernández Munárriz. Para www.unmundodecin

e.com
Valores de igualdad, respeto y convivencia
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La película evoca e incide en las consignas de igualdad, respeto y convivencia. Proyecta ideales de futuro y fe en el mañana. Trata sobre la condición humana afianzada en el orgullo por mejorar las vidas de los demás desde una óptica infantil que cohabita con un hilo de madurez. No hay nada mejor para comprobar que los niños disfrutan con esta película que ir un sábado por la tarde al cine. Tras el alborozo, gritos y sonidos de bolsas con chuches poco a poco se va quedando la sala callada.
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El protagonista es un adolescente con dislexia e hiperactivo que no se siente a gusto en clase. Proviene de una familia desestructurada y pobre. Su padrastro ni le quiere ni le valora. Es un bruto que maltrata a su mujer, la madre de Percy. Percy se enfrenta a él por defender a su madre. Esto es lo que marca su vida. Por su madre es capaz de arriesgar la suya. Forma parte de los invisibles, de quienes en la sociedad de la opulencia rasgan el límite de la subsistencia formando el lumpen del Estado del Bienestar. Aún así, Percy es un buen chico alejado de malos hábitos. Qué diferencia con Harry Potter en que su familia pasa completamente desapercibida y es indiferente. Sally, la madre, se convierte en el eje de toda la historia donde el amor de un hijo por su madre se convierte en algo sublime, sin resultar empalagoso. Ya era hora que se rescatasen los valores familiares en el cine infantil frente a fríos magos, tétricas escuelas y grupos de amigos aburridos de otras épocas.
Autor: Antonio Fernández Munárriz. Para www.unmundodecine.com
Por culpa del robo del rayo de Zeus, Percy es acusado injustamente. Descubre que es un semidiós, hijo de Poseidón. Hades se lleva a su madre al inframundo. Para recuperarla obtiene la ayuda de un sátiro, la hija de Atenea y los sabios consejos del centauro Quirón. Un salto social espectacular para Percy, pues pasa de ser un estudiante pobre, habitante de un suburbio, a hijo de un Dios del Olimpo. Pasar a ser de una clase superior no le hace olvidar sus orígenes modestos. Un semidiós que acepta su nuevo papel únicamente para conseguir reunirse con su madre. Nunca se siente parte de ellos a pesar de tener poderes extraordinarios. En cambio, Percy es aceptado sin problemas por parte de los otros semidioses en ese campamento clasista donde se instruyen. Causa principal de lo que sucedió a su madre, que al ser humana no pudo acceder al campamento y salvarse.
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Adentrándonos en el mundo de la mitología griega
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Hasta llegar al Olimpo, con sede en lo más alto del Empire State Building de Nueva York, aparecen muchos personajes sacados de la mitología griega. Los niños conocerán a Caronte y a Cerbero. Un campamento donde se entrenan y hay centauros, además de hijos e hijas de diferentes dioses y diosas perfectamente reconocibles. Dioses y parientes varios, monstruos de la antigüedad y a una Gorgona interpretada por Uma Thurman que deja de piedra, nunca mejor dicho, al público infantil.
Autor: Antonio Fernández Munárriz. Para www.unmundodecine.com
La presencia de la arquitectura y escultura griega a lo largo de la película es un factor muy a tener en cuenta. Frente al ambiente medievalizante de Harry Potter los niños descubren el Partenón y la escultura griega. Frente a las formulas mágicas y pociones está un niño que a través de sus actos y solo estos, se está formando como persona. Tiene de compañera y amiga a la hija de Atenea. La sabiduría frente al oscurantismo de Harry Potter. Al ver la película es imposible no compararla con Harry Potter. Percy Jackson es el sustituto natural.
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Las escenas de lucha y los efectos especiales son espectaculares hasta el punto de provocar saltos y gritos entre el público menudo. A la salida descubren que no tienen juguetes y muñecos relacionados con lo que han visto en la pantalla grande. Que sus muñecos provienen de “otras mitologías”, ya sean provenientes de galaxias lejanas o de aprendices de magos. Si esta película tiene éxito y recauda como para hacer otra, estoy seguro que veremos minotauros, poseidones y teseos en las jugueterías. Los niños usaran para ambientar sus luchas de muñecos el Partenón en miniatura. Frente a los inaccesibles castillos de la edad media, jugarán por ejemplo teniendo como referente, un puerto de una polis griega.
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Sus casi dos horas de duración no cansan a los niños. Hasta que no aparecen los títulos de crédito no se oye nada en el cine. Es la mejor muestra para comprobar que a pesar de tratar temas en apariencia muy manidos a los niños les sigue gustando. La mitología de Grecia, base de nuestra civilización, adaptada y trasladando sus viejas historias a la sociedad actual, sigue teniendo tirón. Hace falta darle el toque actual y hacerla apetecible a los más pequeños.
Autor: Antonio Fernández Munárriz. Para www.unmundodecine.com
Con la película y los libros se alimenta la curiosidad voraz de los menudos de la casa. Seguro que internet echará humo para conocer los entresijos y dimes y diretes de lo que ocurre en el Olimpo.

Autor: Antonio Fernández Munárriz. Para www.unmundodecine.com

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· Un puente hacia Terabithia (2007)
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A continuación puede verse el tráiler de Percy Jackson y el ladrón del rayo:

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La carretera (The road, Película, 2009)

La carretera

(The road. John Hillcoat, USA, 2009)

-por José Felipe Díez Rioz-

Gris

[Este artículo está protegido por derechos de autor. Ver detalles al final del mismo] Ha sido uno de los principales temores del género humano: la destrucción de este hermoso planeta azul en que vivimos. El cine ha abierto, en numerosas ocasiones, una ventana para que podamos ver como quedaría nuestro mundo y cual sería el destino de aquellas personas que consiguieran sobrevivir a la tragedia. “The road” (La carretera) la película dirigida por John Hillcoat el pasado año 2009 y que llega mañana a los videoclubes, nos vuelve a mostrar este paisaje desolador. Basada en el libro de igual título, escrito por Cormac McCarthy en el año 2006, nos cuenta el viaje emprendido por un padre y su hijo a través de un paisaje destruido por una catástrofe que ha eliminado casi toda la vida en la tierra. La novela fue galardonada con el premio Pulitzer en el año 2007.
[Autor: José Felipe Díez Rioz para www.unmundodecine.com]
El final de “El planeta de los simios” (Franklin J. Schaffner, 1968) es uno de los más impresionantes de la historia del cine. Charlton Heston arrodillado en la playa ante la estatua de la libertad demolida, maldice al hombre al descubrir que su acción ha destruido la civilización, provocando la involución descrita en toda la película. La escena, acentuada en el doblaje español por el excelente trabajo de Ángel María Baltanás poniendo la voz a Charlton Heston, resulta sobrecogedora constituyendo una buena muestra de hasta donde puede llegar la acción del hombre.
[Este artículo es una creación original y está protegido por derechos de autor]
¿Cuál fue la causa de la catástrofe en The road? Quizás la ira de algún dios, la furia de la naturaleza sin control, una amenaza del espacio exterior o la acción del propio hombre, la película no nos informa de ello, no es necesario, se trata de una catástrofe sin nombre, como tampoco tienen nombre ni el hombre ni el niño, podrían ser cualquier persona.
[Este artículo está protegido por derechos de autor. Ver detalles al final del mismo]
El film arranca con unas hermosas imágenes de la naturaleza, a continuación la ventana se cierra comenzando un sonido que hace presagiar la tragedia; el hombre se despierta, estaba soñando, alarga la mano para comprobar que el niño está ahí, el niño es su motivo, la fuerza que le impulsa a continuar viviendo.
[Autor: José Felipe Díez Rioz para www.unmundodecine.com]
Sobre unas imágenes desoladoras, la voz en off del protagonista nos narra el lugar y la situación en que nos encontramos: “los relojes se detuvieron a la una y diecisiete, hubo un potente destello de luz y luego unas pequeñas sacudidas. Creo que es octubre, pero no puedo estar seguro, hace años que no uso un calendario. Cada día es más gris que al anterior, hace frío, cada vez más, y el mundo se muere poco a poco, los animales no han sobrevivido y todos los cultivos desaparecieron hace mucho, pronto desaparecerán todos los árboles del mundo”
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Vivir
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Después de la tragedia, los supervivientes intentarían buscar soluciones para que la vida pudiese renacer, pero eso ya sucedió hace mucho tiempo y la tierra se muere día a día. La mujer tuvo a su hijo cuando el mundo ya se había acabado, el hombre decidió que había que continuar viviendo, frente a la opción de muchas personas, incluida su propia mujer, que pensaron que, sin un futuro, la vida no tenía sentido. La mujer les abandona, sola camina hacia la oscuridad, diciéndoles que vayan hacia el sur hasta la costa.
[Autor: José Felipe Díez Rioz para www.unmundodecine.com]
La película nos cuenta el viaje del hombre y del niño por esa interminable carretera hacia ningún sitio. El hombre intenta mantener la esperanza del niño y lee con él para que conozca los valores, los ideales y la grandeza del mundo que está agonizando. “Nosotros somos los buenos”, “Nosotros no comemos a otras personas”, son máximas con las que el padre intenta inculcar al hijo una ética y moral que ya han desaparecido.
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La falta de comida, el frío, el calzado para caminar y las bandas de supervivientes convertidos en caníbales serán los elementos contra los que luchar y, sobre todo, mantener una esperanza cuando no hay ninguna esperanza, puesto que el sur y la costa son iguales que el resto del planeta.
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Simplificando, podemos decir que nos encontramos ante una “road movie” que el director, acertadamente, no la convierte ni en una película de terror, ni de aventuras post apocalípticas ni de acción, aunque existen partes de la película que se pudieran incluir en esos tipos de cine, sino que se centra en la relación dramática entre el padre y el hijo, asistimos a su periplo, a sus conversaciones, formas de pensar y emociones.
[Autor: José Felipe Díez Rioz para www.unmundodecine.com]
Llevando el fuego interior
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El padre le dice al niño que ellos son los buenos, los últimos reductos de una civilización a punto de morir, sintetizándolo en la frase “Nosotros llevamos el fuego interior”
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McCarthy comenta que “The road” es una historia sobre la bondad humana en contraposición a “Meridiano de sangre” que trata sobre la maldad. Efectivamente, el personaje del niño representa la bondad, la piedad, el amor por el prójimo o la compasión, tal como vemos en los encuentros que tienen con el anciano y con el hombre que les quiere robar, mientras que el padre únicamente piensa en la protección del hijo, para él el niño es la representación de Dios “El chico lo justifica todo y si él no es la palabra de Dios entonces Dios nunca habló”
[Autor: José Felipe Díez Rioz para www.unmundodecine.com]
Al frente del reparto Viggo Mortensen, un actor irregular que aquí brilla a su mejor nivel realizando un trabajo espléndido en la encarnación del padre empeñado en dar sentido a lo que no lo tiene, además su química con el joven Kodi Smit-McPhee que encarna al chico es perfecta, junto a ellos Charlize Theron en el breve papel de la madre, únicamente presente en los recuerdos del padre y el siempre impresionante Robert Duvall encarnando al anciano.
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En cuanto al trabajo de John Hillcoat, decir que la misma cuestión puede resultar tanto un mérito y como un demérito: la fidelidad a la novela original. Hillcoat mantiene el espíritu de la novela y la adapta perfectamente, pero no llega a realizar su propia interpretación de la novela ni se aparta en ningún momento del original, no asume por ello ningún riesgo, algo que todo buen cineasta si debe de afrontar, por ello podemos decir que estamos ante un director a seguir para comprobar en sus siguientes trabajos cual es su talla como cineasta.
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Paisaje tras el desastre
[Autor: José Felipe Díez Rioz para www.unmundodecine.com]
Uno de los aspectos más sobresalientes de la película es el trabajo realizado por el español Javier Aguirresarobe en la fotografía, resulta inexplicable su ausencia en los Oscar de este año, así como la ambientación general de la película. Es un trabajo que marca el tono general del film con un resultado soberbio, una perfecta recreación de ese mundo destruido que pasa de las noches negras a los días grises, siempre igual, hasta el propio mar ya no es azul sino gris. El aspecto de los protagonistas también está sumamente conseguido, utilizando una estética parecida a los mendigos que aparecen en algunos lugares de las grandes ciudades.
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Este paisaje tras el desastre junto con los supervivientes, ha cautivado al mundo del cine siendo muchas las películas que lo han mostrado, llegando a constituir los filmes post apocalípticos casi un subgénero cinematográfico. Algunos de los títulos más destacados serían los siguientes: “Cinco (Five)” es posiblemente la primera película post apocalíptica, dirigida por Arch Oboler en 1951 nos narra la historia de los cinco únicos supervivientes tras la catástrofe nuclear; finalizando la década se estrena en 1959 “La hora final (On the beach)” donde nuevamente el holocausto nuclear ha acabado con la vida en la tierra excepto una parte de Australia hacia donde avanza la nube radioactiva, dirigida por Stanley Kramer con Gregory Peck interpretando al comandante de un submarino que busca supervivientes.
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Ya en la década de los 60 se filma la primera adaptación de la novela de Richard Mathesson “Soy leyenda”: “El último hombre en la tierra” protagonizada por Vincent Price con el tema de un único superviviente a la catástrofe nuclear, las dos siguientes adaptaciones del libro se realizaron en 1971 “El último hombre vivo” protagonizada por Charlton Heston y en el 2007 “Soy leyenda” con Will Smith como único superviviente. En los años 70 conocimos al héroe que lucha en el mundo apocalíptico donde sólo los más fuertes pueden sobrevivir “Mad Max” interpretado por Mel Gibson, con tres entregas y una cuarta prevista para el año 2011.
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Por último reseñamos una de las películas más destacadas sobre el tema, se trata de “El día después (The day alter)” dirigida por Nicholas Meyer en 1982, producida para la televisión, provocó un fuerte impacto en la opinión pública en el momento de su estreno. Cuenta, de una manera cercana al documental, los efectos de la guerra nuclear en varias familias norteamericanas. Se trata de una crítica despiadada a la política armamentística de los grandes bloques.
[Autor: José Felipe Díez Rioz para www.unmundodecine.com]
Como vemos el tema ha dado mucho juego hasta la actualidad y, posiblemente, continuaremos viendo películas ubicadas en ese paisaje post apocalíptico.
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Los caminos oscuros de Cormac MacCarthy
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Es Cormac MacCarthy uno de los escritores norteamericanos contemporáneos más notables, para algunos analistas literarios el mejor escritor americano vivo, se trata de uno de esos nombres que suenan habitualmente como candidatos al premio Nobel y, no es para menos. Nacido en 1933 en Rhode Island, su carácter reservado, su particular forma de vida, su posición alejada de las modas y de las exigencias comerciales han limitado, quizás, un reconocimiento más amplio de la calidad de su literatura.
[Autor: José Felipe Díez Rioz para www.unmundodecine.com]
Heredero de escritores como William Faulkner o Herman Melville, este explorador de las tinieblas del alma humana ha descrito como nadie el paisaje del profundo sur norteamericano, el mundo rural cercano a la frontera de Estados Unidos con México o la transición a la modernidad; sus personajes son marginales, duros, oscuros, llenos de profundas sombras, McCarthy elabora una descarnada descripción de la violencia y de la maldad o bondad del ser humano. Literatura árida, seca pero de una gran brillantez. plasmada únicamente en una decena de novelas en cuarenta y cinco años: “El guardián del vergel (1965)”, “La oscuridad exterior”, “Hijo de Dios”, “Sutree”, “Meridiano de sangre” publicada en 1985 (no dejo de pensar que podría haber realizado con esta novela ese gran maestro del western crepuscular y de la filmación de la violencia que fue Sam Peckinpah), la trilogía sobre la frontera y las dos últimas obras que son “No es país para viejos” llevada al cine por los hermanos Coen con Javier Bardem realizando un trabajo que le valió un oscar y “The road”.
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El final de la carretera
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Estamos ante una película muy dura, que produce, a poco que se entre en ella, una inquietud y un desasosiego enorme. Vemos las imágenes de un infierno que ni el mismo Dante pudo imaginar y, sobre todo, pensando en que no existe ninguna solución. Una película que, con más éxito entre la crítica que para el público, trascenderá, y su valoración aumentará con el paso del tiempo. Las imágenes del padre y del niño empujando ese carrito sobre el tremendo paisaje gris no serán fáciles de olvidar.
[Autor: José Felipe Díez Rioz para www.unmundodecine.com]
Una película que realiza una defensa extrema de la imperiosa necesidad de conservar nuestro planeta y todas las cosas buenas que en él existen, enseñándonos las consecuencias de su destrucción y el sufrimiento de la humanidad.
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Con un planteamiento argumental como éste, el final, tanto de la novela como de la película, resulta polémico; se podría haber llevado el argumento hasta sus últimas consecuencias o ese leve rayo de luz que aparece en este mundo gris, resulta un quiebro a la línea argumental llevada hasta el momento.
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Realmente, no sé cual hubiese sido la mejor opción, pero, desde luego, quien esto escribe agradece tanto al novelista como al cineasta que tras salir del cine uno regresase a casa pensando que, siempre, siempre, aún en la peor de las situaciones imaginables, hay una esperanza.
[Autor: José Felipe Díez Rioz para www.unmundodecine.com]
“Se quedó acostado observando al niño junto a la hoguera. Quería ser capaz de percibirlo. Miró a su alrededor y dijo: No hay ningún profeta en la larga crónica de la tierra que no esté siendo honrado hoy aquí”
Cormac McCarthy “The road”

Autor: José Felipe Díez Rioz. Para www.unmundodecine.com

Otros artículos recomendados de Un Mundo de Cine:

· El último hombre vivo (1971)
· The happening (2008)
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A continuación puede verse el tráiler de The road:

*Los redactores de Un Mundo de Cine informan de que esta página está bajo licencia de Creative Commons. La cita de partes de este artículo debe hacer constar: 1º) Autor: José Felipe Díez Rioz, 2º) Fuente: www.unmundodecine.com, y 3º) incluir un enlace al artículo original. La reproducción total está PROHIBIDA y requiere autorización.

Dunkerque (Película, Dunkirk, 2004)

Dunkerque

(Dunkirk. GB, 2004)

-Autor: José Luis Urraca Casal-

El milagro de Dunkerque

[Este artículo está protegido por derechos de autor. Ver detalles al final del mismo] Ayer, 5 de junio de 2010, más de medio centenar de embarcaciones con veteranos de la Segunda Guerra Mundial salieron desde la costa de Gran Bretaña con destino a la ciudad de Dunkerque para conmemorar que hace 70 años, a lo largo de un puñado de días y horas desesperadas y contra reloj, desde aquella ciudad del norte de Francia, se desarrolló la histórica evacuación de 338.000 soldados para salvarlos de caer en manos del ejército alemán. Nosotros en Un Mundo de Cine, continuando nuestro Ciclo dedicado al 70 Aniversario de la II Guerra Mundial les proponemos ver el docudrama Dunkerque, producido por la BBC en 2004, el cual realizado con un profuso realismo y basado en testimonios y personajes reales, revive a lo largo de diez jornadas las condiciones en que se desarrolló aquella vasta operación de rescate en la que participaron cientos de embarcaciones de todo tipo, y cuyo éxito evitó la derrota de Gran Bretaña y mantuvo viva la causa de los aliados.
[Autor del artículo: José Luis Urraca Casal. Licenciado en Historia]
Diez largas jornadas, las que discurrieron entre los días 26 de mayo de 1940, en que finalmente se dio la aprobación final a la Operación Dynamo –nombre con el que se bautizó la operación de reembarco- y el día 4 de junio en que los últimos buques abandonaron Dunkerque, es lo que a través de tres episodios nos invita a recorrer el docudrama producido por la BBC “Dunkerque”. Se trata de diez intensos días en los que se improvisa un vasto, intenso y arriesgado plan de rescate de un ejército derrotado y arrinconado contra la costa, cuya suerte no parece ser otra que la espera de ser finalmente capturados por el ejército alemán.
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Pero pongámonos en situación, tan sólo 16 días antes, el 10 de mayo, el ejército alemán del Tercer Reich, el mismo que había invadido con inusitada rapidez Polonia en septiembre de 1939 y Noruega en abril, ha lanzado su ataque sobre Holanda, Bélgica, Francia y Luxemburgo. Los ejércitos aliados se ven superados en tan sólo cuestión de días por la Blitzkrieg, la guerra relámpago alemana que combina elementos terrestres como las fuerzas acorazadas y la aviación, actuando con una rapidez que termina por aislar al norte de Francia al Ejército Expedicionario Británico y al primer Ejército Francés imposibilitando su repliegue al sur. El desastre militar es de tal calibre, que de ser capturados el casi medio millón de hombres aislados, Gran Bretaña se quedaría sin ejército para continuar la guerra y ante las puertas de su capitulación ante la Alemania de Hitler. La única vía de escape se encuentra en la costa, y comienza una carrera contra reloj para llegar hasta ella, mantenerla y lograr el milagro de reembarcar antes de que lo impidan los alemanes.
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Siguiendo la operación a ambos lados del Canal
[Autor del artículo: José Luis Urraca Casal. Licenciado en Historia]
El docudrama Dunkerque, dirigido por Alex Holmes y narrado por el actor Timothy Dalton nos hace una esmerada y detallada aproximación a cómo transcurren las horas y los días en los que se obra lo que ha venido a denominarse el “milagro de Dunkerque”. Y lo hace poniéndonos en los diferentes escenarios en que se desarrolla, el del Gabinete del primer ministro Winston Churchill donde se toman las decisiones en Londres, el del centro de operaciones del almirante Ramsay en Dover desde donde se coordina, y ya en el continente tanto en la playa como el puerto de Dunkerque. No olvida tampoco a los soldados que combatieron defendiendo el perímetro de defensa de la bolsa en la que fueron encerradas y poco a poco reducidas las tropas en torno a la ciudad intentando ganar tiempo para que se produjera el reembarque, así y como a los civiles, en este caso sencillos marineros y pescadores que participaron con todo tipo de embarcaciones en el rescate.
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Así podremos ver a un Winston Churchill interpretado por Simon Russell Beale (ganador del premio Olivier de teatro), para el que han transcurrido 16 días desde su nombramiento como primer ministro, conociendo la situación y debatiendo con su gabinete –como ya hemos visto en Un Mundo de Cine con la película Into the storm- en el que también encontraremos caracterizados a Anthony Eden (Jack Fortune), Clement Attlee (interpretado por su propio nieto Richard Attlee), el anterior primer ministro Neville Chamberlain (Christopher Good con un gran parecido con su personaje) o el responsable de la cartera de exteriores Lord Halifax (Richard Durden), escenificándose junto a éste último el permanente dilema entre los partidarios de negociar con Hitler para evitar la masacre del ejército británico y la firme convicción del premier en seguir combatiendo hasta el final, junto a algunas de sus más célebres palabras, como las que cierran el tercero y último de los capítulos, que se corresponden con el discurso pronunciado ante el país el 4 de junio de 1940 cuando finalizó el reembarco de las tropas aliadas.
[Este artículo está protegido por derechos de autor. Ver detalles al final del mismo]
Especial importancia adquiere dentro de la trama el capitán de la marina real William Tennant (Adrian Rawlins), quien será enviado a Dunkerque por el almirante Ramsay para desde allí coordinar bajo su mando la labor de reembarque. Será a través de su labor como conoceremos las dificultades del mismo, en una ciudad cuyo puerto, uno de los más importantes de Francia, ha sido reducido a chatarra por los bombardeos, con las condiciones en que se improvisa el rescate de las tropas en la playa a la que llegan cientos de soldados cada hora o en el espigón de madera que aún se mantiene en pie. Y todo ello bajo las continuas batidas de la Luftwaffe, cuyos stukas sembraban de cadáveres la playa y de pánico y desmoralización a las tropas. Desesperadas horas de día y de noche, donde se intenta mantener la disciplina y el orden, para tras lograr subir a una embarcación, tarea entorpecida a veces por el fuerte oleaje, emprender luego el viaje a las costa de Dover, desafiando a la aviación y las minas marinas con las que los alemanes habían sembrado alguna de las rutas de huida. Al quinto día la Royal Navy había perdido 26 buques, en total acabarían hundiéndose seis destructores británicos, 30 buques y 170 pequeñas embarcaciones.
[Autor del artículo: José Luis Urraca Casal. Licenciado en Historia]
Estos viajes los haremos a bordo de buques de la armada, como el HMS Malcolm, con sus continuas idas y venidas, o en sencillos barcos pesqueros que acudieron a la llamada del Almirantazgo, adoptando en este caso el punto de mira de los marinos civiles que no sabían lo que se iban a encontrar hasta que aparecían ante ellos las columnas de humo de la costa. Nunca se llegará a saber con exactitud el número exacto de pequeñas embarcaciones que entre yates, pesqueros, cuters, lanchas, motoras, ferries que participaron, y que junto a destructores, balandros, corbetas, patrulleras, dragaminas, barcos hospitales o de pasajeros llegan a estimarse en 933 embarcaciones.
[Este artículo es una creación original y está protegido por derechos de autor]
Seguiremos la suerte de soldados como Alf Tomb (Clive Brunt), quien murió a los 91 años, en 2003, y que fue capturado por los alemanes y posteriormente liberado en 1945, o de combatientes y heridos como el teniente Jimmy Langley, interpretado por el actor Benedict Cumberbacht (protagonista de Amazing Grace o To the ends of the earth) quien participó en la tenaz defensa del perímetro.
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La utilización de imágenes y trozos de película reales, la mayoría en color, tomados en aquellos días, entrelazados con el propio drama juega un efecto importante y realista, bien integrado en el metraje, que quizás en algunos momentos, ya muy avanzado el mismo, se torna algo lento. Mientras que el sistema de grabación de cámara en movimiento nos hará sentir, sobretodo en las líneas del frente, estar asistiendo a un reportaje en directo allí donde se produce la acción. Y los hechos están basados en testimonios reales de más de un centenar de veteranos que participaron en la operación, además de en los documentos oficiales.

Autor: José Luis Urraca Casal. Licenciado en Historia por la Universidad de Cantabria. Para www.unmundodecine.com

-Continuará-

Otros enlaces recomendados en Un Mundo de Cine:

· Into the storm (2009)
· Expiación, más allá de la pasión (2007)
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En ausencia de imágenes sobre la película, incluimos este vídeo con imágenes reales Dunkerque:

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Kick-Ass (Película, 2010)

Kick-Ass

(Kick-Ass. USA, 2010)

-Autor: José Luis Urraca Casal*-

Un superhéroe de 16 años dispuesto a patear culos

[Este artículo está protegido por derechos de autor. Ver detalles al final del mismo] Algunos recordarán aquella famosa serie de los años 80 titulada “El último héroe americano” donde William Kat se enfundaba el traje de un superhéroe sin poderes de gran comicidad, pues ahora el cine adapta el cómic de contenido adulto Kick-Ass de Mark Millar y nos muestra las aventuras de unos niños adolescentes de entre 11 y 16 años de edad convertidos en aguerridos perseguidores del crimen a imagen y semejanza de sus ídolos de papel o celuloide. Un film en el que se encuentran presentes múltiples elementos que han acompañado al género hasta nuestros días, notablemente rodado, con personajes bien caracterizados, acción, importantes dosis de violencia y que se beneficia de una pegadiza, potente e inspiradora banda sonora en la que destacan el cantante Mika al que pertenece el tema principal o el grupo The Prodigy, con el que abren los títulos de crédito. En definitiva, no defraudará a quienes estén familiarizados con el mundo del cómic o a quienes alguna vez soñaron en convertirse en superhéroes.
[Autor: José Luis Urraca Casal para www.unmundodecine.com]
Pongamos que tenemos 16 años, que asistimos a un instituto y que somos el típico alumno normalito, aquel en el que prácticamente nadie repara. Que nuestra auténtica pasión, la que compartimos con otros dos amiguetes que forman una de esas inseparables pandillas de tiempos juventud, son los cómics, lo que aparentemente nos convierte en unos “freakies”. Que inspirados por sus historietas sentimos admiración por los superhéroes y por las hazañas que estos emprenden en su lucha contra el mal, y que no comprendamos cómo el resto de las personas de nuestra edad puedan tener como ídolos -y además deseen parecerse en la vida- a personajes reales tales como Paris Hilton, cuando podríamos convertirnos en Spiderman. Eso es lo que le ocurre precisamente a Dave Lizewski (Aaron Johnson), un adolescente de la ciudad de Nueva York, que un día decide convertirse en superhéroe para combatir el crimen, aunque su único superpoder, como él mismo reconoce, sea ser invisible… aunque sólo parezca serlo para las chicas…

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De la ironía a la violencia
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Ese es el punto de partida de esta película que podemos enmarcar dentro del género de superhéroes y que está basada en el cómic homónimo, Kick-Ass, dibujado por John Romita Jr. siguiendo guión de Mark Millar. Un cómic aparecido en 2008 y que tiene la particularidad de estar protagonizado por jóvenes adolescentes e incluso por una niña de 11 años, lo cual sin embargo no debe confundir al espectador, no estamos ante una película para niños. Tiene un alto contenido de violencia que a su vez ha sido reflejado en la gran pantalla por el director Matthew Vaughn en una película de ritmo ágil, potente y acertada banda sonora, y escenas de acción propias de un guión de superhéroes suficientemente bien rodadas.
[Autor: José Luis Urraca Casal para www.unmundodecine.com]
El planteamiento inicial no deja de resultar simpático, Dave, algo torpe y enclenque, es un joven un tanto idealista, quien reflexiona cómo “cuando vemos a alguien en problemas, deseamos ayudar, pero no lo hacemos” y que ni corto ni perezoso decide convertirse en superhéroe, para lo cual encarga un traje que más bien parece de submarinista con unos llamativos colores verde y amarillo, y se cubre la cara con una máscara. Con este anacrónico atuendo –el propio de un superhéroe- comienza a subirse a tejados o a entrenar su estado físico y a patrullar la ciudad, hasta que en su primer gran encuentro con unos ladrones de coches acaba con múltiples fracturas en sus huesos, lo que hará que le tengan que implantar en el hospital titanio por todo el cuerpo –lo que le hace sentirse como Lobezno- y pierda la sensibilidad al dolor en sus terminaciones nerviosas.
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El film inserta y refleja muy bien el uso de las nuevas tecnologías, como las redes sociales, aquí es el caso de my space, lugar donde Kick-Ass se crea una cuenta donde los internautas puedan escribirle si necesitan ayuda. La fama le llegará cuando tras el percance sufrido lejos de desistir, regrese como Kick-Ass 2.0 enfrentándose en la calle con ahínco a una banda de mafiosos, siendo grabado por la cámara de un móvil y el vídeo subido a youtube, donde registrará más de 25 millones de visitas y un inusitado fenómeno mediático en torno al desconocido superhéroe de nombre Kick-Ass que no será ajeno al merchandising.
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Y a partir de aquí la película va dejando atrás la ironía de su inicio para adquirir otro tono más oscuro y violento, el cual alcanza el pleno éxtasis en este sentido con dos escenas finales que perdurarán en el recuerdo y que darán mucho que hablar. Si Dave/kick Ass, viene a recordarnos la esencia del superhéroe clásico, en su camino se topará con dos personajes Mindy una niña de 11 años entrenada en las artes marciales y en el uso de las armas por su padre, antiguo agente de policía que ahora actúa en la piel de Big Daddy (Nicolas Cage) junto a su hija, Hit Girl, buscando venganza contra quien arruinó su carrera y acabó con la vida de su esposa (matizadamente diferente en el cómic) el mafioso Frank D’Amico, interpretado por Mark Strong, quien últimamente está especializándose en papeles de villano, como los vistos en Un Mundo de Cine de Sherlock Holmes (2009) y La Reina Victoria (2009). Estos personajes tienen tras de sí un pasado más negro y presentan rasgos psicopáticos ligados a la violencia, que ejercen con la misma sangre fría que sus Némesis.

Aaron Johnson y Chloe Moretz
[Autor: José Luis Urraca Casal para www.unmundodecine.com]
El reparto está encabezado por el joven británico Aaron Johnson, el mismo de quien recientemente hemos abordado su papel como el adolescente John Lennon de la película Nowhere boy (2009), desenvuelto y convincente en su rol de Dave/Kick-Ass, aunque termine siendo desplazado en buena parte por la actriz Chloe Moretz, la cual supera las expectativas que en un personaje como el suyo (Hit Girl) puedan esperarse de alguien de tan sólo 12 años de edad. Y es que el papel la permite lucirse e impactar en el espectador, estando llamado a convertirse el suyo en un personaje mítico dentro de los aficionados al cómic y mundos adyacentes, aunque no exento de controversia dado su alto contenido violento que además ejerce con la total naturalidad referida. A Nicolas Cage le encontramos correcto en un papel hecho a su medida.
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Otros actores de Kick-Ass son Christopher Mintz Plasse (Superbad) como Chris D'Amico, el hijo del jefe del crimen, que acaba adoptando la personalidad de Red Mist; Garret M. Brown (Roswell) como el padre de Dave; Evan Peters (Never back down) y Clark Duke (Greek) como los amigos de Dave; y Dexter Fletcher (Hotel Babylon) como uno de los esbirros de D'Amico.
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El resto dejamos que lo descubran ustedes, y tengan presente que en 2012 veremos su secuela con los mismos protagonistas.

Autor: José Luis Urraca Casal. Para www.unmundodecine.com

Otros enlaces recomendados en Un Mundo de Cine:

· Jumper (Doug Liman, 2008)
· Aaron Stone (Serie de TV, 2009)
· Demons (Serie de TV, 2008)
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A continuación puede verse el tráiler de Kick-Ass:

Y acontinuación el videoclip musical “Kick-Ass” de Mika:

*Los redactores de Un Mundo de Cine informan de que esta página está bajo licencia de Creative Commons. La cita de partes de este artículo debe hacer constar: 1º) Autor: José Luis Urraca Casal, 2º) Fuente: www.unmundodecine.com, y 3º) incluir un enlace al artículo original. La reproducción total está PROHIBIDA y requiere autorización.