Tulpan (Película, 2008)

Tulpan

(Tulpan. Kazajstán, 2008)

-Autor: Antonio Fernández Munárriz*-

Imprescindible lección de cine de cualquier filmoteca

[Este artículo está protegido por derechos de autor. Ver detalles al final del mismo] En nuestra página de Un Mundo de Cine se han retratado películas duras en lo extremo de la condición humana, siguiendo esa estela de denuncia social “Tulpan” se ha convertido en el referente del falso documental. La película, con un primer visionado, nos llena de dudas e interrogantes porque hay un montón de cuestiones técnicas y de guión que se nos escapan. Es una película para poder disfrutarla al menos dos o tres veces. Con “Tulpan” -ya disponible en DVD- aprendemos de cine y cerramos filas ante la afirmación de estar ante una obra maestra. Un vahído que se cura con un frasco de sales y con un visionado tranquilo, con bolígrafo y cuaderno sobre nuestra rodilla. “Tulpan” es la imprescindible lección de cine de cualquier filmoteca.
[Autor: Antonio Fernández Munárriz para www.unmundodecine.com]
Asa vuelve a la dura estepa tras ausentarse largo tiempo en cumplimiento del servicio militar. Su sueño es ser pastor y tener su propio rebaño. Necesita casarse porque el trabajo es tan duro que necesita la ayuda de una mujer. Ansía una vida nómada por un paisaje polvoriento, sin un árbol y con pobres matorrales.
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La única mujer con la que puede casarse lo rechaza por tener las orejas demasiado grandes. No hay más mujeres en edad de casarse en la zona. Asa (Askhat Kuchencherekov) pasa el tiempo con su amigo Boni (Tolepbergen Baisakalov), Samal (Samal Esljamova) hermana, Odas (Odas Besikbasov) marido de Samal y sus pequeños sobrinos; cuidando del rebaño. Actores completamente desconocidos para el público occidental. Una interpretación naturalista.
[Autor: Antonio Fernández Munárriz para www.unmundodecine.com]
Asa vuelve a la estepa de Kazajstan vestido con un uniforme de militar marinero calcado de la vieja U.R.S.S. Cuenta historias inventadas de luchas con gigantescos pulpos para atraer la atención de los padres de la mujer que quiere como esposa.
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Tras la apariencia de viejos pastores nómadas y analfabetos se encuentra un pasado forjado en la extinta U.R.S.S, en que la educación estaba generalizada y era un derecho universal. Eran pastores pobres pero cultos. Las ficticias y rocambolescas historias de Asa le dejan en ridículo. Su ambicionada esposa le rechaza, pero poniendo una excusa, sus orejas. La verdadera razón es querer marcharse a la gran ciudad y poder estudiar. Una huida de la miseria, sin compañero. Una ciudad cruel en que su sueño suena a quimera. Terminará explotada y maltratada en un duro trabajo o siendo carne de cañón de la más pobre prostitución.
[Autor: Antonio Fernández Munárriz para www.unmundodecine.com]
Asa no ceja en su empeño y con la ayuda de Boni, insisten en varias ocasiones. Boni quiere emigrar e irse a América. Otro desarrapado que intenta huir. Conduce un destartalado camión de la época soviética transportando agua por la seca estepa. Tan estéril que las ovejas paren crías muertas y los camellos son los dueños del horizonte.
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Hay un niño que memoriza los partes de noticias que escucha por la radio. Noticias narradas en un tono grandilocuente, contando los importantes foros económicos internacionales en los que está presente el país y de los grandes beneficios que genera la exportación de petróleo. Noticias articuladas en la adulación a un Presidente todopoderoso y, por supuesto, ponen en evidencia las desigualdades sociales; las duras condiciones de vida de la mayoría de la población frente a una camarilla de políticos corruptos.
[Autor: Antonio Fernández Munárriz para www.unmundodecine.com]
Tulpan está rodada cámara en mano. Nos movemos entre rebaños de ovejas, conduciendo por la estepa, saliendo y entrando de las tiendas de los nómadas. Está rodada como un documental.

Hay una crítica social y política. Ya no hay mujeres jóvenes en la estepa. Las que se quedan están condenadas a la miseria y al analfabetismo. La gente emigra para conseguir un futuro que a través de la película se ve más claro fuera del país, que dentro.
[Autor: Antonio Fernández Munárriz para www.unmundodecine.com]
Con el desmembramiento de la U.R.S.S no se consiguió mejorar la época precedente. La U.R.S.S sigue viva en Tulpan a través del uniforme militar de Asa, el viejo camión de Boni y el pasado de educación y oportunidades que tenían los habitantes de la estepa.
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Con la supuesta apertura democrática y a pesar de los logros económicos de esta potente economía emergente del centro de Asia, llegó una época oscura y medieval, donde los derechos humanos y democráticos son permanentemente denunciados por las organizaciones internacionales y ONGs. Una fragmentación de la pobreza y la incultura que salpicó a una dócil población que ha aceptado esta condena sin levantar la voz.
[Autor: Antonio Fernández Munárriz para www.unmundodecine.com]
Los aspectos relacionados con las conquistas sociales de la U.R.S.S no pueden pasarse por alto. La culminación de un desafío a favor de los hombres y mujeres oprimidos. Con su desaparición, la estepa está poblada de vagabundos; cuando antes rebosaba dignidad.
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Una pequeña joya premiada internacionalmente
[Autor: Antonio Fernández Munárriz para www.unmundodecine.com]
Los actores fueron un mes, antes de empezar el rodaje, a vivir entre nómadas. Aprendieron la vida de la estepa a marchas forzadas, acostumbrados a la vida del norte del país (vida occidental) y de ciudad.
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El director es Sergei Dvortsevoy y también autor del guión. Es un antiguo ingeniero aeronáutico reconvertido en cineasta. Este es su primer largometraje. Viene de hacer pequeños documentales como Schastye (Paradise, 1996) o Highway (1999). Es un “cine de vida” como lo ha bautizado su director. La película está rodada en el sur de Kazajstan, en una estepa llamada Betpak Dala (Estepa del hambre).
[Autor: Antonio Fernández Munárriz para www.unmundodecine.com]
Premiada en el Festival de Cannes, 2008.Mejor película en el Festival de Montreal. Mejor director en el de Gijón y nominada a los Oscar. El director Aki Kaurismaki considera esta película como una obra maestra. Es un drama con toques de comedia pero con apariencia de falso documental. Dura 100 minutos y es una coproducción europea con la aportación de Alemania, Rusia, Suiza, Polonia y Kazajstan. El idioma utilizado es el Kazajo y en su banda sonora podemos escuchar una canción del popular grupo Boney M "Rivers of babylon", además de canciones típicas y populares de la región.
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La fotografía es un aspecto destacable y obra de Jolanta Dylewska. Una mujer que adaptó la película al duro retrato que había planificado su director utilizando el color para quitar o poner dramatismo a las escenas. Un cuidadoso trabajo del que es consciente el espectador al salir del cine y recordar la película.
[Autor: Antonio Fernández Munárriz para www.unmundodecine.com]
Como anécdota, los partos de las ovejas eran avisados mediante emisora de radio por los pastores. Rápidamente tenía que desplazarse el equipo de rodaje (a cualquier hora) para poder rodarlo. Asa (Askhat Kuchencherekov) acostumbrado a la vida de ciudad, no tuvo que actuar para representar el asco que le producía el boca a boca que tenía que hacer para salvar a las desnutridas y débiles crías de oveja que nacían. Un aliento de vida necesario para sacarlas adelante.
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El mensaje de emancipación de los pueblos, luchar por conseguir derechos universales e inalienables al ser humano; sigue presente. Ante el desafío de vivir en supuestas democracias, gobernadas por unas familias de sátrapas, con una estética occidental pero con modos de imperios del Medievo; nos encontramos en Tulpan con un grito de denuncia social.

Otros títulos recomendados en Un Mundo de Cine:

· Los Santos Inocentes (Mario Camus, 1984)
· Mamut (Lukas Moodysson, 2009)
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A continuación puede verse el tráiler de Tulpan:

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La batalla de Inglaterra (Película, 1969)

La batalla de Inglaterra

(Battle of Britain. GB, 1969)

-70 Aniversario-

-Autor: José Luis Urraca Casal-

Nunca tantos debieron tanto a tan pocos

[Este artículo está protegido por derechos de autor. Ver detalles al final del mismo] Cuando los productores Harry Saltzman y Benjamín Fisz se propusieron a mediados de los años 60 recrear para el cine la Batalla de Inglaterra que había acontecido en los comienzos de la Segunda Guerra Mundial, lograron reunir una flota aérea de considerable envergadura y a un magnífico elenco de estrellas del cine británico (Laurence Olivier, Michael Caine, Trevor Howard, Christopher Plummer…) deseosos de brindarle homenaje a quienes protagonizaron aquel episodio de la historia de su país que ha venido a conocerse como “su mejor hora”. El resultado, gracias a una extraordinaria labor técnica de la época, brinda una excelente lección de historia cinematográfica, permitiendo disfrutar de algunas de las mejores escenas de aviación del séptimo arte y comprender aquella fase decisiva del conflicto bélico, en la que la maquinaria bélica del Tercer Reich vio detenido por primera vez su arrollador avance. Hoy, 70 años después, varios Hurricane y Spitfire, entre ellos uno que combatió en 1940, han sobrevolado Whitehall en recuerdo y a la misma hora en que Winston Churchill pronunció su discurso de reconocimiento a los pilotos británicos.
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Fue un 20 de agosto de 1940 cuando en pleno desarrollo de lo que él mismo había denominado como la Batalla de Inglaterra, el primer ministro Winston Churchill pronunció ante el Parlamento una de las frases que han entrado con mayúsculas en la historia de su país, describiendo a la perfección lo que se estaba dirimiendo sobre sus cabezas, “En la historia de los conflictos humanos nunca tantos debieron tanto a tan pocos”. Reconocía así la infatigable lucha que los pilotos de la Real Fuerza Aérea (RAF) libraban día tras día con la Luftwaffe alemana en la antesala de la invasión de las islas británicas que pretendía el Tercer Reich tras la caída de Francia tan sólo unas semanas antes.
[Autor: José Luis Urraca Casal para www.unmundodecine.com]
El film “La batalla de Inglaterra” (Battle of Britain) es un claro homenaje a los hombres y mujeres que protagonizaron aquel decisivo momento de la historia británica, pero sobretodo a los pilotos de la RAF, a quienes está dedicado. Basado en la novela de Derek Dempster y Derek Wood “The narrow margin” (El estrecho margen) el guión, obra de James Kennaway y Wilfred Greatorex nos conduce a través de los dos bandos en contienda, deteniéndose tanto en las deliberaciones y decisiones del alto mando, como en las acciones desarrolladas por los pilotos de ambas flotas aéreas, centrándose fundamentalmente en el lado británico, donde se incluye la presencia de una mujer (Susannah York), por medio de la cual se introduce la vida familiar de uno de los pilotos, aunque este aspecto dramático no deja de ser una pequeña concesión dentro de la trama.
[Autor del artículo: José Luis Urraca Casal. Licenciado en Historia]
Una excelente recreación de la batalla y el contexto histórico
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Uno de los mayores alicientes de “La batalla de Inglaterra” es poder disfrutar de sus excelentes recreaciones, tanto de los combates aéreos (realizados sin técnicas digitales), donde se contó con el asesoramiento de protagonistas de la batalla como el as de la aviación alemana Adolf Galland, como ya en tierra de los aeródromos, las estaciones de radar, los centros de mando o los bombardeos, incluido el de Londres, donde se nos muestra las condiciones de la población y los efectos de las bombas.
[Autor: José Luis Urraca Casal para www.unmundodecine.com]
En aras de lograr una perfecta rigurosidad histórica, el principal desafío de los productores del film fue encontrar los genuinos aviones que habían tomado parte en la batalla, tarea nada fácil después de haber transcurrido casi tres décadas y no encontrarse ya operativos en las fuerzas aéreas. Pero la labor de búsqueda emprendida por el capitán Hamish Mahaddie logró reunir 27 Spitfire -de los cuales 12 se pudieron hacer volar- y 6 Hurricane. Y en cuanto a la flota aérea alemana, compuesta fundamentalmente por los cazas Messerschmitt Bf 109, y los bombarderos Heinkel, se tuvo la fortuna de que la Fuerza Aérea Española, todavía mantenía en servicio diferentes versiones de los mismos provistos de motores Rolls-Royce Merlin. España los puso a entera disposición de la película, de modo que los CASA 2111 se convirtieron en los Heinkel 111 H, y tras realizarse algunas modificaciones para un mayor parecido en el morro y en el armamento, los 27 Hispano Aviación HA-1112-M1L “Buchon” en los Me 109. De modo que el rodaje se desarrolló casi por entero en la península, en Sevilla y San Sebastián, incluyendo una playa de Huelva para la escena de Dunkerque. Incluso el tren que aparece en la película en el que se traslada el Mariscal Goering es de RENFE.
[Autor del artículo: José Luis Urraca Casal. Licenciado en Historia]
El resto del rodaje se llevó a efecto en Duxford –de donde es la escena en que se vuela por los aires un hangar de 1940 que sobrevivió a la batalla-, Debden, North Weald y Hawkinge.
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Un gran elenco de estrellas británicas
[Autor: José Luis Urraca Casal para www.unmundodecine.com]
Llama poderosamente la atención, la presencia de tantos y tan notables actores británicos en la película, algo por otro lado propio de los grandes títulos bélicos de los años 60 y 70, recordemos El día más largo (1962) o Un puente lejano (1977). En el caso de “La batalla de Inglaterra” muchos renunciaron a sus respectivos caches cinematográficos para participar en la misma, conscientes del homenaje que realizaban a quienes salvaron a la isla de la invasión de los nazis.
[Autor del artículo: José Luis Urraca Casal. Licenciado en Historia]
Destaca el actor Laurence Olivier en un papel tan destacado como el del Comandante en Jefe de la RAF, el Mariscal del Aire Hugh Dowding, caracterizado brillantemente con el mismo aplomo y severidad del personaje real, el cual visitó el rodaje de la película enfermo y en silla de ruedas, un año antes de fallecer. Continuando con los personajes reales que aparecen en el film por parte inglesa, Trevor Howard interpreta al jefe del Grupo de combate nº 11, que defendía el sur de la costa inglesa, el Vice Mariscal del Aire Keith Park; Michael Redgrave da vida al Vicemariscal Douglass Evill; Kenneth Moore al capitán Douglas Bader, y Patrick Wymark al Vice mariscal y comandante del grupo nº 12, Leigh Mallory.
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Luego nos encontramos con Michael Caine, Christopher Plummer y Robert Shaw como líderes de escuadrón, y a Edward Fox e Ian McShane. También aparecen Harry Andrews y Ralph Richardson, este último como embajador británico en Suiza. Susannah York realiza el principal papel femenino, el de una oficial de sección que trabaja en los aeródromos.
[Autor: José Luis Urraca Casal para www.unmundodecine.com]
Por parte alemana, Curns Jurgens da vida al Barón von Richter, Peter Hager al Mariscal de Campo Albert Kesselring, Hein Riess al Ministro del Aire del Tercer Reich, Hermann Göring y Rolf Stiefel a Adolf Hitler en uno de sus discursos.
[Autor del artículo: José Luis Urraca Casal. Licenciado en Historia]
Sólo unos pilotos entre Hitler y Gran Bretaña
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La película nos pone en situación nada más comenzar, vemos una columna de refugiados en la carretera y un aeródromo de la RAF en Francia abandonado momentos antes de la llegada de la Luftwaffe. El avance arrollador de la Blitzkrieg, la guerra relámpago alemana, ha hundido el frente aliado. A continuación la playa de Dunkerque muestra el material de guerra abandonado por ingleses y franceses tras su milagrosa evacuación. La batalla de Inglaterra anuncia la BBC está a punto de comenzar. Y así era, tras la caída de Francia, que pidió el armisticio el 21 de junio, el siguiente objetivo de la expansión de Adolf Hitler era una indoblegable Gran Bretaña, quien dependía, como se muestra en la película, de su aviación para contener la invasión.
[Autor: José Luis Urraca Casal para www.unmundodecine.com]
La directiva de Hitler nº16 establecía la estrategia de la Operación “León Marino”, la cual debería llevarse a cabo a mediados del mes de agosto y que había de plantearse como un cruce fluvial previo aniquilamiento de la RAF, para lograr un completo dominio aéreo que eliminase el peligro que representaba la poderosa marina de guerra británica. La superioridad aérea era claramente manifiesta, los 591 cazas británicos desplegados tendrían que hacer frente a una flota aérea de 1.000 cazas y 1.200 bombarderos Heinkel y Dornier y 300 bombarderos en picado, la mayoría Stukas, que lanzarían sus ataques en repetidas oleadas diarias. Primero abatiéndose sobre las instalaciones costeras, para pasar a bombardear aeródromos, fábricas de aviones, centros de radar y de mando, así como las comunicaciones y más adelante, a partir del 24 de agosto, con el fortuito bombardeo de Londres otros objetivos, derivando a un castigo a la capital londinense.
[Autor del artículo: José Luis Urraca Casal. Licenciado en Historia]
Los pilotos británicos, tal y como se ve en la película, estuvieron sometidos a un duro y extenuante trabajo, realizando continuas salidas con sus aviones para hacer frente a las sucesivas incursiones alemanas. De modo que, tal y como subraya el Mariscal Hugh Dowding (Laurence Olivier), el principal problema era la falta de los mismos para reponer las bajas. Fundamental resultó el radar para detectar las incursiones, y las comunicaciones entre los centros de operaciones y los pilotos a través de la radio para interceptarlas. Dispositivo organizado por Dowding durante sus años al frente de la RAF. Las promesas de Hermann Göring a Hitler no se cumplieron, y a pesar de las bajas diarias en ambos bandos, su Luftwaffe no lograba el necesario aniquilamiento de la RAF, por lo que la invasión se fue posponiendo hasta mediados de septiembre y posteriormente hasta la primavera de 1941, la cual no llegaría nunca, aunque sí prosiguieron los bombardeos de Londres y otras ciudades británicas como Coventry.

Autor: José Luis Urraca Casal. Licenciado en Historia por la Universidad de Cantabria. Para www.unmundodecine.com

-Continuará mañana-

Otros títulos recomendados en Un Mundo de Cine:

· Into the storm (2009)
· Dunkerque (2004)
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A continuación puede verse el tráiler de La Batalla de Inglaterra:

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Tiburón (Película. Steven Spielberg, 1975)

Tiburón

(Jaws. Steven Spielberg, USA, 1975)

-Autor: José Felipe Díez Rioz*-

Sol, playa y …. Bruce

En Europa estamos en verano, el sol brilla en todo lo alto, hace calor y la gente se acerca a las playas para disfrutar de un agradable baño, pero en el verano de 1975 muchas personas se lo pensaron dos veces antes de poner el pie en el agua, eran los espectadores de “Tiburón”, la película de Steven Spielberg estrenada ese año sobre un enorme tiburón asesino que siembra el pánico en una tranquila y turística localidad de la costa estadounidense. Una magnífica película de suspense, terror y aventuras cuyo 35 cumpleaños celebramos en Un mundo de cine.
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“Tiburón” fue un éxito de taquilla en los cines de todo el mundo desde su estreno, recaudó más de 100 millones de dólares de la época, posteriormente han sido múltiples las veces que la película se ha repuesto e infinidad las que se ha emitido por televisión, casi todos los veranos se programa en alguna cadena. ¿Por qué no nos cansamos de verla? ¿Por qué la seguimos prefiriendo a sus imitaciones mucho más modernas y con la tecnología digital tan espectacular? ¿Por qué algunos la consideran la mejor película de Steven Spielberg, un director que cuenta con una lista muy amplia de grandes éxitos?. En Un mundo de cine apuntamos algunas de las razones que convierten esta película en un clásico.
[Autor: José Felipe Díez Rioz para www.unmundodecine.com]
El joven Steven Spielberg
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Muchas veces solemos criticar la forma de actuar de los directivos de los grandes estudios de cine por su desmedido afán comercial y sus escasos proyectos que impliquen un riesgo, pero en este caso es destacable la sagacidad de los responsables de la Universal que compraron los derechos de la novela “Tiburón” escrita por Peter Benchley antes de su publicación, confiando posteriormente en un joven y semidesconocido director, Steven Spielberg, para llevarla a la pantalla. El éxito de la película confirmó lo acertado de estas decisiones.
[Autor: José Felipe Díez Rioz para www.unmundodecine.com]
Steven Spielberg (Cincinnati, Ohio, 1946) es uno de los directores más famosos de la historia del cine desde los años 70 hasta la actualidad. Con un tipo de cine que podemos calificar de comercial y destinado al gran público, pero con una calidad artística que aflora en muchas de sus películas. Poseedor de una amplia filmografía como director y productor, ha cultivado diversos géneros como la ciencia ficción (“Encuentros en la tercera fase”, “E.T.”, “Inteligencia artificial”), el cine bélico (“1941”. “El imperio del sol”, “Salvad al soldado Ryan”) o la aventura (las sagas de Indiana Jones y de Parque Jurásico) utilizando con gran habilidad tanto los recursos tecnológicos como el manejo de los sentimientos de los espectadores, poniendo el énfasis en la defensa de la familia y el valor de la infancia. Ya en “Tiburón” podemos ver estos aspectos: Spielberg elimina la infidelidad, que aparece en la novela, de la esposa del jefe Brody con Hooper, el científico, o la escena en que Brody angustiado por la situación le dice a su hijo que le dé un beso y cuando éste le responde que por qué, Brody dice “Porque lo necesito”.
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“Tiburón” es la primera gran película de Steven Spielberg, aunque ya antes había rodado un excelente film “Duel” (El diablo sobre ruedas) del que “Tiburón” es deudor, aquí aparecen ya sus mejores características: el ritmo en el desarrollo de la historia, un guión con buenos personajes, buena técnica de montaje, acertados movimientos de cámara y un uso adecuado de los efectos especiales, sin abusar de ellos.
[Autor: José Felipe Díez Rioz para www.unmundodecine.com]
En fin, un excelente director al que hemos de agradecer todos los buenos momentos que nos ha hecho pasar y también lo que nos ha emocionado, personalmente a quien esto escribe, con la que para mi gusto es su mejor película, esa tremenda foto del holocausto que es “La lista de Schindler”.
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El gran combate
[Autor: José Felipe Díez Rioz para www.unmundodecine.com]
“Tiburón” está dividida en dos partes claramente diferenciadas. En la primera se pone en situación a los espectadores describiendo el pueblo y sus habitantes, la tranquilidad de la localidad se verá alterada por la presencia del tiburón; la primera parte es la antesala que nos conduce a la segunda, que es lo mejor de la película, el gran combate que los tres protagonistas librarán contra el tiburón.
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Tras un comienzo inquietante con unos extraños sonidos sobre el cartel de la Universal, la cámara avanza por el fondo del mar apareciendo entonces una de las señas de identidad de la película: la amenazante música de John Williams, una melodía en dos tonos que nos anuncia la presencia del tiburón. Después del primer ataque del tiburón, la película nos muestra el pueblo costero de Amity, una tranquila localidad turística situada en una isla que se dispone a disfrutar del verano, pero la presencia del tiburón amenazara la paz de la localidad. Conocemos al jefe de policía Brody, un hombre honesto llegado de la ciudad, que cierra las playas ante la amenaza del tiburón, pero el alcalde y los comerciantes del pueblo le presionan para reabrirlas ante la amenaza de ver sus ingresos reducidos, la ambición humana que no se detiene ante nada. Reabiertas las playas asistimos a algunas de las mejores escenas de la película donde vemos al jefe Brody en la playa mirando angustiado el mar mientras la gente disfruta del baño y el sol.
[Autor: José Felipe Díez Rioz para www.unmundodecine.com]
Los nuevos ataques del tiburón obligan al cierre definitivo de las playas y a la contratación de un veterano cazador de tiburones Quint, quien junto con un científico del Instituto Oceanográfico, Hooper, y el propio Brody, embarcarán para dar caza al tiburón. El recuerdo de la novela y película Moby Dick está presente en todo el film.
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Los cuatro protagonistas
[Autor: José Felipe Díez Rioz para www.unmundodecine.com]
Uno de los pilares básicos de la película es el perfecto retrato de la personalidad de los tres protagonistas (el cuarto protagonista es el tiburón al que nos referiremos más adelante). Tras la magistral secuencia de la salida del barco del puerto, enmarcado en las fauces del esqueleto de un tiburón, conocemos mejor a los tres protagonistas: el jefe Brody es un tranquilo hombre de familia amante de su mujer e hijos que intentará vencer sus propios miedos; Quint, el veterano pescador, un auténtico lobo de mar, y el científico Hooper. Quint y Hooper son los personajes opuestos, mientras el primero representa el pasado defendiendo todo lo antiguo como lo mejor, el científico representa la nueva sociedad, tan interesado en el estudio del tiburón como en su eliminación. La relación entre los tres, sus conversaciones, el sentido del humor de Quint y su forma de actuar constituyen un importante ingrediente de la película, asistimos a la competencia entre Quint y Hooper sobre quién tiene las cicatrices más importantes o a la impactante descripción de Quint sobre el naufragio del buque de la armada americana Indianápolis donde vio por primera vez a los tiburones “con sus pequeños ojos negros sin vida”. Al final se establece una relación de amistad entre ellos que conecta con el nombre del pueblo Amity.
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Quint hace referencia a un suceso real: el hundimiento del buque insignia de la 5ª Flota Naval de Estados Unidos, el USS Indianápolis, el buque que en julio de 1945 transportó el Uranio-235 hasta la base norteamericana en las islas Tinian, este material sirvió para fabricar las bombas atómicas que se descargaron el 6 y 9 de agosto de ese año sobre Hiroshima y Nagasaki. En el viaje de regreso, el Indianápolis fue torpedeado por un submarino japonés hundiéndolo, de los 1.100 hombres que formaban su tripulación, 300 murieron y 800 permanecieron flotando en aguas infestadas de tiburones. Inexplicablemente, la marina norteamericana no se percató de la ausencia del Indianápolis por lo que pasaron varios días hasta que un avión, de manera casual, descubrió a los náufragos, únicamente 300 personas pudieron ser rescatadas, el resto murió, la mayor parte de ellos pasto de los tiburones, constituyendo éste uno de los mayores desastres de la historia naval de la armada norteamericana.
[Autor: José Felipe Díez Rioz para www.unmundodecine.com]
Los tres personajes están perfectamente encarnados por los actores Roy Scheider como Brody, Richard Dreyfuss personifica a Hooper y un espléndido Robert Shaw da vida a Quint.
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Bruce
[Autor: José Felipe Díez Rioz para www.unmundodecine.com]
Spielberg hizo gala de su sentido del humor al llamar al tiburón Bruce, que era el nombre de su abogado Bruce Ramer. Es la estrella de la película, sus apariciones en el último tercio de la película son espectaculares, casi tanto como el espléndido final. Spielberg utiliza la técnica de no mostrarlo hasta la última parte de la película logrando el suspense con el movimiento de la cámara y la música, una técnica que también utilizaría Ridley Scott en “Alien” cuatro años después.
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Sorprende el magnífico trabajo en la creación del tiburón (tres estructuras metálicas complejas) y sus movimientos puramente mecánicos, a la altura de lo que hoy día se consigue con los efectos digitales. Vean la tremenda escena en que devora a Quint, donde Spielberg nos muestra su faceta más brutal que también aparecerá en alguna de sus posteriores películas, pensemos por ejemplo en el principio de “Salvar al soldado Ryan”.
[Autor: José Felipe Díez Rioz para www.unmundodecine.com]
“Tiburón” nos habla de uno de los miedos básico del ser humano: el miedo a lo desconocido así como el eterno enfrentamiento entre el hombre y la naturaleza, utilizando para ello a un animal, el gran tiburón blanco, que como constatan los científicos no es un animal más peligroso que los tigres o los osos, no son monstruos sino habitantes de los mares; los señores solitarios de los mares tal como los definen Jacques-Yves Cousteau y Jean-Michel Cousteau en su estupendo documental “El gran tiburón blanco” (1984). Estos animales que no deben suscitar temor, más al contrario, tal como señala un cartel situado en la zona de los tiburones del Zoo-Aquarium de Madrid, “El verdadero miedo es que desaparezcan”.

Autor: José Felipe Díez Rioz. Para www.unmundodecine.com

Otros enlaces recomendados en Un Mundo de Cine:

· Locuras de verano (David Lean, 1955)
· Los reyes de la playa (Peter Israelson, 1990)
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A continuación puede verse el tráiler de Tiburón (1975):

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Hannah Montana: La película (2009)

Hannah Montana: La película

(Hannah Montana: The movie. USA, 2009)

-Autor: Antonio Fernández Munárriz-

Una Disneylandia llevada a la pantalla

[Este artículo está protegido por derechos de autor. Ver detalles al final del mismo] La película Hannah Montana, estrenada el pasado 2009, canaliza el desafío de la herencia Disney: El deseo poético de mostrar la felicidad. Su principal estrella es una joven Miley Cyrus que tras protagonizar la serie de gran éxito que lleva el mismo título, ha puesto fin a una etapa de su vida con esta película. Dirigida por Peter Chelsom, conocedor del género musical gracias a "¿Bailamos?" (2004) o Algún día te encontraré (1991), sus alegres canciones llevan el sello de Robbie Nevil productor y autor de infinidad de canciones de éxito y pegadizas del pop. Hoy la sumamos a otros títulos comentados en Un Mundo de Cine y relacionados con la música como el biopic sobre un joven John Lennon “Nowhere boy” o “París, París” con fantásticos números de vodevil en una Francia de entreguerras.
[Autor: Antonio Fernández Munárriz para www.unmundodecine.com]
Hannah Montana es una representación del valor universal de la familia, la amistad y la solidaridad, eso sí; pensado en los niños y adolescentes. Está protagonizada por una Miley Cyrus que ha puesto fin a una etapa de su vida con esta película. La niña creció y ahora es lanzada, en el duro camino de la fama, como un producto maduro; siguiendo la estela de la mítica Madonna o de otros ejemplos que se han quedado por la cuneta.

Todo gira alrededor de ella. Estrella del Canal Disney con nombre curioso. Llamada Destiny Hope (Destino Esperanza) en un principio, para pasar a llamarse Miley (Sonriente) Ray Cyrus. Su primer papel en el cine se lo dio Tim Burton en “Big Fish” (2003). La acompañan un grupo de amigas y amigos que dan forma a las aventuras de la protagonista, destacando los jóvenes Emily Osment y Mitchel Musso, ambos también cantantes y estrellas del Canal Disney.
[Este artículo está protegido por derechos de autor. Ver detalles al final del mismo]
“Billy” Ray Cyrus, el padre en la ficción y fuera de ella de Hannah, es compositor y cantante de música country. Como actor ha tenido un pequeño papel en Mulholland Drive, de David Lynch. Por la película Hannah Montana recibió este año el Premio Razzie (los anti-Oscar) como peor actor de reparto, el mismo papel que sin embargo le hizo merecedor del Teen Choice Award. “Billy” Ray Cyrus tiene un difícil papel en la vida real. En un ejercicio de imaginación: Si su hija termina en el lodo de la fama y en el deterioro físico y psíquico, nadie se lo perdonará. En cambio, si el triunfo artístico de su hija la sigue persiguiendo y su vida privada está marcada por la felicidad; nadie le culpará. Porque detrás de esto hay una pretensión psicoanalítica entre padre e hija. La gente sigue con apasionamiento a Hannah y su papel ficticio-real con su padre. Crece, ritualiza unos hábitos y se ve fortalecida por la audiencia teniendo una relación artística padre-hija; en la vida real y en la serie. Un factor curioso que atrae.
[Autor: Antonio Fernández Munárriz para www.unmundodecine.com]
El director es Peter Chelsom, y viene de dirigir otra película musical “¿Bailamos?” (2004), interpretada por Susan Sarandon y Richard Gere. La película dura 102 minutos. Tomada como un conjunto de capítulos, está perfectamente estructurada y partida, se podría ver en capítulos de 20 minutos. Lleva las riendas de esta película musical, John Debney; que es compositor y director de orquesta. Viejo conocido en la Disney y cuyo padre fue el productor de los Estudios Disney durante muchos años.
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Las canciones llevan el sello de Robbie Nevil; cantante, compositor, arreglista, guitarrista virtuoso, productor y autor de infinidad de canciones de éxito y pegadizas del pop. Actualmente trabaja exclusivamente para los éxitos musicales de la Disney. Recordado por la canción “C’est la vie”, un éxito del Top 40 U.S.A, de 1986.
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El valor universal de la familia, la amistad y la solidaridad
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La protagonista, Hannah, tiene dos personalidades bien diferenciadas. Una es la buena hija, sencilla y cercana. Pero una vez puesta su peluca rubia se esboza una hondura de vida adolescente asistida por la frivolidad, el consumo y la más dura desidia. Su fama llega a cargarse la fiesta de cumpleaños de su mejor amiga.
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El padre, mediante engaño, la obliga a volver a sus orígenes. Su vuelta al pueblo y tras números musicales que llenaban la sala de butacas del cine en una platea de voces, aplausos y pataleos de gozo; hacen recapacitar a la estrella y volverse humilde.
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Triunfan los valores eternos y como muestra es el concierto benéfico que salvará al pueblo de convertirse en víctima de la más cruel especulación urbanística, de esta manera no perderán su identidad y la muerte como sociedad.
[Autor: Antonio Fernández Munárriz para www.unmundodecine.com]
Hay bromas, muchas risas e incluso Hannah encuentra el amor en un chico sano del pueblo (Lucas Till). Y digo “sano” porque la dualidad ciudad-pueblo está argumentada en ciudad igual a prisas, falta de valores y banalidad; frente a pueblo, como interpretación antropológica de la sobriedad, felicidad y laboratorio de todo lo bueno que se puede fabricar dentro de un ser humano.
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La personalidad cambiada por una peluca rubia tiene mucho que ver con un Doctor Jekyll, también con la película musical “La Máscara” y sobre todo con Batman. Esas dos personalidades enigmáticas separadas por un antifaz y traje murciélago, en el caso de Hannah por una peluca rubia y ropa de estrella frente a su pelo moreno y unos vaqueros gastados.
[Autor: Antonio Fernández Munárriz para www.unmundodecine.com]
La danza y la música reúnen y expresan la experiencia humana. La felicidad y el drama. Esta película canaliza el desafío de la herencia Disney: El deseo poético de mostrar la felicidad. Entusiasmo y pasión por la ausencia del mal, representando un modelo de sociedad que sigue vendiendo en sus parques de atracciones. Hannah Montana es una Disneylandia llevada a la pantalla.

Autor: Antonio Fernández Munárriz. Para www.unmundodecine.com

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A continuación puede verse el tráiler de Hannah Montana:

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